SPETTACOLI- Pagina 5

L’8 maggio 2026, alle ore 17, presso il Teatro di Rete 7 Piemonte – Theatrum Sabaudiae, in Corso Regio Parco 146, nell’ambito degli eventi collaterali del Salone Internazionale del Libro, Salone Off, torna, alla sua terza edizione, Next Generation Kids con l’evento “Barriera”, una celebrazione del territorio sentita e fortemente voluta dall’organizzazione Caliel Next Generation.

Protagonista dell’evento sarà il neonato Coro Barriera costituito da bambini provenienti da diversi plessi di scuola primaria e secondaria di primo grado degli istituti comprensivi Aristide Gabelli, Giovanni Cena e Bobbio Novaro, che si avvicenderanno sul palco portando in scena un repertorio composto da brani originali scritti da loro all’interno dei laboratori creativo-musicali “Ti scrivo una canzone” e qualche cover di brani amati dai più piccoli.

Lo spettacolo rappresenta un momento di restituzione artistica e sociale: attraverso la musica, la creatività e la cultura, i bambini diventano protagonisti di un cambiamento di sguardo su un quartiere fragile, contribuendo ad abbattere il pregiudizio e a restituire valore, bellezza e dignità a Barriera diMilano.

Cos’è “Barriera”

“Barriera” è un progetto artistico, educativo e sociale che nasce con l’obiettivo di restituire voce, dignità, valore e identità a un territorio spesso raccontato solo attraverso stereotipi.

Attraverso il Coro Barriera e le attività musicali collegate, il progetto coinvolge bambini e ragazzi in un percorso di espressione, appartenenza e consapevolezza, trasformando la musica in uno strumento di riscatto e di costruzione di uno sguardo nuovo sul quartiere.

“Barriera” non è solo il nome di un quartiere, ma un gesto simbolico: superare le barriere del pregiudizio e riscrivere, attraverso la bellezza e la creatività, il racconto di un territorio.

Cos’è “Ti scrivo una canzone”

“Ti scrivo una canzone” è un metodo sperimentale di creatività musicale rivolto ai bambini della scuola primaria e secondaria di primo grado. Ispirato alla pedagogia steineriana, il metodo si fonda su un approccio ludico e su una tecnica di apprendimento esperienziale ed emotivo, di tipo olistico, a base vibrazionale e immaginativa.

Attraverso l’integrazione di suono, immaginazione e percezione interiore, il percorso stimola l’attivazione emotiva e creativa del bambino, favorendo la crescita personale, l’espressione creativa e l’espressione emotiva.

Il metodo si inserisce all’interno del progetto Next Generation Kids, coinvolgendo i bambini in un’esperienza partecipata e profondamente formativa. Partner del progetto “Barriera” sono: Rete 7 Piemonte, Associazione Musicale CETRA, Associazione Nobis Futura.

Per la stagione dello Stabile, al Carignano sino al 10 maggio

 

Arrivato quasi ai settanta, Silvio Orlando – eccezionale attore con tre David di Donatello e altrettanti Nastri d’argento alle spalle, una veneziana Coppa Volpi meritatissima per “Il papà di Giovanna” di Pupi Avati, una carriera teatrale iniziata con “Comedians” di Salvatores sino a proporre come recenti titoli ”Ciarlatani” di Pablo Ramòn e “La vita davanti a sé” di Romain Gary – incontra per la prima volta Pirandello con “Il berretto a sonagli” e s’affida alla regia di Andrea Baracco, produzione Cardellino srl con gli Stabili dell’Umbria e di Bolzano, a Torino per la stagione dello Stabile torinese sino al 10 maggio al Carignano.

Il testo approntato per il palcoscenico (del 1917) è stato tratto dall’autore siciliano da due delle sue “Novelle per un anno”, “La verità “ e “Certi obblighi”, entrambe datate 1912. Testo che destò attriti e tensioni tra Pirandello e Angelo Musco, primo destinatario, intestardito nel voler far prevalere gli aspetti comici della vicenda, mentre dall’altra parte si voleva mantenere in primo piano la descrizione di una società e la tragedia di una verità mercificata. Poco ci spaventa che Baracco abbia, con lo scenografo Roberto Crea, stravolto il “salotto in casa Fiorica riccamente addobbato all’uso provinciale”, com’è stato obbligo di passate edizioni, come, ormai oggi, a centodieci anni dalla nascita, sarebbe strano non vedere gli abiti attuali di Marta Crisolini Malatesta, con quel rosso della Saracena che suona sfacciato tra tutti: ma innegabilmente ogni cosa si svolgerà fuori dal tempo e dal luogo, tutto suonerà indecifrabile e freddo e asettico, un freddo ambiente più vicino a una sala d’aspetto di una clinica signorile con annesso acquario da cui lasciar trasparire ogni controcanto possibile. Un ambiente di cui, prima che appaia, abbiamo visto un avamposto, a sipario rosso chiuso, tra mormorii più o meno percepibili, brandelli di rumori cittadini, sospiri con la suddetta Saracena a guardare misteriosamente il pubblico e a sciogliersi i capelli altrettanto rossi, mentre la serva Fana ha tempo d’occhieggiare pure lei. Non ci importa neppure che il ritratto del protagonista, racchiuso in una lingua didascalia, sia rispettato, se Ciampa porti i baffi oppure no, come poco ci spaventa, ormai oggi, leggere in locandina di una “revisione linguistica” a opera di Letizia Russo e del regista, ben sapendo che già Eduardo ne concepì un’edizione nel lontanissimo 1936 guardando alla lingua napoletana. Qui abbiamo un’edizione professionalmente corretta ma altresì “anonima”, per la gran voglia e la gran fretta – seguendo le parole di Sciascia – di “liberare Pirandello da tutte le incrostazioni filosofiche e pseudofilosofiche, da tutte le etichette concettuali, in una parola del pirandellismo. Restituire all’opera pirandelliana quella verità e libertà, quella effervescenza fantastica, che oggettivamente possiede”.

Dove nemmeno ci si dovrebbe impegnare, alla luce di quella effervescenza, a racchiudere in 90’, a rotta di collo, facendola rotolare giù per le scale, la vicenda del povero Ciampa, “strapieno di tragica umanità, non vivo ma arcivivo”, pianamente loico e meditabondo parola dopo parola, filosofeggiante della sua tranquilla quotidianità, al riparo di ogni sua pausa nell’esposizione di fatti e conseguenze. Che gli viene tellurizzata, questa sua benedetta quotidianità, dal comportamento di donna Beatrice, consorte tradita, lei ne è sicura, del cavalier Fiorica, di cui Ciampa è l’umile scrivano. Lei sa e io conosco, ma ogni cosa va richiusa dentro le mura domestiche e lì rimanervi. Finché Beatrice sprigiona il vaso di Pandora e ogni vipera se ne esce fuori, inondando una doppia famiglia e una intera città soprattutto, sino a decretare un probabilissimo scandalo che va immediatamente soffocato. La paura del ridicolo, l’abitudine del protagonista a mettere le mani avanti, sempre e per ogni cosa, quell’iniziare a vedersi sacrificabile (“che significa che io sono più che di famiglia…, sissignora, per la devozione… e lei rincalza “per la devozione e per tutto!”), quel constatare che “lo strumento è scordato” e che “la corda civile”, quella della società, quella delle convenienze, quella del saper stare al mondo, va subito rimessa a posto. Con questa ci sono “la corda seria” e “la corda pazza”, ecco, si darà la carica a quest’ultima, a Beatrice non resterà, non potendosi zittire i mormorii che già circolano, non potendo neppur più contare sugli appoggi dei notabili e del delegato Spanò, non valendo nulla il verbale e la sua testimonianza con cui s’andrebbe tutti quanti tranquilli, che “mostrarsi” pazza, l’esserlo con quei tanti “beee…!” ripetuti in faccia all’uno e all’altro, via per la strada del manicomio (tre mesi almeno finché non si saranno calmate le acque, una vacanza; “La villeggiatura” avrebbe intitolato Marco Leto il suo film del ’73: ecco, qualcosa di simile). Mantenendoci tutti ben stretto quel “pirandellismo” da cui si voleva scappare, da quell’intreccio di maschere e finzioni, da quella benpensante realtà dentro cui ancora oggi ci troviamo immersi. Mentre Ciampa “si butta a sedere su una seggiola in mezzo alla scena, scoppiando in un’orribile risata” che qui si fa anonima come molta parte della messinscena, laddove gli antichi “di rabbia, di selvaggio piacere e di disperazione” lasciano il posto a un rantolo che allo scrivano si soffoca in gola. La rabbia ha preceduto, durante i lunghi ragionamenti finali, la disperazione non la vediamo.

Mentre piace rileggere quel che scriveva Leone de Castris, che di Pirandello s’intendeva: “Il problema della ‘maschera’ è infatti il contenuto del dramma di Ciampa, il colorito e carnoso porta-insegne del gran tema pirandelliano, l’eroe astuto e la vittima sofferente della parte. In lui quel tema s’incentra davvero, diventa umanità e protesta sociale, si vive in tutte le possibili articolazioni della sua tragica e grottesca necessità, come condanna e come difesa, come ridicola esigenza di esterno decoro e drammatico bisogno di una consistenza: e si fa comportamento, ansia vitale, e persino pietosa salvaguardia dei sentimenti più veri, dialettica autentica di passione e ragione, di dolore e di simbolo.”

Resta un’umanità dolente, schierata muta alle spalle del protagonista. Restano quell’inizio inatteso e inconcludente, restato gli abiti femminili a scendere dall’alto, come quegli omini con  cappotto nero e bombetta di Magritte, resta il ballo lento tra Beatrice e la Saracena su cui come per il resto continui a chiederti il perché, resta Beatrice che issandosi sullo scranno bianco raggiunge la madre, per sederle accanto e posarle dolcemente il capo sulla spalla, resta tutta questa acidità di Ciampa che mai come adesso da vittima s’è fatto carnefice, aspro, con il pugnale in mano, con sprazzi di nera malvagità. Silvio Orlando è lucidamente teso ma non riesce a sviscerare, con tutta la fregola che Baracco gli ha messo addosso, le tante sospensioni delle sue lunghe tirate. Tra i compagni, eccelle Stefania Medri con la sua Beatrice, vittima sacrificale, tutta tensioni e rabbia e stupori, che credo all’autore di Girgenti non sarebbe affatto spiaciuta.

Elio Rabbione

Le immagini dello spettacolo sono di Leila Pozzo.

All’Alfieri, sino al 3 maggio

 

“November” di David Mamet – acclamato autore di teatro e cinema, sceneggiatore e regista – ebbe il suo debutto a New York nel gennaio del 2008, protagonista quel Nathan Lane – attore ahimè misconosciuto da noi per quanto bravo e premiatissimo – che forse qualcuno ricorderà in compagnia di Robin Williams e Gene Hackman nel “Vizietto” targato States. “November” (sino a domani per la stagione dell’Alfieri) ha una ventina d’anni ma sembra scritto ai giorni nostri, urticante e corrosivo e lontano finalmente dal politically correct imperante, reso meravigliosamente – ovvero senza peli sulla lingua, zeppo di zampate d’autore, acidamente realistico – dalla traduzione di Luca Barbareschi che riempie altresì, ça va sans dire, l’immensa figura del presidente degli Stati Uniti d’America Charles Smith. Come a dire un Mario Rossi qualsiasi. “November” è ancora una volta l’incontro tra un attore e il suo autore d’oltreoceano preferito, studiato, amato, tutto en amitié, fatto conoscere al pubblico italiano con le precedenti proposte di “Oleanna”, “Glengarry Glen Ross”, “American Buffalo”, “Perversioni sessuali a Chicago” e altri titoli.

Il luogo è lo Studio Ovale della Casa Bianca, l’eleganza che possiamo aver intravisto, telefoni che squillano in continuazione, bandiera e tappeti, divani e fatidica scrivania e tante tante chiacchiere (la scena è di Lele Moreschi). Per un’America e un mondo migliori, s’intende. Il tempo è il novembre dell’anno delle elezioni presidenziali con il presidente Smith uscente e con poche probabilità di essere rieletto, visto il recente calo di consensi che lo ha colpito e dai fondi che hanno preso a scarseggiare. Si parla di guerre e di testate nucleari come se nulla fosse, di ammiccamenti ai quattro venti e di intrallazzi, si fa confusione tra Iran e Iraq, si guarda in casa propria e si tiene d’occhio il mondo. In mezzo a giornate in cui lo staff del presidente sente già aria di vacanza e la moglie pensa alla libreria che dovrà stare in casa loro quando avranno sloggiato dalla aureolata residenza, Smith continua a cercare idee e l’occasione per realizzarle, non ultime la grazia a due tacchini prima che scocchi il Giorno del Ringraziamento e il matrimonio tra l’eccezionale speechwriter che è alle sue dipendenze e la sua compagna, che già hanno adottato una bambina andandosela a prendere – assolutamente non comprata, no, queste cose non si fanno – nella lontana Cina. Ci si dovrà pure inventare qualcosa pur di risalire nei sondaggi, vincere le nuove elezioni e non dover abbandonare quella poltrona su cui da quattro anni mister Smith sta comodamente seduto.

L’affresco di uomo con ogni sua meschinità, con la corruzione che ha sparso e continua a spargere, con la ricerca di ogni mezzo che gli consenta di mantenere quel potere che comicamente gli sta sfuggendo; e di un intero paese che somiglia tanto a quello di oggi, se senti parlare di Alaska immediatamente la “confondi” con la Groenlandia di facile acquisto o occupazione, il divertimento che spesso si fa amaro non t’impedisce di collegarti in un attimo a quanto la tivù ti mostra e a quel che i giornali ti riportano. Si ride e si pensa, in uno dei più begli esempi teatrali di questi ultimi anni: e se a volte, nel logorroico instancabile presidente, spuntano veloci aree di relativo appiattimento altrettanto velocemente ci pensa Mamet – e Barbareschi gli è di enorme aiuto – a risollevare con una fragorosa risata il proseguo dello spettacolo. “Questa è satira con il pungiglione di uno scorpione” ha scritto “Variety” mentre “The Villager” gli ha fatto eco con “Una delle prime commedie intelligenti e leggere con sostanza che abbiamo visto da molto tempo”: e potete star tranquilli che la scrittura di Mamet tutta lampi e fuochi d’artificio, in ogni sua opera, sa sempre dove andrà a parare.

Chiara Noschese, come sempre, la butta in simpatia e questa volta non si risparmia anche dal filosofeggiare nelle vesti della collaboratrice che spera nella nuova legge del presidente, oltre a firmare una regia che non conosce soste, liberissima, divertita e assolutamente divertente, capace di cucinare a dovere tutta la sua squadra. Dice: “November è un circo a tre piste dove tutto è lecito pur di continuare ad avere soldi e potere. Il protagonista è un equilibrista di professione, feroce ma buffo, vulnerabile e capriccioso, tenero e impietoso, al centro di quel circo di spudorata venalità, dove tutto è concesso”. E lo spettatore vede con quanta sicurezza, con quanta sfacciata bravura Barbareschi stia su quel filo sospeso per aria, quanto si destreggi – da grande, gigionesco attore di razza: gesti, balletti, facce, parole parole parole, tutto una gran meraviglia – all’interno di quel circo che sta perdendo i pezzi (con il sospetto da parte nostra, ben venga!, che abbia lavorato di suo, nell’attualizzazione, in una Storia che cambia giorno dopo giorno). Simone Colombari, Nico Di Crescenzo, come esagitato rappresentante associazione nazionale produttori tacchini, speso a tutto pur di salvare le sue creature da una presunta aviaria e dalle luci della tivù troppo forti e infette che dovrebbero accompagnare l’intervista, e Brian Boccuni come grande capo indiano Dwight Grackle offeso nell’onore della moglie, completano il successone della serata.

Elio Rabbione

Le immagini dello spettacolo sono di F. Di Benedetto.

Lunedì 4 maggio, alle 21.15, sarà organizzata al Cineteatro Baretti una proiezione-evento prodotta da Own Air, in collaborazione con Aiace Torino e il Circolo ARCI Amici del Cinema. Saranno presenti in sala il regista Francesco Cordio, l’autore e co-sceneggiatore del documentario, Filippo Tantillo, e il produttore Alfredo Borrelli. Condurrà l’incontro il coordinatore di Aiace Torino, Enrico Verra.

“Ritorno al tratturo” è un documentario girato in Molise nelle sale italiane a ridosso dell’evento che ha portato la piccola regione al centro delle cronache, testimoniando con la frana di Petacciato l’estrema fragilità del nostro territorio. Il film viene presentato in prima torinese al Cineteatro Baretti con una proiezione-evento, e rappresenta un viaggio nel cuore dell’Italia nascosta e dimenticata nelle aree interne, che costituiscono il 60% del territorio, abitato da 13 milioni di persone. Si tratta di luoghi lontani da tutto, in cui mancano scuole, ospedali, distributori di benzina, rete e segnale, in cui vivere rappresenta una sfida quotidiana. Il Molise è spesso citato come metafora dell’oblio, di ciò che non esiste, e diventa nel film l’emblema di tanti territori analoghi in Italia e in Europa, vittime dell’abbandono e del progressivo spopolamento. Eppure, lungo i tratturi, antichi sentieri della transumanza che si addentrano nelle montagne percorsi da uomini e animali, qualcosa resiste: a fare da guida nel cammino sono Filippo Tantillo, uno dei massimi esperti di aree interne in Italia, e l’attore Elio Germano, molisano di origine e diventato “ambasciatore” della sua regione.

Il film incontra uomini e donne che hanno scelto di restare, di intrecciare legami, di costruire comunità e avviare attività. Si tratta di allevatori, contadini e artigiani, piccoli imprenditori e studenti che intessono reti locali e lavorano in alternativa a un paradigma di crescita che divora risorse, consuma il suolo, inquina, genera diseguaglianze economiche incolmabili. In questi luoghi, in cui lo Stato non investe più, ma non rinuncia a farsi sentire in forma di burocrazia asfissiante per chi vuole investire, l’impegno di questi uomini è comunitario, accomunati dall’imperativo “ognuno si salvi da solo”, e prospetta un’altra idea di futuro e una cura condivisa della terra, che diventa resistenza e modello di uno sviluppo possibile.

Mara Martellotta

Dopo due anni di repliche all’“Edgar” di Parigi, la  “prima” italiana dell’esilarante commedia di Fabrice Donnio

Dal 7 al 10 maggio

Per la più spicciola cronaca. Secondo il report “Consumer Cyber Safety Report – Online Dating Edition 2025” di “Norton”, noto “marchio consumer di sicurezza informatica”, circa il 24% degli italiani intervistati utilizza abitualmente “app” di incontri e il 26% delle persone che si iscrivono a tali “app” ammette di mentire sul proprio profilo. La cosa, del resto (anche senza i pur importanti dati scientifici), poteva essere presumibile e ben risaputa, per immaginazione e a fronte di dati – anche a volte assai poco piacevoli – di cronaca, dal largo (e perfino dal più incompetente in materia, come il sottoscritto) popolo – bue. Insomma, il dato è reale. Scoraggiante. Ma anche, se proprio non vogliamo più di tanto abbacchiarci, un tantino risibile. A tal punto da non stupirsi più di tanto, se ben si è pensato di farne argomento di uno spettacolo teatrale a sfondo sociale (d’obbligo) ma non tedioso o bacchettone, quanto piuttosto di largo impatto ironico e capace di smuovere il pubblico a serene, paciose risate.

E’ il caso della commedia francese di successo “La foto del mio migliore amico” firmata dall’attore – sceneggiatore Fabrice Donnio e che, per la prima volta in Italia, debutterà allo “Spazio Kairos” (via Mottalciata, 7) di Torino. Ad essersi aggiudicati i diritti, per il nostro Paese e per i prossimi tre anni, è infatti la Compagnia torinese “Onda Larsen” e la prima messa in scena – per la regia di Andrea Borini, sul palco Riccardo De Leo, Gianluca Guastella e Lia Tomatis – è in programma per quattro consecutive e ormai prossime date: da giovedì 7 a domenica 10 maggio, alle 21. Poi, comincerà la tournée. Dopo aver già avuto i diritti esclusivi per “Una cena d’addio”, il filone della commedia francese per “Onda Larsen” (sempre più attiva e convincente) continua così con questo spettacolo  tradotto, per l’occasione, dal regista Borini. Si tratta di una esilarante commedia degli equivoci ai tempi, per l’appunto, delle “app”. Un primo appuntamento, un profilo fake e un migliore amico “nel posto sbagliato al momento sbagliato”: cosa succede quando il desiderio di trovare l’anima gemella online si scontra con una bugia “fin troppo fotogenica?”.

La stessa domanda si pose (ricordate?) nel remoto 1971 – quando di “app” non girava neppure l’ombra – Luigi Zampa, nella scrittura e nella direzione cinematografica del celebre “Bello, onesto, emigrato Australia sposerebbe compaesana illibata”, eccezionali interpreti Alberto Sordi e Claudia Cardinale. In scena, lo sprovveduto emigrante italiano Amedeo Battipaglia (Sordi), la giovane, tutt’altro che illibata Carmela, calabrese trapiantata a Roma (Cardinale) e l’amico “figo” Giuseppe (Angelo Infanti): e poi, lo scambio di freccia identificativa in una foto di gruppo, il rincorrersi di missive strapiene di bugie, l’incontro a Brisbane, il faticoso nominativo rimpallarsi dei due Amedeo – Giuseppe e Giuseppe – Amedeo,  fino alla tragicomica scoperta dell’inganno amoroso e la finale accettazione di una vita in quel di “Bun Bun Ga”, villaggio in pieno deserto australiano, 15 abitanti diventati 16 con la nuova “convenuta” Carmela. Amarezza, descrizione di vite rassegnate ma anche divertimento, commedia dell’“assurdo”. Di un “assurdo” diventato non rifiutabile “realtà”, perché al peggio – come suol dirsi – non c’è mai peggio.

E, dal cinema al teatro.“La foto del mio migliore amico” del francese Donnio mi riporta proprio alla mente infatti (sia pure in tempi dove le lettere scritte a mano, che impiegavano mesi ad arrivare a destinazione, non si sa neppur più cosa mai siano) lo “storico” film di Zampa.

Un parallelo inoffensivo e tutt’altro che spiacevole. Ritorniamo dunque alla commedia che impegnerà a Torino e in tournée, i tre bravi artisti di “Onda Larsen”. Il testo è in scena, con grande successo e da ormai due anni, al Teatro “Edgar” di Parigi. Protagonista é Antonio, che ha finalmente ottenuto un appuntamento con Chiara, conosciuta (vedi un po!) su un “sito di incontri”. Per l’occasione, Antonio chiede dunque al suo migliore amico Guglielmo di accompagnarlo. Perché? Semplice. Proprio perché Antonio (come il Sordi – Amedeo) aveva avuto la geniale idea di utilizzare la foto di Guglielmo come propria immagine del profilo, convinto di essere meno fotogenico dell’amico più “figo”. Ha, così, inizio una girandola di equivoci inarrestabile. Obiettivo: far innamorare Chiara di Antonio o, meglio, di Guglielmo, che finge di essere Antonio, o, forse, di Antonio che finge di essere Guglielmo. La serata sarà così decisamente e comicamente complicata, “perché questo spettacolo – affermano i protagonisti – in un’epoca in cui il mondo degli incontri digitali è diventato la nuova frontiera del corteggiamento, intende analizzare con ironia e cinismo le dinamiche moderne”. Spettacolo da non perdere. Anche perché la versione italiana curata da “Onda Larsen” mantiene intatti lo “spirito brillante” e il “fraseggio serrato” del testo originale, garantendo al pubblico una serata all’insegna del divertimento puro e del ritmo incalzante.

Per info: “Spazio Kairos”, via Mottalciata 7, Torino; tel. 351/4607575 o www.ondalarsen.org

Gianni Milani

Nelle foto: Compagnia “Onda Larsen” e il regista Andrea Borini

Organalia 2026 celebra quest’anno il XXV anniversario della propria attività

La prima  sarà intitolata “Da Torino verso il Ciriacese e il Canavese” e si svolgerà dal 2 maggio al 5 luglio toccando Chivasso, Mathi, Moncalieri, San Maurizio Canavese, Chiaverano, Cirié, San Carlo Canavese, Nole, Villanova Canavese, Torrazzo Piemonte , Cuorgne’, Andrate, con un concerto straordinario a Vigliano Biellese, in provincia di Biella.
La seconda rassegna è  intitolata “Alla scoperta delle valli di Lanzo” e verrà  sviluppata dal 4 luglio al 10 ottobre a Ceres, Monastero di Lanzo, Balme, Mezzenile, Corio, Viù, Usseglio, Lanzo Torinese, con tre concerti straordinari a Moncalieri, Volpiano e Feletto.
La prima rassegna avrà inizio sabato 2 maggio, partendo dalla basilica di Superga dove fu avviata l’avventura musicale denominata allora Vox Organorum, mutata poi nel marchio Organalia.
La serata sarà aperta alle ore 21 da un momento altamente significativo , la consegna della targa “Organalia alla carriera” al professor Guido Donati, organista e compositore, già docente dal 1978 al 2014 al Conservatorio Giuseppe Verdi di Torino, alla presenza dei suoi allievi e delle autorità.
Seguirà un concerto d’organo tenuto dal professor Gianluca Cagnani, già allievo del professor Donati e suo successore nella cattedra di Organo del Conservatorio torinese. Alla consolle dell’organo, costruito da Gioacchino Concone nel 1789, svilupperà un programma intitolato “Bach e l’arte dell’improvvisazione. Tra lo stylus phantasticus nord europeo e lo stile italiano”, con brani di Bach, Buxtehude, Benedetto Marcello e alcune improvvisazioni.
Questo appuntamento ha il patrocinio della Città di Torino e prevede la possibilità di una visita guidata alla basilica a cura della Fraternità della Speranza Sermig della durata di 45 minuti dalle 19.30 alle 20.15. Punto di ritrovo presso la biglietteria alle ore 19.15.

Domenica 3 maggio alle ore 17 a Castelnuovo don Bosco, nell’Astigiano, si terrà il secondo concerto di Organalia nella chiesa di San Bartolomeo. L’interprete sarà l’organista novarese Luca Canneto che, alla consolle dell’organo costruito da Giuseppe Calandra nel 1760, svilupperà un programma intitolato “L’arte di sonare: tra inventioni e passaggi”, con brani di Cima, Frescobaldi, Pasquini, Sabatini e Storace. Questo concerto si avvale dei contributi del Comune di Castelnuovo don Bosco e si svolge in collaborazione con l’associazione “When the Saints” e con il Lions Club Castelnuovo don Bosco.
Organalia si avvale del patrocinio della Regione Piemonte, Consiglio regionale del Piemonte e Città Metropolitana di Torino.
Tutti i concerti sono ad ingresso con offerta libera
È possibile scrivere ad Organalia all’indirizzo info@organalia.org

Mara Martellotta

Venerdì 8 maggio, alle 21.30, andrà in scena al teatro Juvarra lo spettacolo dal titolo “Just Wonder”, un omaggio appassionato a uno degli artisti più influenti nella storia della musica mondiale, Stevie Wonder. Si tratta di una voce che valica il limite del tempo, capace di trasmettere un messaggio universale di amore, speranza e impegno sociale.

“Just Wonder” reinterpretazione in chiave jazz contemporanea di alcuni dei brani più celebri e significativi del repertorio di questo compositore. Gli arrangiamenti originali sono firmati da Enzo Orefice e offrono nuove prospettive armoniche e ritmiche, mantenendo inalterata l’emozione e la potenza espressiva delle versioni originali. Una vera e propria “mini big band” libera l’energia delle sezioni dei fiati, unita alla libertà improvvisativa tipica del jazz, dando vita a un’esperienza ricca di sfumature e coinvolgente. Il concerto propone capolavori come quelli dal titolo “Superstition”, “Sir Duke”, “Leightly”, “Isn’t she Lovely”, “I wish”, “Do I Do”, e molti altri con spazi dedicati all’improvvisazione e alla reinterpretazione creativa.

In scena tra le voci Roberta Bacciolo, Elena Bacciolo e Marta Piccichè; al sax alto Francesca Verace e Vincenzo Martire; al sax tenore Paolo Guerriero, al sax baritono Domenico Gugliotta, alla tromba Alessandro Grimaldi e Daniele Gentile, al trombone Enrico De Laurenti e Aldo Caramellino, al basso Luciano Saracino, alla chitarra Alessandro Sugameli, alle percussioni Gianluca Fuiano. Pianoforte e arrangiamenti di Enzo Orefice.

Venerdì 8 maggio 2026, ore 21.30 – intero 20 euro – teatro Juvarra – via Juvarra 13, Torino

info@teatrojuvarra.it

Mara Martellotta

Chiude, con il concerto di “Sister Lb”, il Progetto di “Renken ETS” con artiste e attiviste under 30

Venerdì 8 maggio, ore 21

Figura centrale della scena musicale senegalese e artista che grintosamente sfida gli “standard” musicali del “Rap”, sarà Sister Lb (al secolo Selbe Diouf) a chiudere, a Torino, il Progetto “Plural Voices”.

Venerdì 8 maggio, alle 21, è in calendario un suo concerto negli spazi del Circolo culturale “Jigeenyi”, in via Borgo Dora 3/0, a Torino. L’appuntamento é a ingresso gratuito che, per chi vuole, può essere anticipato da aperitivo o cena africana. L’artista è stata scelta per l’affinità delle sue tematiche con gli obiettivi di “Plural Voices”, Progetto firmato dalle Associazioni “Renken Ets”, “Anomalia Teatro” e “Laki Aps” che ha previsto talk, dibattiti, incontri artistici e appuntamenti teatrali, quali “momenti di partecipazione femminile e di sensibilizzazione rispetto alle ‘tematiche di genere’ e di ‘educazione alla cittadinanza globale’, proposti nei quartieri di ‘Barriera di Milano’ e di ‘Aurora’, nonché  frutto di un intenso lavoro di coprogettazione”.

Riconosciuta tra gli otto “rapper” più influenti e celebri del Senegal, Sister Lb sfida gli “standard maschili” del “rap”, senza rinunciare alla propria femminilità. Collabora anche con l’“Onu” sul tema delle “migrazioni” ed è fortemente impegnata nel raccontare la ricca e viva storia del suo quartiere di Dakar, denunciando le diseguaglianze e difendendo quell’empowerment artistico – femminile che, negli ultimi anni, si è fortemente imposto al potere di un “patriarcato” con le radici ben affondate in ogni aspetto della società.

Nata in una famiglia di musicisti, a Sister LB la madre, coreografa, ha trasmesso l’amore per la cultura e per le melodie ispirate alla tradizione senegalese della cosiddetta “Teranga” (“Ospitalità” in lingua “wolof”), ispirata da figure come il Gruppo dei “Positive Black Soul” e “Missy Elliot”.

Ha rappresentato il Senegal al “Womex”, uno degli eventi culturali più influenti al mondo, e ha partecipato a vari Festival negli States, in Francia ed in Svizzera. È anche co-autrice di “Liees et Dèchaînées”, una raccolta di racconti che esplorano temi come la “resilienza” e l’“emancipazione”.

Nel febbraio 2025 ha ricevuto il “Music Impact Award” per il suo talento e la passione con cui contribuisce alle arti e alla cultura senegalesi.

Il Progetto “Plural Voices” in “Barriera di Milano” e ad “Aurora”

Dice Giulia Gozzellino, vice-presidente di “Renken Ets”: “ ‘Plural Voices’ nasce dalla volontà di creare attività culturali nei quartieri di Aurora e Barriera di Milano insieme a donne arabe e afrodiscendenti. Abbiamo iniziato a incontrarci per condividere le nostre passioni, i nostri interessi e le competenze: insieme, poi, abbiamo costruito un percorso in cui ci formiamo e definiamo un calendario comune. In questo modo abbiamo attraversato diversi strumenti artistici e culturali per agire il nostro femminismo e l’antirazzismo nei quartieri che abitiamo”.

Obiettivo principale del “Progetto”, l’“empowerment femminile”.

“Il calendario di appuntamenti – ancora Gozzellino – è stato creato per valorizzare le diversità, creare spazi di parola, anche di lotta per una giustizia sociale e di genere, per i diritti umani, per la prevenzione dei conflitti, per l’educazione interculturale e l’antirazzismo. Punto di forza la ‘coprogettazione’. Tutti i momenti  sono nati da un gruppo di giovani – donne, artiste e attiviste – che hanno pensato alle iniziative tra Barriera di Milano e Aurora, parlando soprattutto agli ‘under 30’. Ha previsto tre moduli formativi con questo gruppo di donne che, così, hanno affinato competenze organizzative, di programmazione e gestione autonoma di eventi. Poi è nata la proposta di sei eventi culturali co-progettati e l’elaborazione di tre workshop intensivi di gruppo dove, attraverso la pratica teatrale, è stata concretizzata la sospensione del giudizio”.

Il “Progetto” ha lavorato anche sulle “diversità”.

“E proprio per questo – conclude Gozzellino – è stata fondamentale la presenza delle volontarie, delle operatrici e delle socie afrodiscendenti di ‘Renken’ e di ‘LAKI’, associazione di donne marocchine residenti a Torino, costituita, appunto, per lavorare sul tema dell’emancipazione femminile”.

Per info: “Renken Ets”, via Priocca 28, Torino; tel. 338/1416296 o info@renken.it

g.m.

Nelle foto: Sister Lb

L’INTERVISTA

Direttore Carlo Chatrian, due mostre molto importanti hanno caratterizzato la stagione 2025-2026 del Museo del Cinema, “Manifesti d’artista” e “My name is Orson Welles”. Esiste un fil rouge che leghi le due esposizioni?

Le mostre sono state organizzate in tempi diversi, quindi, di fatto, non ideate per avere un fil rouge che le collegasse direttamente, anche se abbiamo cercato di costruire una narrazione che le contemplasse entrambe. “Manifesti d’artista” e “My name is Orson Welles” conducono in un passato che pensiamo abbia ancora tanto da raccontare: nel caso di “Manifesti d’artista” si tratta di un passato remoto, poiché una buona parte dei manifesti in mostra hanno più di cento anni e ci riportano alla grande stagione del Futurismo italiano, oppure a quella del Costruttivismo russo, mentre nel caso di Orson Welles il salto temporale è meno ampio. Dal punto di vista museale, il nostro scopo è quello di far compiere ai visitatori un salto all’indietro che li estranei dalla realtà quotidiana e consenta loro di vivere il presente e i film di oggi con sguardo rinnovato. Da questo punto di vista Orson Welles, a mio parere, è estremamente emblematico, perché si tratta di un regista del Novecento che, molto più di altri, ha immaginato il cinema come un’arte magica, che costruisce la realtà, anziché riprodurla, e, se pensiamo alle potenzialità che possiede oggi l’immagine digitale nel creare dimensioni reali, vediamo il collegamento diventare evidente. Il Cinema, a differenza di altre arti, si mescola con l’industria, quindi, nella grande maggioranza dei casi, i materiali sono finalizzati a essere filmati e consumati dal cinema stesso, non sono costruiti per durare, il che rende la loro conservazione una sorta di sfida: in “Manifesti d’artista”, per esempio, la carta su cui sono stampati gli stessi è di tipo usomano, che notoriamente patisce il passare del tempo, quindi deve essere maneggiata con tanta cura. Il medesimo aspetto si riscontra per quei film girati ottant’anni fa, come nel caso del celeberrimo “Quarto potere” o de “La signora di Shangai”. La mostra su Orson Welles, estremamente ricca perché comprende più di 400 documenti tra poster, foto di scena e schizzi prodotti dallo stesso Welles, mette in luce anche alcuni talenti meno noti del grande regista e attore, come quello per la scultura, conferendo all’esposizione una panoramica molto ampia di un grande genio creativo del Novecento.

Si è concluso da poco, con successo, il Lovers Film Festival. In che modo i valori di questo festival si riflettono nell’attività del Museo del Cinema? Può darci una sua riflessione sul titolo di questa edizione “Chi guarda chi”?

Il Lovers è un festival dedicato ai film dalle tematiche LGBTQIA+, sigla che racchiude tutte le diverse espressioni della sessualità e dell’identità. Si tratta di una rassegna che ci sta particolarmente a cuore perché, nonostante i progressi ottenuti negli ultimi anni rispetto all’integrazione delle differenze e delle minoranze, molti passi devono ancora essere compiuti. Lovers cerca ogni anno, attraverso film e ospiti, di far riflettere in modo approfondito su questi argomenti, e il titolo “Chi guarda chi” deve far pensare a quanto l’atto di guardare implichi anche un giudizio, conscio o inconscio che sia.
Penso che il cinema abbia la capacità di rovesciare, fare da specchio e mettere in evidenza questo concetto, ovvero che, quando si guarda, contemporaneamente si può essere guardati, facendo emergere tutti i pregiudizi e le visioni parziali. Questo “claim” rappresenta il desiderio e la necessità di andare verso una società in cui la centralità del dialogo possa esprimersi attraverso una posizione paritaria. Il cinema è l’arte che, più di ogni altra, mette tutti noi sullo stesso piano. L’edizione di quest’anno ha riscosso grande successo perché, probabilmente, è riuscita a porre al centro della sua narrazione il tema dell’inclusione attraverso un linguaggio, quello dei film, aperto e accessibile a tutti.

Può accennare qualcosa a proposito del Torino Film Festival 2026? Sarà ancora diretto da Giulio Base? Dove si orienterà il suo sguardo?

Per avere novità “succulente” sulla prossima edizione del Torino Film Festival bisognerà chiedere al direttore Giulio Base, che è stato confermato anche a fronte di un grande successo che il festival ha già riscontrato nelle passate edizioni da lui dirette. La formula resta quella vincente, ovvero quella di abbinare il lavoro di scoperta di nuove voci del cinema, soprattutto nei film in concorso, con la presenza di grandi star, grandi nomi che fanno sognare gli spettatori. I contenuti saranno definiti durante le settimane che anticiperanno il festival, che avrà luogo a novembre. Siamo convinti che Giulio Base costruirà un programma nuovamente avvincente, capace di incuriosire e coinvolgere l’intera città. Posso solo annunciare che Marilyn Monroe sarà la “Stella” sotto il cui segno si svolgerà la prossima edizione, quindi sarà presente una retrospettiva a lei dedicata.

Quali sono i prossimi obiettivi e le collaborazioni internazionali che caratterizzeranno il futuro del Museo del Cinema?

Vi è la volontà di riallacciare i rapporti con istituzioni importanti e prestigiose a livello nazionale e internazionale, oltre a valorizzare al meglio le nostre collezioni, perché il patrimonio che noi esponiamo è veramente una parte molto piccola di quello che possediamo. Da questo punto di vista abbiamo progetti importanti, tra i quali il rendere accessibili i nostri depositi, riammodernare il Museo Nazionale del Cinema, come è successo già nel 2025 con l’attivazione di una zona chiamata “Video Room”, in cui accogliamo lavori realizzati da giovani studenti, tra videosaggi e altri materiali. Insomma, posso affermare che il Museo si muove intensamente anche quando, dall’esterno, sembrano non esserci novità di grande rilevanza.

Mara Martellotta