SPETTACOLI

Presentata la stagione dello Stabile torinese

Una giusta punta d’orgoglio, sin dall’inizio di questa presentazione della 71ma stagione del TST – Teatro Nazionale, autorità e in quella fotografia e in quel titolostaff e dirigenza tutti schierati sul palcoscenico del Gobetti, nelle parole del presidente Alessandro Bianchi: “Quella che stiamo concludendo in questi giorni ha raggiunto la quota dei 170mila biglietti venduti, un record che mai avevamo raggiunto. Non significa soltanto maggiori ricavi, in quella cifra c’è la verità di un interesse crescente, per il teatro e per le scelte dei nostri spettacoli, come la spinta a proseguire.” E allora vai! con la numero settantuno, tre sale a far da palcoscenico – le abituali Carignano, Gobetti e Fonderie Limone – più l’apporto di un appartamento al piano nobile di piazza Carignano 2 dentro il quale verrà proposto “L’evento”, per la regia di Kriszta Székely, a cui darà voce e corpo la giovane e talentuosa Alice Fazzi, testo del premio Nobel 2022 per la Letteratura Annie Ernaux, una vicenda che sa d’autobiografia, ambientata nell’ottobre del 1963, in cui una studentessa ventitreenne è costretta a ricorrere a vie clandestine per interrompere una gravidanza, nell’illegalità che ancora vige in suolo francese: una esperienza umana dolorosa che incrocia ambiguità e silenzi, la vicinanza di poche compagne, l’incontro con una madre.

“Elisir” è il titolo della stagione, stampato in negativo sulla copertina del programma, cento pagine di titoli e di notizie e di futuri appuntamenti, due rosate vegliarde, torretta di gelato in mano, qualche grinza in viso e occhialoni e una tuta da catwoman, compresa la stella del Guarini in rilievo, una selva di significati in quella fotografia e in quel titolo, dove “l’elisir” – non inteso certo come ricetta per l’immortalità né come mezzo per arrestare il corso del tempo – ci aiuta a vivere più a lungo, dove il teatro migliora l’aspetto della vita, dove di fronte a palcoscenico e attori lo spettatore è assai più felice, dove giganteggia una linea pop e dove si tende a sottolineare una discontinuità rispetto al passato. Insomma aria di festa, desiderio di produrre e di mostrare, un calendario che è stato d’obbligo “comporre e scomporre”, confesserà Valerio Binasco – mentre sfoglia i siparietti che da qualche tempo ci regala, mentre si alza e si risiede sulla sedia, mentre improvvisa o legge, mentre spiega o più o meno silenziosamente rimugina -, per farsi meraviglioso carico della teatrale potenzialità italiana e per votarsi sempre di più a quella internazionalizzazione che, con il nome della Székely, porterà a Torino Eline Arbo, regista norvegese direttrice dell’International Theatre di Amsterdam, con “The End of Eddy” di Eduard Louis, il ritorno dell’inglese Ben Duke con la sua ultima creazione “The Last Hamlet” e la réunion dei discendenti di quello che è stato il mito Charlie Chaplin guidati da James Thierrée e Victoria Chaplin che presenteranno “Rendez-vous”.

94 titoli in sede e in tournée, tra cui 21 produzioni e coproduzioni, 57 ospitalità e 16 spettacoli per Torinodanza Festival: “per entrare a teatro e uscire più diversi” sostiene Binasco. Si inaugura il 5 ottobre al Carignano con “Una delle ultime sere di carnovale” di Goldoni, regia di Binasco (“è il mio primo spettacolo in costume, voglio dare retta a Goldoni più che posso”), l’abbandono di Venezia e la partenza dell’autore per Parigi, ma uomini e donne come noi, “si parla di gente povera, di mestiere e di classe operaia, di emigrazione”, nella continuazione di questi ultimi due anni in cui “mi sono dedicato a mettere in scena i ‘signor nessuno’, a leggere le nostre storie comuni”. Tra gli interpreti, Orietta Notari, Natalino Balasso, Marta Cortellazzo Wiel, Giordana Faggiano, Nicola Pannelli e Milvia Marigliano fresca del successo personale nella “Grazia” di Sorrentino come Coco Valori. Ma, ad essere esatti, avrà già anticipato il giorno precedente al Gobetti Mathias Martelli – raggiunto al telefono in quel di Madrid prima tappa del lungo tour che all’insegna di “Dario Fo 100” lo porterà ai quattro lati del mondo, da New York a Sidney, da Rio de Janeiro a Tunisi, da Santiago del Cile a Stoccarda, da Atene a Parigi – con “Lu santo jullàre Françesco”, ancora Fo, nell’800mo centenario della morte del Santo, un ritratto “contemporaneo, folle, necessario e luminosamente irregolare”.

Non soltanto i classici, nelle scelte del direttore artistico, del direttore artistico junior Pleuteri, del vicedirettore artistico di nuova nomina Leonardo Lidi (a lui si dovrà a febbraio al Gobetti la messinscena dell’”Inserzione” di Natalia Ginzburg, “una storia di solitudine, amicizia, gelosia e follia”, interpreti Marta Pizzigallo e Ilaria Campani, e la ripresa dell’”Amleto” con Mario Pirrello) e del Direttore Generale Filippo Fonsatti, ma una buona parte di contemporaneità, fatti male i conti due terzi delle proposte, “sui venticinque spettacoli del Carignano – sottolinea Pleuteri, immaginando una colorata torta da suddividere – quindici si devono ad autori viventi “, come ampia è la presenza femminile a tirare le fila di vari spettacoli, attrici e registe, mentre già ad inizio dell’incontro (“ma non è una polemica quella che voglio fare”) Rosanna Purchia, assessore alla Cultura del Comune, s’augura una scalata in rosa anche verso le responsabilità manageriali e organizzative dell’Ente torinese. Tra le tante proposte, Alessandro Haber affronterà “Le ultime lune”, testo di Fulvio Bordon con cui Marcello Mastroianni, già malato, dette l’addio alle scene, la brechtiana “Madre Courage” con Lunetta Savino per la regia di Leo Muscato, “una figura contraddittoria che vive nel conflitto come dentro un mercato permanente, scivolosa, inafferrabile, in una parola umana”, mentre s’annunciano per la prima quindicina di dicembre “la musica dal vivo e un deciso taglio rock, a trasformare la scena in un concerto di luce, suono e corpi”. Giuseppe Cederna affronta il mondo animale di Bernardo Zannoni, vincitore del Campiello 2022 con “I miei stupidi intenti”, vedremo la coppia Favino regista e Anna Ferzetti (anche lei successo personale con “La grazia”) interprete in “People, Places & Things” del britannico Duncan Macmillan, a raccontare un percorso di recupero dalla dipendenza da alcol e droghe da parte di Emma, attrice fragile e smarrita; Davide Livermore proporrà con lo Stabile genovese “Orlando Furioso” “da” Ludovico Ariosto, Shakespeare (“Otello”) e John Ford (“Peccato che sia una sgualdrina”) a onorare il teatro seicentesco d’oltremanica, Emma Dante e “Dopo la prova” con cui Gabriele Lavia rende omaggio a Ingmar Bergman, Stefano Massini a fare e a farci fare i conti con “Lo zar” che al secolo ha il nome di Vladimir Putin: dopo “Mein Kampf” e “Donald”, un nuovo percorso, “lo spettacolo attraversa il crollo dell’URSS fra violenza, fame, tumulti e bande criminali, e ricostruisce la metodica scalata al potere del futuro leader”.

Nella sala di via Rossini, tra gli altri, “Lettere a Bernini”, amaro quanto rabbioso ricordo del genio verso l’odiato collega Francesco Borromini, “Predatori di pianura”, ispirato a Ruzante, per la regia di Gabriele Vacis e l’interpretazione di Andrea Pennacchi, in pieno successo con i suoi compagni dopo l’exploit di “Le città di pianura” al cinema, “Figli” scritto dallo scomparso Mattia Torre e adattato e diretto da Fausto Paravidino, interpretato da Edoardo Pesce, poi Stefania Rocca e Michele Di Mauro, Jurij Ferrini ancora una volta pronto a cimentarsi con Rafael Spregelburd, Giordana Faggiano – era ora che qualcuno la chiamasse a protagonista assoluta! è stato il compito di Davide Sacco – con “Lettera di una sconosciuta” dalla novella di Stefan Zweig, la storia di una donna che, mai notata, ha trascorso la intera vita all’ombra di un celebre scrittore, tra sacrificio e devozione. Sbirciando nelle sale delle Fonderie Limone di Moncalieri, Roberto Andò dirige Lino Musella e un nutrito cast di interpreti in “Non posso narrare la mia vita”, a rendere omaggio alla voce indimenticabile di Enzo Moscato, Gabriele Vacis affronta in maniera definitiva la “Trilogia dei Libri” con il Corano, una quindicina di giorni a maggio per riapplaudire uno degli spettacoli più convincenti della stagione che si sta per concludere, quel “Resteremo per sempre qui buone ad aspettarti”, Pleuteri e Lidi a preparare una ottima pista a un trio d’attrici di eccezionale bravura, Marta Malvestiti, Beatrice Verzotti e Teresa Castello, tra i “giorni migliori” del teatro italiano, un cane un gatto e un pesciolino rosso di sesso femminile che vivono una loro avventura (in tempo di Covid) in attesa di un personale Godot che non arriverà mai.

Elio Rabbione

Nelle immagini: Valerio Binasco, regista di “Una delle ultime sere di carnovale” (ph. Virginia Brown); “Resteremo per sempre qui buone ad aspettarti” (ph. Luigi De Palma); “People, Places & Things” (ph. Enrico De Luigi); “Rendez-vous” (ph. Richard Haughton).

­ Quindici anni dopo la sua nascita, il Festival della TV chiude l’edizione 2026 con un successo che conferma il ruolo di Dogliani come uno dei luoghi centrali del dibattito italiano sui media, un laboratorio a cielo aperto dove la relazione tra chi comunica e chi ascolta è concreta, viva, misurabile in piazze piene e in conversazioni che continuano ben oltre gli incontri. I “Dialoghi Coraggiosi”, tema di questa edizione, non sono rimasti un titolo, ma si sono tradotti in approfondimenti sul nostro tempo e su come, attraverso lo sguardo dei protagonisti della televisione, della stampa, della radio e delle piattaforme digitali, si possano trovare modi nuovi per capire di più ciò che ci circonda. Tanto, tantissimo pubblico ha attraversato le tre giornate del festival, riempiendo anche le mattine e i pomeriggi assolati di Piazza Umberto I. Qui si sono alternati gli appuntamenti con, fra i moti, i direttori dei quotidiani e delle televisioni, le riflessioni di Urbano Cairo sul presente e il futuro dell’editoria, il racconto di Enrico Mentana sul dovere di informare nel tempo delle breaking news permanenti, gli intrecci tra sport e attualità, la storia di Linus e dei suoi cinquant’anni di radio, l’amore intatto di grandi e bambini per Gerry Scotti, accolto come un amico di famiglia e premiato con il Premio FIAT alla carriera. Attorno a loro, voci e stili diversi hanno composto un unico racconto: Aldo Cazzullo e il suo monologo su San Francesco, Serena Dandini, Giorgio Panariello, Katia Follesa, il true crime di Stefano Nazzi, l’esperienza e le malizie di Lucio Presta indagate dall’indomito giornalismo di Giovanni Minoli. ­ Sul Belvedere, il palco che guarda le colline delle Langhe, il Festival ha aperto una finestra sul mondo. Qui il pubblico ha incontrato, tra gli altri, Alessandra Ghisleri e le sue analisi sull’America di oggi, Paolo Gentiloni con una riflessione sull’Europa e debito pubblico, Corrado Formigli, il Premio Coripet per l’Ambiente conferito a Domenico Iannacone nell’ambito di una giornata che ha legato sostenibilità, territorio e narrazione, mostrando come lo sguardo lungo e la lentezza del racconto possano ancora trovare spazio in un ecosistema mediatico spesso dominato dalla velocità. ­ Il nuovo palco di Piazza Confraternita è stato tra le sorprese più apprezzate: un salotto sotto la grande tettoia dove le parole hanno trovato una casa accogliente e riconoscibile. Qui, fra gli altri, la divulgazione economica di Mariangela Pira è stata premiata con il Premio Pulsee Luce e Gas all’Innovazione, a testimoniare l’importanza di chi sa rendere comprensibili i numeri e i mercati senza rinunciare alla profondità. Sempre in Confraternita, Marianna Aprile ha portato sul palco la nuova voce delle donne di potere, Gino e Michele hanno festeggiato i trent’anni di Zelig, Barbara Foria e Fabio Balsamo hanno dato forma a una comicità nuova, capace di dialogare con tv e social, mentre la musica ha risuonato forte con Omar Pedrini, Frankie Hi-nrg mc e i “suoni dal futuro” delle band scelte da Manuel Agnelli. La punteggiatura e il filo narrativo di tutte le giornate sono stati affidati, ancora una volta, ai giornalisti delle principali testate italiane, presenti sul palco non solo come moderatori, ma come straordinari interlocutori dei volti della TV e dei media, e alle voci di Radio Capital, radio ufficiale del Festival, che hanno restituito in diretta l’atmosfera delle piazze di Dogliani. Per tre giorni dirette, taccuini, microfoni e telecamere hanno raccontato un borgo trasformato in un grande racconto collettivo, dove l’edizione dei quindici anni ha celebrato una comunità di pubblico sempre più consapevole e partecipe. ­ Il nuovo palco di Piazza Confraternita è stato tra le sorprese più apprezzate: un salotto sotto la grande tettoia dove le parole hanno trovato una casa accogliente e riconoscibile. Qui, fra gli altri, la divulgazione economica di Mariangela Pira è stata premiata con il Premio Pulsee Luce e Gas all’Innovazione, a testimoniare l’importanza di chi sa rendere comprensibili i numeri e i mercati senza rinunciare alla profondità. Sempre in Confraternita, Marianna Aprile ha portato sul palco la nuova voce delle donne di potere, Gino e Michele hanno festeggiato i trent’anni di Zelig, Barbara Foria e Fabio Balsamo hanno dato forma a una comicità nuova, capace di dialogare con tv e social, mentre la musica ha risuonato forte con Omar Pedrini, Frankie Hi-nrg mc e i “suoni dal futuro” delle band scelte da Manuel Agnelli. La punteggiatura e il filo narrativo di tutte le giornate sono stati affidati, ancora una volta, ai giornalisti delle principali testate italiane, presenti sul palco non solo come moderatori, ma come straordinari interlocutori dei volti della TV e dei media, e alle voci di Radio Capital, radio ufficiale del Festival, che hanno restituito in diretta l’atmosfera delle piazze di Dogliani. Per tre giorni dirette, taccuini, microfoni e telecamere hanno raccontato un borgo trasformato in un grande racconto collettivo, dove l’edizione dei quindici anni ha celebrato una comunità di pubblico sempre più consapevole e partecipe. ­ «Questa quindicesima edizione ci ha emozionato in un modo particolare. Non solo per i numeri e per l’attenzione dei media, ma perché abbiamo sentito, ancora una volta, quanto fosse giusta l’intuizione originaria: creare un momento di condivisione dal vivo fra il pubblico e i protagonisti della televisione e dei media, in un’epoca in cui tutto sembra filtrato da schermi e algoritmi. Le piazze piene, l’ascolto attento, le domande del pubblico giovane e meno giovane ci dicono che c’è sempre più bisogno di dialogo vero e del coraggio di mettersi in gioco davanti alle persone.» dichiarano gli organizzatori Federica Mariani, Simona Arpellino e Mauro Tunis. «La gratitudine va innanzitutto al Comune di Dogliani, che crede e investe in questo progetto da quindici anni, e ai tanti volontari che rendono possibile ogni singolo incontro: senza il loro impegno il Festival non esisterebbe. Un grazie speciale va anche a tutti i partner, nuovissimi e storici, che condividono con noi questa idea di cultura come bene comune. E poi c’è l’emozione della musica: l’incontro con Noa, con la sua performance toccante nel segno della pace e della grande musica, ha rappresentato uno dei momenti più intensi di quest’anno, un abbraccio simbolico che ha unito il cuore di Dogliani al resto del mondo. È in momenti come quello che capiamo davvero perché vale la pena continuare a credere nei nostri “Dialoghi Coraggiosi”.» «Il Festival della TV valorizza Dogliani e Dogliani valorizza il Festival – aggiunge il Sindaco Claudio Raviola – In questi tre giorni il nostro paese, conosciuto da sempre come patria del Presidente Luigi Einaudi e per la sua grande tradizione enogastronomica, si è mostrato al pubblico anche per le sue bellezze architettoniche e naturali, svelando scorci e piazze che diventano parte del racconto insieme ai palchi. Un flusso continuo di persone ha riempito il centro storico: non solo pubblico dal Piemonte, ma visitatori che sono arrivati da tutta Italia per incontrare i protagonisti dei media e, allo stesso tempo, scoprire Dogliani. È questa la forza del Festival: far dialogare cultura, territorio e comunità, trasformando un borgo delle Langhe in un punto di riferimento nazionale.»

Otto concerti per la stagione 2026-2027 

La Stagione dei Concerti 2026-2027 del teatro Regio propone otto appuntamenti dal respiro europeo e dall’anima eclettica che vedranno alternarsi l’Orchestra del Teatro Regio, affiancata in due programmi anche dal coro del Teatro e in uno di essi dal Coro di Voci Bianche, e la Filarmonica TRT.

Si tratta di una proposta artistica ricca di contrasti e suggestioni, capace di affiancare i grandi classici del repertorio ad opere rare e ai linguaggi della contemporaneità,  attraversando le architetture del suono, le pulsazioni dell’elettronica e l’intimità del recital pianistico , oltre che la forza evocativa delle pagine corali.

Sul podio si alterneranno il direttore musicale Andrea Battistoni e gli interpreti di generazioni e sensibilità diverse come Emmanuel Tjeknavorian, Nicolò Umberto Foron, Felix Mildenberger, Ariane Mathiak e Valentino Corvino. Accanto a loro, voci di prestigio quali Antoinette Dennefeld, Dmitry Korchak, Franco Vassallo e Alisa Kolosova, oltre a solisti d’eccezione come il compositore e sound artist Davide Boosta Di Leo, la violinista Anna Tifu e il gigante del pianoforte Grigori Sokolov, protagonista di un atteso recital a sorpresa.

“Anche quest’anno abbiamo voluto costruire la stagione dei concerti in stretta relazione con la programmazione d’opera – spiega Mathieu Jouvin, Sovrintendente del Teatro Regio – proseguendo un percorso che mira a offrire al pubblico una proposta artistica organica, coerente e profondamente pensata. I concerti dialogano con i temi, le atmosfere e gli immaginari della stagione lirica, creando rimandi continui tra repertori, epoche e linguaggi diversi. Morptivo di grande soddisfazione è accogliere per la prima volta Grigory Sokolov all’interno della nostra stagione sinfonica. Autentica legge da del nostro tempo, egli incarna u ‘idea di pianista libera da ogni compromesso capace di vivere nell’istante irripetibile del concerto dal vivo. È molto suggestivo pensare che questa arte così assoluta e intensa incontri uno spazio che considero straordinario per identità e qualità dell’ascolto come la sala disegnata da Carlo Mollino. Il suo rapporto unico con il recital pianistico, e la profondità quasi mistica delle sue interpretazioni, rappresentano quell’idea di ascolto partecipe che vogliamo condividere con il nostro pubblico. In questa visione è fondamentale anche il lavoro del nostro direttore Andrea Battistoni, che sta contribuendo in modo decisivo a rafforzare l’identità dell’orchestra del Regio in una fase storica che vede in atto un importante rinnovo generazionale. Apprezzo molto la sua attenzione ai repertorio meno frequentati, nei confronti dei quali viviamo sempre il piacere di una bel,a scoperta nell’ascolto in sala. La Stagione dei Concerti riflette una visione aperta, curiosa e internazionale, capace di unire grandi interpreti, giovani talenti e programmi di forte intensità emotiva”.

“La nuova proposta dei Concerti approfondisce ulteriormente il dialogo tra la programmazione sinfonica e la Stagione d’Opera, creando intrecci tematici e musicali che attraversano l’intero cartellone – dichiara Cristiano Sandri, direttore artistico del Teatro Regio – penso ad esempio alla presenza della ‘Mort de Cléopâtre’ di Berlioz, perfettamente in sintonia con le atmosfere della stagione oppure alla ‘Messa di Gloria’ di Mascagni, pagina di intensa forza teatrale e spirituale. Siamo felici di accogliere per la prima volta Grigory Sokolov. La presenza del maestro Andrea Battistoni continua ad essere centrale nel rafforzare il dialogo tra la programmazione Sinfonica e quella d’opera, anche attraverso la valorizzazione di repertori meno frequentati. Molto significativa, in questo senso, è la scelta di presentare la ‘Suite Piemonte’ di Leone Sinigaglia, compositore torinese di grande valore che merita di essere riscoperto. La stagione riunisce interpreti dalle importanti carriere internazionali, molti dei quali tornano al Regio dopo recenti successi, quali Franco Vassallo, Alina Kolosova, Antoinette Dennefeld e Dmitry Korchak. Guardiamo anche alle nuove generazioni con attenzione, e siamo lieti di presentare al pubblico il giovane talento Nicolò Umberto Foron. Nel complesso si tratterà di una stagione di grande impatto artistico e emotivo, costruita attraverso programmi ricchi di suggestioni e affidata a interpreti di altissimo livello”.

Il concerto inaugurale sarà giovedì 12 novembre prossimo e avrà come titolo “Estasi”, e vedrà il direttore musicale Andrea Battistoni alla guida dell’Orchestra del Teatro Regio, in un programma dominato dal fascino dell’Oriente e dall’ebbrezza della danza. Ad aprire il concerto sarà la celebra “Bacchanale” dal “Sanson et Dalila” di Camille Saint-Saëns, esplosione di colori e sensualità esotica. Seguirà “La Mort de Cléopâtre” di Hector Berlioz, intensa scena lirica per mezzo soprano e orchestra interpretata da Antoinette Dennefeld, artista di raffinata eleganza vocale chiamata a dar voce all’ultimo tormentato istante della Regina egizia. La seconda parte del concerto è caratterizzata da ritmi iberici di Manuel de Falla, di cui ricorre il 150⁰ anniversario della nascita con le tre danze (danza de los vecinos, danza del molinero e danza final) tratte da “El sombrero de tres picos”, prima dell’inarrestabile crescendo del Boléro di Ravel, autentico rito collettivo del suono.

Rinnovo abbonamenti presso la biglietteria del Teatro Regio da mercoledi 27 maggio. Nuovi abbonamenti da sabato 20 giugno online e presso la biglietteria fino alla data del primo concerto. Biglietti singoli da martedi 1⁰ settembre online e presso la biglietteria.

Teatro Regio – piazza Castello 215, Torino – 011 8815241 -242 – biglietteria@teatroregio.torino.it  orari: da lunedì a sabato ore 11/19 e domenica 10.30/15.30

Mara Martellotta

 Fino a domenica 31 maggio

L’INTERVISTA 

Andrea, com’è nata la tua passione per il teatro?

La mia passione per il teatro è nata che ero davvero molto piccolo. Essendo napoletano, anche se non voglio farne il solito luogo comune, sono veramente cresciuto nutrendomi di teatro. Ha rappresentato la mia quotidianità, la mia normalità: ricordo che a Napoli, soprattutto le reti televisive locali, mandavano in onda 24 ore su 24 Eduardo De Filippo, Totò e altri grandi artisti originari della mia terra, e per questo devo anche ringraziare i miei genitori che, pur non provenendo specificamente dal mondo del teatro, hanno sempre frequentato molto il teatro di quartiere, il Teatro Diana, incentivando così la mia passione. Da bambino, quando non riuscivo ad addormentarmi, ricordo che insieme a mio padre si accendeva la televisione e si guardava, ancor più che i cartoni animati, una commedia di Eduardo o un film di Totò, motivo per cui conosco praticamente ogni loro battuta. Verso i 10 – 11 anni, appurato il mio poco talento calcistico, ho cominciato a frequentare un corso di teatro proposto dal Teatro Diana, cosa che feci ininterrottamente dalla prima media fino all’ultimo anno di liceo. Successivamente, insieme a qualche compagno di corso, abbiamo iniziato a fare teatro fra di noi, divertendoci molto e proponendo i nostri spettacoli negli spazi della parrocchia, per esempio. Si è trattato di un momento formativo perché ha acceso in me il senso della creatività.

Dopo il liceo com’è proseguita la tua formazione?

Alla fine del liceo feci il provino per entrare nell’Accademia “Silvio D’Amico”, a Roma. Mi presero, ma la scelta di frequentarla fu in realtà molto combattuta a causa di un’altra mia grande passione, quella per la musica e per il pianoforte in particolare, che cercava di portarmi verso il Conservatorio. Si tratta di un piccolo rimpianto, ad essere completamente sincero, anche se mitigato dall’aver potuto suonare e divertirmi comunque insieme ad alcuni amici e alla conoscenza di una grande insegnante di musica, Elisabetta Serio, che è stata anche la tastierista di Pino Daniele, con la quale ho potuto sperimentare nuovi generi musicali oltre al classico, come il jazz. In fin dei conti scelsi la strada della “Silvio D’Amico” perché la percepivo veramente come una necessità professionale, mentre la musica si era trasformata in un bellissimo divertimento. Certo è che fare teatro significa tanto sacrificio, creare percorsi lavorativi, mensili o annuali, facendo rete e conoscenza con le varie produzioni e i rispettivi interlocutori, che poi ti garantiscono di lavorare veramente in questo mondo. Autoprodursi e cercare teatri che ti ospitino risulta poco sostenibile e tanto tempo perso che, invece, andrebbe dedicato al lavoro artistico. Credo che dare continuità ai propri progetti sia fondamentale, ma oggi è anche l’aspetto più complicato, per me in quanto regista così come per ogni giovane che decida di entrare in questo bellissimo mondo del teatro.

In che modo hai trovato la tua continuità?

Io lavoro anche tanto come assistente alla regia, che mi piace moltissimo e mi serve per imparare da grandi maestri ed entrare in contatto con loro. Per quanto riguarda lo spettacolo “Biancaneve”, in scena al teatro Astra, sono stato chiamato come regista, ma parallelamente faccio parte di un collettivo teatrale che si chiama “Asilo Republic”, formato da me, Anna Bisciari (la Biancaneve dello spettacolo), Marco Fanizzi e Vincenzo Grassi, tutte persone che ho conosciuto alla “Silvio D’Amico” e con le quali, da qualche anno, propongo lavori come “Shame Culture”(in scena l’anno scorso e due anni fa al Teatro Elfo Puccini di Milano), che parla dei suicidi per motivi di studio, e parallelamente con un adattamento che ho fatto de “L’Isola di Arturo” di Elsa Morante. Il collettivo per noi è un porto sicuro in cui si cerca di creare progetti futuribili.

Com’è nata l’idea di proporre “Biancaneve” al TPE-Teatro Astra?

La prima volta che ho lavorato con il TPE – Teatro Astra ho fatto da assistente a Sergio Ariotti per una produzione del Festival delle Colline, un monologo con protagonista Francesca Cutolo, che oggi interpreta la regina-madre di Biancaneve. Successivamente ho conosciuto Andrea De Rosa (direttore artistico TPE – Teatro Astra), con il quale ho avuto la fortuna di lavorare insieme, sempre da assistente, e che ha apprezzato i miei lavori proposti all’Elfo Puccini. Andrea mi aveva già manifestato la sua volontà di portare in scena, un giorno, la “Biancaneve” di Robert Walser. Io e Anna Bisciari conoscevamo bene questo testo avendoci lavorato durante il primo anno di Accademia, e con Francesca Cutolo si era già creata una bella affinità artistica che ci ha portato oggi a rappresentare all’Astra questa splendida opera di Robert Walser. Inoltre è emozionante, e ho sentito molto la responsabilità, perché si tratta di un vero e proprio esordio italiano: questa è la prima grande produzione teatrale di “Biancaneve” del poeta e scrittore svizzero.

Ti sei sempre occupato di regia? Quali sono i tuoi punti di riferimento?

Assolutamente si. Mi ha sempre affascinato occuparmi della macchina scenica, mettere insieme una squadra di lavoro, comprendere e farmi stimolare dagli sguardi artistici dei diversi collaboratori a proposito di una determinata materia artistica. Penso che in questi stimoli reciproci vi sia qualcosa di profondamente artistico. Performativamente ho sempre apprezzato il lavoro di Castellucci, come macchina scenica-teatrale ho un’ ammirazione per Thomas Ostermeier, drammaturgicamente mi interessa il lavoro che propone Milo Rau, come direzione dell’attore penso che Robert Carsen sia stato un grande maestro, come “concezione dell’evento performativo” devo dire che Andrea De Rosa, Andrea Baracco e Fabio Condemi rappresentano importanti punti di riferimento.

Qualche sogno nel cassetto?

I miei sogni nel cassetto sono tre: mi piacerebbe, un giorno, mettere in scena “La paura numero uno” di Eduardo De Filippo, un testo in cui il protagonista teme, e poi vive a causa di un inganno familiare, lo scoppio della terza guerra mondiale; poi sogno un progetto su “Heidi”, che ha molti punti in comune con la “Biancaneve” di Robert Walser, e un altro ispirato al film “Underground” di Emir Kusturica, che adoro e che mi ha fatto conoscere il papà di Anna Bisciari, grande fan di questo film, e facendo ricerche approfondite ho scoperto che all’origine si tratta di un testo teatrale scritto da un drammaturgo vivente di nome Dušan Kovačević, di cui sono riuscito a recuperare il testo in albanese e che sto facendo tradurre per portarlo a teatro.

Gian Giacomo Della Porta

Sino a domani le repliche all’Alfieri

Avventura e amore, travestimenti e intrighi, il treno dell’Orient Express e il furto del “Tulipano” di Ahmed III, una fabbrica di cioccolato che somiglia tanto a quella di Willy Wonka – che nelle belle scenografie di Matteo Capobianco e nei suoi ingranaggi in bianco e nero guarda anche al Chaplin di “Tempi moderni” e allo Scorsese di “Hugo Cabret” in compagnia del nostro Dante Ferretti – ma che ha all’interno il cuore cattivo dell’avido Mr Blake, non luogo d’allegria ma di noia, un testo (che forse all’inizio tarda a ingranare ma che poi come quel treno prende ad accelerare con ritmo velocissimo) pieno di colpi di scena e una regia elegante di Salvatore Sito, c’è il divertimento che coinvolge tutti, adulti e no, le musiche che guardano per parecchio tempo al tango languido e le canzoni orecchiabili di Paola Magnanini, i balletti con le coreografie di Silvia Raschi, c’è tutto questo e molto di più in “Lupin – Il Musical” in scena in questi giorni (ultima replica pomeridiana domenica 31 maggio) sul palcoscenico dell’Alfieri. C’è il Caffè degli operai che in qualche parte della Francia, ogni mattina alla stessa ora, accoglie Isabelle, ragazza sensibile e dal passato con qualche ombra di tristezza, impiegata in quella fabbrica e dal cuore d’oro, c’è il giovane Lupin, gentiluomo e ladro, “ma molto garbato”, pericoloso e affascinante, campione di barbe posticce e di cappottoni indossati a proteggerlo, che ogni mattina alla stessa ora la raggiunge per regalarle un tulipano. Non fidanzatini alla Peynet ma personaggi che con la favola sono pronti a mettere in comune una buona dose di realismo. A intrufolarsi e a rovinare ad ogni angolo le cose l’ispettore Ganimard, arruffato e sempre vittima dei propri immancabili pasticci, a cui Andrea Rodi rende una simpatica caratterizzazione. Interpreti principali, Flavio Gismondi ha un bel distacco, assai concreto e deciso, da quel Gianluca del “Posto al sole” che ogni sera occhieggia dal televisore di casa, ha presenza da vendere e una bella voce che sinora non conoscevamo; una accattivante e sicura presenza Angelica Cinquantini, grazia quanta se ne vuole e una voce che strappa più volte l’applauso. Ma il successo abbraccia l’intero spettacolo, compagnia all’unisono, risate e applausi a chiudere il fine stagione del teatro.

e.rb.

La foto dello spettacolo è di Umberto De Martino.

Dal 13 giugno al 5 luglio prossimo il Parco Culturale Le Serre di Grugliasco si trasformerà nuovamente in una cittadella del circo contemporaneo  con la ventiquattresima edizione di “Sul filo del Circo”, il festival più longevo del settore in Italia, curato e organizzato dal Centro nazionale di produzione  blucinQue Nice , per la direzione artistica di Paolo Stratta, in collaborazione con la Fondazione Cirko Vertigo e Fondazione Piemonte dal Vivo.

Tra Cirque Lili e Chapiteau Vertigo, due spazi simbolo della vocazione circense della città, il festival accompagnerà compagnie, maestri, giovani artisti e artiste provenienti da numerosi Paesi, confermandosi come la kermesse più rappresentativa e tra le più longeve del panorama nazionale dedicato al circo contemporaneo.
L’edizione 2026 porterà a Grugliasco più di cinquanta artisti nazionali e internazionali, provenienti da Italia, Francia, Austria, Guatemala, Spagna, Cile, Uruguay, Portogallo, Brasile, Costa Rica e Argentina, con una programmazione che attraversa il circo contemporaneo, la clownerie, la nouvelle magie, il teatro fisico, la giocolieria, la danza acrobatica, quella aerea e creazioni site specific.
Grazie alla collaborazione con FEDEC, la principale rete internazionale dedicata alla formazione professionale nelle arti circensi, il festival ospiterà giovani talenti provenienti da oltre venti scuole di circo contemporaneo internazionali, selezionati attraverso una call pubblica.
Si tratta di un progetto che rafforza ulteriormente la vocazione europea e internazionale di Grugliasco come luogo di formazione, ricerca e creazione artistica contemporanea.

Il 13 e 14 giugno ad aprire il festival  saranno le repliche di “ Tutti in valigia” di Luigi Ciotta, spettacolo di teatro fisico, clownerie e manipolazione di oggetti, ambientato in un immaginario albergo degli anni Trenta. Seguiranno il 20 giugno la presentazione del progetto Greenkedin Miraggio del Duo Sisu e, in serata, “Batman non vola” di Andrea Loreni, conferenza-spettacolo che intreccia funambulismo, filosofia e riflessione esistenziale.
Il 21 giugno sarà, invece, protagonista  Manoviva di Girovago e Rondella- Teatri Mobili, microcosmo poetico di teatro di figura ospitato all’interno di uno speciale camion teatro.
Il festival entrerà nel vivo a partire dal 26 giugno, con una intensa programmazione internazionale che vedrà alternarsi produzioni artistiche, creazioni emergenti e appuntamenti di networking professionale.
Andrà in scena venerdì 26 giugno alle ore 21 allo Chapiteau Vertigo “Quello che rimane nell’aria”, creazione dell’Accademia Cirko Vertigo, cui seguirà sabato 27 giugno alle ore 19 “L’eco del gesto”, secondo appuntamento dedicato ai giovani artisti dell’Accademia.
Le due serate restituiscono il lavoro di una nuova generazione di interpreti che, attraverso varie discipline, come il palo cinese, il cerchio aereo, i tessuti, la corda molle, la giocoleria, il verticalismo, la danza e roue Cyr, portano in scena un racconto plurale sul corpo, l’identità, la fragilità,  la trasformazione.
Un nucleo centrale dell’edizione 2026  sarà  il progetto Cabaret FEDEC, nato dalla collaborazione tra Accademia Cirko Vertigo e FEDEC. Il 27 e 28 giugno e il 4 e 5 luglio verranno presentati giovani artisti e artiste selezionati da settanta candidature provenienti dalle più importanti accademie internazionali.
Accanto alle nuove generazioni, il programma ospita figure e compagnie di rilievo della scena contemporanea, come il 28 e 29 giugno lo spettacolo “Cose a caso, far caso alle cose” di Andrea Speranza, uno spettacolo immersivo che intreccia illusionismo, luce e manipolazione poetica dei materiali.
Il 30 giugno sarà  la volta dello spettacolo “Magari ci fosse il sole”, creazione dell’Accademia Cirko Vertigo per la regia di Jérôme Thomas, figura centrale del Nouveau cirque europeo e nuovo direttore artistico  del corso di laurea triennale per Artista di circo contemporaneo.
Il 1⁰ e 2 luglio andrà  in scena 3Clowns, omaggio alla grande tradizione clownistica europea, con la Compagnia francese Les Bleus de travail.
La chiusura del festival avverrà il 4 e 5 luglio con Pasto dell’ Instituto Nacional de Artes do Circo del Portogallo, uno spettacolo poetico che intreccia acrobatica, paesaggio e memoria rurale.

“Sul filo del Circo rappresenta molto di più di un festival, è uno spazio di incontro reale tra culture, generazioni e visioni artistiche provenienti da tutto il mondo” – ha dichiarato Paolo Stratta, direttore artistico del Festival – Abbiamo scelto di rafforzare ulteriormente la dimensione internazionale del progetto, ponendo al centro il dialogo tra grandi maestri del circo contemporaneo, compagnie affermate e giovani artisti in formazione, per molti dei quali Grugliasco rappresenta il primo vero contatto con programmatori, direttori artistici e reti internazionali di produzione, un’occasione concreta di crescita e di avvio di una carriera professionale a livello internazionale.
Crediamo che il futuro del circo contemporaneo nasca proprio da questo scambio continuo tra esperienze e nuove energie creative.  Vedere giovani artisti confrontarsi ogni giorno con figure che hanno segnato la storia del nouveau cirque contemporaneo  significa costruire non solo spettacoli, ma anche percorsi di trasmissione delle competenze , apertura culturale e innovazione artistica “.

MM

Nella splendida cornice  sabauda la grande musica internazionale per la quarta edizione del Festival di “tarda primavera”

Dal 30 maggio al 2 giugno

Venaria Reale (Torino)

Per quattro giorni, da sabato 30 maggio a martedì 2 giugno, gli imponenti spazi della “Reggia di Venaria” – fra i capolavori del “Barocco” mondiale e oggi parte del “Patrimonio UNESCO” – sarà felicemente inondata da un’armonica invasione di voci, suoni e meravigliose melodie con l’ospitata della quarta edizione del “Late Spring Music Festival” (“Festival Musicale di tarda primavera”), l’innovativo “progetto musicale” concepito in chiave di “Italian Royal Experience” e ideato, come sempre, dal “Consorzio delle Residenze Reali Sabaude”. Per l’edizione 2026, la “direzione artistica e creativa” è stata affidata a Danusha Waskiewicz, apprezzatissima “violista” tedesca (allieva della grande Tabea Zimmermann e oggi docente del “Biennio di Viola” presso la “Scuola di Musica” di Fiesole e presso la Scuola Internazionale di Musica “Avos Project” di Roma) che, a soli 25 anni, è entrata a fare parte dei “Berliner Philharmoniker” – per diventare “prima viola” due anni dopo – e che per molti anni ha suonato sotto la direzione di Claudio Abbado nell’“Orchestra del Festival di Lucerna”.

Anche quest’anno il “Festival” proporrà numerosi appuntamenti all’insegna della grande musica ambientata negli spazi interni e nei Giardini della “Versailles d’Italia”, a cui il pubblico sarà invitato a partecipare direttamente – con orecchie, occhi e cuore! – per vivere magiche esperienze ed emozioni dalle prime ore del mattino fino a tarda sera.  Protagonisti artisti di prestigio internazionale, impegnati non solo a suonare “in proprio”, ma anche a coinvolgere il pubblico, per quanto possibile, nel realizzare musica e vivere “un’esperienza partecipativa ed entusiasmante”. Coinvolgimento e condivisione che caratterizzeranno anche i vari, previsti, “momenti laboratoriali” proposti ai bambini e alle loro famiglie, al mattino e al pomeriggio, con “workshop” creativi e di movimento ritmico.

Il Programma

Il via, sabato 30 maggio, alle 19,30, con il primo spettacolo musicale serale nella “Sala di Diana”. Protagonisti Danusha Waskiewicz e il pianista pesarese Paolo Marzocchi, con il coinvolgimento del pubblico.

Domenica 31 maggio e lunedì 1° giugno sono in programma “momenti musicali” mattutini alle ore 10, “prove aperte” e due “attività laboratoriali”: il “Laboratory custom-made instruments”, laboratorio di liuteria con materiali riciclati per bambini e genitori – con presentazione nel pomeriggio degli strumenti realizzati – e la “Class for Movements”, avvicinamento attivo alla musica con riferimento al famoso “Metodo di Orff” (noto come “Orff-Schulwerk”), per bambini dagli 8 anni, ideato dal compositore Carl Orff negli anni ’20 e che si prefigge di insegnare la musica “attraverso l’esperienza pratica e creativa, piuttosto che tramite lo studio teorico”.

L’esperienza serale ha inizio alle 19,30 con esibizioni in “Sala di Diana” e – novità di quest’anno – prosegue alle 22 con “Musica al Chiaro di Luna”: due esibizioni notturne alla luce del plenilunio nell’affascinante contesto del “Giardino delle Rose”.

In occasione dell’ultima giornata della manifestazione, il 2 giugno, “Festa della Repubblica”, gli spazi della Reggia – sale barocche, cortili e giardini – risuoneranno contemporaneamente. Alcuni “ensemble” di musicisti amatori, selezionati attraverso il bando “La Repubblica della Musica”, avranno l’occasione di esibirsi pubblicamente nel contesto del “Late Spring Music Festival”. Che si chiuderà con lo spettacolo serale finale delle ore 18, con l’esibizione dell’“Orchestra della Venaria” creatasi appositamente per il “Festival”, composta da amatori e studenti internazionali, che suonano senza direttore insieme con musicisti professionisti e con la partecipazione, sempre, del pubblico.

Per ulteriori info: “Reggia di Venaria”, piazza della Repubblica 4, Venaria Reale (Torino); tel. 011/4992300 o www.lavenaria.it

Gianni Milani

Nelle foto: Marcus Weiss, Ismf, 2025 (Ph. Luigi De Palma); Danusha Waskiewicz, Ismf, 2025; Filarmonica trt, Ismf, 2025