CULTURA E SPETTACOLI- Pagina 66

L’apprendista del cioccolato

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Ieri pomeriggio, in occasione di CioccolaTò, al Circolo dei lettori, si è tenuto uno degli incontri più attesi e significativi del programma culturale del festival. In questa veste ampliata, già dall’anno scorso, CioccolaTòha scelto di affiancare alle tradizionali bancarelle e alle degustazioni un calendario sempre più ricco di visite guidate, laboratori e incontri culturali e letterari. In questo contesto rinnovato, la presenza di Joanne Harris ha rappresentato un vero fiore all’occhiello: non solo un’ospite d’eccezione, ma una sorta di madrina simbolica di un’edizione che mette al centro il racconto, la cultura e l’immaginazione.

Accolta da un pubblico numeroso e partecipe, Harris, in dialogo con Martina Liverani de Il Gusto, ha subito sottolineato il suo legame speciale con Torino e con i lettori italiani, ricordando come l’Italia sia stato il primo paese a credere in Chocolat. Il romanzo fu pubblicato dagli editori italiani sei mesi prima rispetto al Regno Unito e agli Stati Uniti, in un momento in cui quelli anglosassoni faticavano ancora a comprenderne la natura. Non era chiaro se si trattasse di realismo magico, di una storia d’amore o di un romanzo gastronomico; in Italia, invece, il libro venne accolto semplicemente per ciò che era: un racconto che intreccia maternità, famiglia, chiesa e cioccolato. Un successo editoriale straordinario, poi amplificato dalla trasposizione cinematografica con Juliette Binoche e Johnny Depp, che ha contribuito a fissare Chocolatnell’immaginario collettivo.

A distanza di ventisei anni, Harris è tornata a quella storia per raccontarne le origini. L’apprendista del cioccolato, il nuovo romanzo presentato a Torino, è il prequel di Chocolat e nasce da una riflessione personale profonda. Quando scrisse il primo libro, spiega l’autrice, lei e Vianne erano persone molto diverse e avevano in comune solo la maternità. Nel tempo, però, continuando a raccontare le avventure di Vianne come madre in altri romanzi, il personaggio ha continuato a tornare, fino a imporre una domanda inevitabile: cosa succede quando i figli crescono e lasciano la casa? Chi siamo, quando smettiamo di definirci solo attraverso il ruolo genitoriale? Da qui il bisogno di tornare indietro, di interrogare le origini di Vianne per capire come sia diventata la donna che i lettori hanno conosciuto in Chocolat.

Nel romanzo, ambientato nella Marsiglia dei primi anni Novanta, Vianne arriva con nulla in tasca, una gravidanza appena scoperta e un passato nomade che non le ha mai permesso di avere una casa o una vera cucina. All’inizio non sa cucinare: l’unica cosa che conosce è ciò che si può preparare con un bollitore. La svolta arriva quando trova lavoro in un piccolo bistrot gestito da Louis, un uomo anziano rimasto legato alla memoria della moglie Margot, cuoca straordinaria che ha lasciato in eredità un quaderno di ricette. Attraverso quelle pagine, Vianne entra in dialogo con una voce nuova, diversa da quella della madre, e inizia a comprendere che il cibo può essere una forma di magia: non un potere da usare per sé, ma un gesto capace di rendere felici gli altri, creare legami e costruire un senso di casa.

Marsiglia diventa così uno sfondo fondamentale del romanzo: una città antichissima e ricchissima di storia, ma anche segnata da povertà, forti contrasti sociali, immigrazione e marginalità. È un grande melting pot, dove convivono il peso della chiesa, il turismo e una profonda fragilità sociale. Vianne arriva in città quasi illegalmente, senza una casa, e trova una comunità fatta di persone che, come lei, hanno bisogno di qualcosa. Attraverso il linguaggio del cibo — e del cioccolato in particolare — si creano connessioni, si trasmettono gentilezza e amore, ma si scopre anche il prezzo che comporta vivere davvero all’interno di una comunità.

La magia, tema ricorrente nella saga di Vianne, si estende anche alla scrittura stessa. Harris racconta di credere in una magia lontana dalle fiabe, una magia che coincide con il cambiamento e con la capacità di modificare il modo in cui guardiamo il mondo e gli altri attraverso la scrittura e la lettura. Per entrare rapidamente nello stato creativo, soprattutto negli anni in cui insegnava e scriveva contemporaneamente, ha sviluppato un rituale ispirato al metodo Stanislavskij, associando un profumo a ogni libro. Per i romanzi dedicati a Vianne ha scelto profumi diversi di Chanel, mantenendo una coerenza sensoriale all’interno della saga. In una presentazione a Londra, racconta, arrivò persino a spruzzare una fragranza creata appositamente per una scena del libro — un profumo che mescolava note di cioccolato, chiesa e aria di Marsiglia — per permettere al pubblico di “sentire” la storia, aggiungendo all’esperienza della lettura anche il senso dell’olfatto.

Il cioccolato, infine, resta il grande protagonista trasversale di tutta la saga. Non è solo un ingrediente, ma un linguaggio universale, una parola che attraversa le lingue e le culture, portando con sé una storia antica fatta di viaggi, trasformazioni, religione, spiritualità e folklore. Harris racconta di aver imparato a conoscerlo nel tempo, viaggiando, incontrando maestri cioccolatieri e scoprendo i processi del cacao, per poi trasferire questa conoscenza a Vianne, che nel romanzo passa dall’indifferenza al riconoscimento del potere trasformativo del cioccolato. È attraverso questo linguaggio dolce e potente che l’autrice affronta temi attualissimi come l’immigrazione, l’emarginazione, la libertà e l’autodeterminazione femminile, dimostrando come, a volte, siano proprio i gesti più semplici a raccontare le storie più profonde.

GIULIANA PRESTIPINO

Mario Micheletti, pittore monferrino. Da Torino alla casa reale inglese

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Nato da Silvia Giardino e Antonio, impiegato comunale, Mario Micheletti (Balzola 1892-San Maurizio Canavese 1975) si trasferì a Torino per completare gli studi classici presso l’Istituto Salesiano San Giovannino e frequentò l’Accademia Albertina.  Considerato un allievo prediletto di Giacomo Grosso, illustre esponente dell’arte pittorica torinese di fine ‘800 unitamente a Edoardo Calandra, Marco Calderini e Vittorio Cavalleri, fu introdotto da Felice Casorati nel castello di Cereseto alla corte del mecenate Riccardo Gualino. Durante la fase di completamento, i soffitti del castello furono decorati dal pittore Angelo Bigatto di Balzola su indicazioni di Mario Micheletti e dell’ing. Vittorio Tornielli, progettista del maniero neogotico inaugurato nel 1912. L’arredamento delle sale fu affidato ad un altro balzolese, lo scultore in legno Aldo Boggione.

Nella sfera artistica della musa Cesarina Gurgo Salice, moglie del Gualino, entrò la pittrice britannica Jessie Boswell come dama di compagnia e governante della figlia Listvinia Gualino nata cieca, bellissima bambina ritratta con il fratello Renato da Mario Micheletti nel 1916. Jessie Boswell, cognata di Venanzio fondatore della banca Sella, abitò a Biella ed in seguito a Torino, ottenne la cittadinanza italiana, diventò allieva di Casorati e Micheletti ed espose alla Biennale di Venezia. Fu l’unica donna  appartenente al gruppo dei sei pittori torinesi, Francesco Menzio, Luigi Chessa, Enrico Paulucci, Nicola Galante e Carlo Levi, in seguito accolti nel mondo culturale del Gualino. Nel 1921 Micheletti ricevette a Torino il premio Riccardo Gualino ed espose alla Biennale di Venezia, alle Quadriennali di Torino e Roma. Nei primi anni venti, dopo i viaggi in Svizzera, l’eclettico artista si stabilì a Londra e fu ritrattista presso la casa reale inglese, esponendo alla Galleria Burlington. A Parigi frequentò gli artisti di Montmartre e conobbe Picasso, Matisse e Jean Cocteau.

Fu influenzato dalla scapigliatura lombarda e dal verismo, creando una intensa luminosità, sempre attento all’introspezione psicologica. A Fossano restaurò nel 1926 la chiesa di San Giorgio con varie figure ed esegui due grandi tele, tra cui la Preghiera di Gesù nell’orto dei Getsemani. Nel Monferrato affrescò negli anni ’40 le chiese di Morano sul Po e Balzola e nel 1960, durante il restauro della chiesa parrocchiale di Cereseto, rappresentò il viso di noi scolaretti delle elementari in un gruppo di cherubini sulla cupola accanto ai quattro evangelisti. La sua carriera si concluse, purtroppo, a causa di una grave malattia nelle mani che gli impedì di dipingere. Le sue opere si trovano nelle gallerie di arte moderna e nei musei civici. Due sue opere ad olio del 1972 e 1973 sono state recentemente ritrovate in una collezione privata, “Confidenze infantili” e “Madonna”, eseguite due anni prima della morte.
Armano Luigi Gozzano

La rubrica della domenica di Pier Franco Quaglieni

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SOMMARIO: Il Giorno del Ricordo – Dario Antiseri – Antonino Zichichi – Lettere

Il Giorno del Ricordo
Ho partecipato nella Sala rossa del Comune di Torino, stranamente con posti vuoti, per il Giorno del Ricordo delle foibe e dell’esodo. Ho preso posto nel settore riservato all’ ANVGD  di cui sono orgogliosamente socio onorario, accolto dagli amici Vatta e Aquilante . Ho capito che il clima quest’anno era rovente a causa dei soliti  revisionisti delle foibe, ma  anche e soprattutto a causa  di un gruppo neofascista che ha stampato un manifesto, definendo le foibe un genocidio, sull’onda dei seguaci filo-  palestinesi e  antisemiti di qualche mese fa. Questi estremismi sono incompatibili con la storia e sono dei  fantocci polemici, avrebbe detto Einaudi, che vanno banditi perché, oltre a falsificare la realtà storica, possono generare violenza.
Ho  molto apprezzato  il discorso pacato e storicamente ineccepibile  del Sindaco Lo Russo  che mi ha fatto ricordare un analogo intervento del sindaco Fassino .Restare alla lezione dei fatti ,senza fughe nell’attualità di oggi è la via giusta per ricordare, sapendo che i nazionalismi vanno banditi in quanto le divisioni del 1947 vanno riassorbite in un quadro europeo, malgrado l’Europa viva un momento molto difficile. A creare confusione è  sufficiente il generale che si ostina a fare la caricatura di De Gaulle che fu -non dimentichiamolo mai – uomo della Resistenza francese.
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Dario Antiseri
Il vuoto che lascia nella cultura italiana la scomparsa di Dario Antiseri è molto grande. E come sempre capita, ci sono gli amici improvvisati e vanesi che vantano rapporti con lui non credibili. Succede sempre così. Ma è triste assistere  al tentativo di impossessarsi di un vero filosofo che ha saputo essere un cattolico liberale e un liberale cattolico, andando oltre il  Croce del “Non possiamo non dirci cristiani“. Antiseri ha diffuso insieme a Pera la filosofia di Popper, allora quasi sconosciuto in Italia, se si eccettua una recensione di Bobbio.
Vedere i supporter delle scuole di liberalismo – un assurdo  logico perché non ci sono catechismi liberali –  e altri piccoli  attivisti del liberismo provinciale  più estremista – e quindi illiberale – che tentano di appropriarsi di Antiseri, genera rabbia. Sconosciuti, destinati ad essere ignorati per sempre, vogliono salire in groppa ad Antiseri morto  per alzare la propria statura minima.  Il 6 marzo lo ricorderò a Torino dove venne al Centro Pannunzio a parlare di Voltaire insieme a Nicola Matteucci, suscitando le sciocche ironie di Baricco. Antiseri che parlò  di Voltaire rappresentò davvero un evento importante che si distingueva dalle vulgate degli improvvisatori e dei dilettanti che spesso sono anche dei  fanatici  e degli esibizionisti.
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Antonino Zichichi
Ho conosciuto Antonino Zichichi che ebbe anche il premio Pannunzio per la cultura  per impedire – sono sincero – che lo ottenesse un personaggio di successo effimero  che non l’avrebbe meritato, soprattutto pensando a chi è oggi. Zichichi venne, parlò al “Cambio“ con efficacia e maestria, ben sapendo che Pannunzio era un laico liberale.
Parlò di scienza senza insistere sul rapporto con la religione, un tema che i  suoi nemici gli rimproveravano. Era in primis un  vero scienziato che dimostrava con la sua ricerca che la scienza non è incompatibile con la fede, come pensa invece  Odifreddi che  vero scienziato non è, ma solo miscredente , uomo di parte ed ex professore.  I giornali hanno dato sempre poca importanza a Zichichi e a volte l’hanno attaccato con asprezza. La presenza ai suoi funerali del Presidente della Repubblica fa onore in primis  a Mattarella, come Zichichi ha fatto onore all’Italia.
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LETTERE scrivere a quaglieni@gmail.com
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Ancora sui Savoia
E’ mai possibile che Emanuele Filiberto di Savoia Carignano  racconti in modo beffardo e svergognato che, pur in esilio, venne abusivamente a Torino a mangiare la bagna cauda? Se penso che suo nonno Re Umberto II morì ammalato in esilio, ribollisco di rabbia per la superficialità del nipote che pretende i gioielli della Corona, da’ cavalierati a destra e a manca, ma dimentica le responsabilità del suo bisnonno che non fu un capro espiatorio, come lui dice. Questo Savoia chiude molto malamente la storia della sua casa.  Ettore De Filippo
Concordo con Lei. Il pretendente dovrebbe anche dirci se esiste un diario del bisnonno mai pubblicato e quali documenti lui e le zie  possiedono su Vittorio Emanuele III. Inoltre deve chiarire se il terzo re morì nel suo letto  o si suicidò alla vigilia dell’entrata in vigore della Costituzione nel 1947, per salvare i beni dalla confisca. Questo sarebbe un contributo alla storia; le parate delle guardie con mantella sono solo banale folclore paramilitare che andrebbe vietato insieme all’esibizione di medaglie, cavalierati  e benemerenze di dubbia legalità nel territorio italiano.
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I 90 anni di Gawronski
Ho letto dell’amicizia tra  Jas Gawronski e l’elefantone Giuliano Ferrara di cui lei ha scritto. Ho comprato “Il  foglio” di Ferrara e Cerasa uscito nel giorno del compleanno importante di Gawronski. Ho notato che non hanno neppure pubblicato  un rigo come ha fatto in modo indegno “La stampa”, il giornale fondato da Frassati  nonno di Jas.  Franca Schillaci
Pubblico e non commento. Dovrei usare parole troppo pesanti che per rispetto a Jas non adopero. Questi sono quelli che il grande Giovanni Giovannini chiamava i “giornalistini” anche se hanno la stazza di Ferrara.
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Gratteri
Sono davvero sorpreso che un magistrato come il dottor Gratteri sia scivolato in modo clamoroso con giudizi ingiuriosi contro i cittadini che vorranno Si’ al prossimo referendum. Un comportamento non istituzionale che sembra essere uno spot  involontario a favore del Sì.  Gianni Teppati
Ho sentito per caso il procuratore di Napoli e non mi è mai piaciuto. La mia civiltà giuridica liberale è incompatibile con le sue idee.  Alcune persone che non stimo, lo adorano e l’estate scorsa sono andate a farsi concedere l’autografo come fosse Aurelio Fierro.  In occasione del prossimo  referendum è andato oltre il limite imposto ad un pubblico funzionario che deve restare imparziale. Credo che sia difficile giustificare le cose sentite in Tv. Non uso altre parole perché io rispetto comunque la Magistratura.

Il valore etico della narrativa di Rigoni Stern

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In questa fase critica del nostro tempo che, tra conflitti e preoccupazioni per il futuro, segna il punto di alto della crisi per la storia recente dell’umanità si è portati a riflettere sulle parole di uno dei più grandi narratori contemporanei italiani, Mario Rigoni Stern (1921-2008). Nel 2002, in un’intervista concessa a Giulio Milani, si ritrovò a considerare gli effetti benefici di una crisi economica “che prende sempre di mezzo la povera gente”, non nascondendosi come “piuttosto che una guerra, è meglio una grande crisi per stravolgere un poco questo mondo, per metterlo sulla strada giusta, per far capire che non è più la borsa che deve governare”. Non si può fare a meno di ripensare a questa frase oggi dove occorrerebbe ristabilire un patto d’azione tra le istituzioni – dal governo in giù – con i sindacati, i corpi intermedi della società, i ceti produttivi per rimettere la locomotiva italiana su quei binari che hanno, pur tra luci ed ombre, assicurato al Paese uno sviluppo, cercando di recuperare i ritardi atavici che pesano come una palla al piede. Quasi il ritorno, dunque, a stagioni dimenticate. E qui, il discorso vira decisamente su Mario Rigoni Stern. Un ritorno che è anche un azzardo, perché parte proprio da “Stagioni”, l’ultimo libro pubblicato in vita, in cui lo scrittore di Asiago raccontava che cosa significasse per lui lo scorrere del tempo scandito dai ritmi stagionali. Dell’inverno ricordava la legna secca che brucia nelle cucine, il freddo e la neve; dell’estate rammentava i salti sui mucchi di fieno e i nidi di calabroni mentre l’autunno era stagione di rientro delle greggi, di caccia ed escursioni tra i boschi.

In primavera partivano gli emigranti stagionali per la Prussia o la Boemia, ma era anche il momento del risveglio della natura e del ritorno dei rondoni, oltre che il periodo migliore per morire, come accadde al nonno di Mario, a sua madre e a lui stesso. Morire mentre rinasce la vita. Lo scrittore morì ottantaseienne il 16 giugno del 2008, dopo alcuni mesi di malattia, nel letto della sua casa di Asiago. Era un lunedì sera e per sua precisa disposizione la notizia della morte venne diffusa solo a funerali avvenuti, il giorno dopo, nella piccola chiesa del centro dell’altopiano dei Sette Comuni. C’erano la moglie Anna, i tre figli con i due nipoti e il fratello Aldo a salutarne il feretro. Poche persone, raccolte nella cappella come voleva il Sergente nella neve. Al mesto rintocco del Matìo, il campanone di Asiago, toccò l’ultimo saluto. Ora è sepolto nel cimitero a sud del paese, sotto una grande croce di marmo chiaro che lui stesso aveva voluto recuperare dalla tomba del nonno paterno Giovanni Antonio. Sulla tomba una piccola aiuola coltivata a fiori come piaceva a lui, per certi versi simile a quella della teologa e scrittrice Adriana Zarri a Crotte di Strambino, nella campagna canavesana. Ho un personale ricordo di una serata in cui parlammo di lui a Falmenta, in valle Cannobina, dialogando con uno dei suoi più grandi amici, il compositore e maestro Bepi De Marzi: quest’ultimo avanzò l’ipotesi che l’ultima dimora ad Asiago fosse un cenotafio, una tomba vuota, immaginando che le ceneri dello scrittore fossero state disperse nella steppa russa dove riposavano i suoi commilitoni dei reparti alpini che persero la vita nella tragica ritirata di Russia. Ovviamente si trattava solo un’ipotesi, per quanto suggestiva. Mario Rigoni Stern nel 1973 pubblicò una raccolta di racconti intitolata “Ritorno sul Don”. Scrisse, nell’occasione: “Ecco, sono ritornato a casa ancora una volta; ma ora so che laggiù, quello tra il Donetz e il Don, è diventato il posto più tranquillo del mondo. C’è una grande pace, un grande silenzio, un’infinita dolcezza. La finestra della mia stanza inquadra boschi e montagne, ma lontano, oltre le Alpi, le pianure, i grandi fiumi, vedo sempre quei villaggi e quelle pianure dove dormono nella loro pace i nostri compagni che non sono tornati a baita”. L’intera sua vita fu segnata dai ricordi di quella guerra, dal gelo della steppa nella sacca del Don, dal calore umano che trovò nelle isbe anche con i “nemici”. Ricordi che si mescolarono con l’amore per la sua terra, per le vicende dei montanari e la vita che si svolgeva seguendo i tempi dettati dall’orologio della natura. Nel 1938, a diciassette anni (“Sull’Altipiano, per noi ragazzi c’era un detto: o prete, o frate, o fuori con le vacche”) entrò alla Scuola Militare d’alpinismo di Aosta, quindi combatté come alpino nel battaglione Vestone in Francia, Grecia, Albania, Russia. Fatto prigioniero dai tedeschi dopo l’armistizio dell’8 settembre, rientrò a casa a piedi, dopo due anni di lager in Lituania, Slesia e Stiria il 5 maggio del 1945. Da quel momento non lasciò più il suo Altopiano dove viveva nella casa che si era costruito da solo, insieme alla moglie e ai figli. Ad Asiago lavorò al catasto comunale, mantenendo l’impiego fino al 1970, quando decide di dedicarsi completamente al lavoro di scrittore. Fu Elio Vittorini, nel 1953, a fargli pubblicare per I Gettoni di Einaudi il suo primo romanzo “Il sergente nella neve”. Poco meno di dieci anni dopo, nel 1962 pubblicò il secondo, “Il bosco degli urogalli”, sempre per Einaudi. Tanti altri seguirono fino a “Stagioni”, l’ultimo romanzo uscito nel 2006, due anni prima della scomparsa. Mario più volte affrontò l’argomento della morte, sottolineando come questa non gli incutesse paura. “La vita si sa che deve finire, ma io non vivo questa consapevolezza con angoscia” raccontò in una intervista per il suo 85esimo compleanno. “Semmai può spaventare la sofferenza fisica, perché a volte il dolore umilia, non lascia all’uomo nemmeno la possibilità di pensare. Ma è un’età, la mia, che va affrontata avendo la coscienza del limite”. D’altronde la morte si era sempre intrecciata alle vicende della sua vita, se non altro per la coincidenza che l’aveva visto venire al mondo (e quindi festeggiare il proprio compleanno) il primo novembre del 1921, giorno dei morti. Per contrasto, nei suoi libri e nei racconti, la vita e le fatiche che l’accompagnano emergevano con grande forza, accompagnando i lettori tra sentieri di montagna e vicende consumatesi su quei confini tra Italia e mitteleuropa. Forse è anche per questo che il tempo che scorre non affievolisce la voce che esce dalle pagine che ci ha lasciato. Una voce potente che si può udire leggendo la raccolta di ventisette interviste fra le tante concesse dallo scrittore di Asiago nell’arco di tempo compreso fra il 1963 ( quando vinse il Bancarellino con “Il sergente nella neve”) e il 2007, l’anno prima della scomparsa. Le pubblicò Einaudi col titolo ”Il coraggio di dire no”, a cura di Giuseppe Mendicino. I testi sono suddivisi in quattro parti: “La vita”, “I libri”, “Le guerre”, “La natura, le montagne, la caccia”, riassumendo così la biografia e l’orizzonte etico-culturale di Mario. Rigoni Stern non si è mai considerato un vero e proprio romanziere ma semmai un narratore, un testimone, un “cancelliere della memoria”, come lo definì acutamente Corrado Stajano. Nella sua vita frequentò, durante i primi anni della sua vita militare e poi nel dopoguerra, diverse località della Valle d’Aosta e del Piemonte: dall’Aosta della caserma “Testa Fochi” all’alta Val Formazza del “corso sciatori” del gennaio del 1939, descritta nel suo “L’ultima partita a carte”; da Champorcher e Cogne, la Val Veny e la Val Soana, il Piccolo San Bernardo. E poi la Torino dell’Einaudi, nella storica sede al n.2 di via Biancamano. Nove anni dopo “Il sergente nella neve”, nel 1962 pubblicò il secondo romanzo, “Il bosco degli urogalli”, sempre per la casa editrice dello struzzo. E tanti altri seguirono fino a “Stagioni”, l’ultimo romanzo uscito nel 2006, due anni prima della sua morte. I testi raccolti ne “Il coraggio di dire no” iniziano con un monologo dello stesso scrittore che racconta il suo grande “rifiuto”, dopo essere stato fatto prigioniero dai nazisti e internato in un lager in Masuria, vicino alla Lituania. Scrive, Rigoni Stern: “Dopo quattro o cinque giorni, ci proposero di arruolarci nella repubblica di Salò, ossia di aderire all’Italia di Mussolini. Eravamo un gruppo di amici che avevano fatto la guerra in Albania e in Russia. Eravamo rimasti in pochi. Ci siamo messi davanti allo schieramento, e quando hanno detto «Alpini, fate un passo avanti, tornate a combattere!», abbiamo fatto un passo indietro. Gli altri ci hanno seguito… Abbiamo resistito… Avevamo imparato a dire no sui campi della guerra. È molto più difficile dire no che sì”. Una narrazione chiara, asciutta, antiretorica. Trasmette per intero il suo codice etico dove trovano spazio il senso di giustizia, il coraggio, l’amore per la natura, la generosità verso gli altri, l’indipendenza di giudizio, la passione civile. In un colloquio del 2004 per “La Regione Ticino”, Rigoni Stern mise in luce il suo lato ironico, raccontando di una specie di scherzo che faceva con Giulio Einaudi andando in giro per le librerie e rivoltando verso l’interno i dorsi dei libri che non gradivano. In questa come in tutte le sue opere, Mario Rigoni Stern riflette l’immagine di una persona saggia, severa con se stesso prima ancora che con gli altri ma capace anche di grande ironia. E di una forza che, per nostra fortuna, attraverso i libri non ha mai smesso di parlarci e farci compagnia.

Marco Travaglini

Raiteche “Archive Alive!” compie 10 anni

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Tivù tivù

“Raiteche “Archive Alive!”, la rassegna della Mediateca Rai “Dino Villani” di Torino che apre al pubblico le porte del suo prezioso archivio compie 10 anni. Un decennio di memoria collettiva grazie ai numerosi incontri con la visione di programmi, documentari, inchieste e sceneggiati che hanno segnato un’epoca e fatto la storia della televisione italiana. Dopo il primo appuntamento del 2026 nel mese di gennaio, dedicato ad un gigante del teatro, il regista Luca Ronconi, martedì 16 febbraio, al Tv8 del Centro di Produzione Rai di Torino verrà proposto, in memoria delle vittime delle foibe e dell’esodo istriano, fiumano, giuliano e dalmata, il tv movie di Gianluca Mazzella “La bambina con la valigia”.

Tutto inizia da una fotografia in bianco e nero del luglio 1946 che ritrae una bambina con in mano una valigia con la scritta “Esule giuliana n. 30001”: si chiama Egea Haffner e la sua storia comincia quando il padre scompare, probabilmente inghiottito dalle foibe. La Haffner, autrice del libro autobiografico dal quale è tratto il film, sarà ospite dell’evento e porterà la sua testimonianza diretta.

Dialogheranno con lei, Alessandro Cuk, critico cinematografico e vicepresidente dell’Associazione Nazionale Venezia Giulia e Dalmazia, lo storico del cinema Sergio Toffetti e Sinéad Thornhill, l’attrice che impersona Egea da ragazza nella produzione di Rai Fiction.

Igino Macagno

“Ettore Fico. Paradisi ritrovati” al MEF

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Doverosa retrospettiva dedicata all’indimenticato Ettore Fico nelle Sale del “suo” “MEF – Museo Ettore Fico” di via Cigna, a Torino

Fino a domenica 15 marzo

Finalmente! Attraverso un “corpus” di opere fondamentali appartenenti alla sua lunga carriera professionale, si torna a regalare alla Città una nuova mostra tesa a far debita memoria di una delle figure più rilevanti del Novecento artistico piemontese e torinese, troppo spesso e in maniera decisamente ingiustificabile trascurata dal “cerchio ufficiale” (Musei e Gallerie) della “Comunità artistica” subalpina. Tant’è che, ancora una volta, la suggestiva attuale retrospettiva dedicata al grande biellese Ettore Fico (nativo di Piatto Biellese, 1917 e scomparso a Torino nel 2004) porta la firma del “MEF”, il “Museo” fortemente voluto nel 2014, per lasciare alla città un segno indelebile dell’opera dell’artista – così come la “Fondazione” sempre a lui dedicata nel 2007 – dalla moglie Ines Sacco Fico, scomparsa nel 2017.

“Paradisi ritrovati”, é il titolo della mostra, a cura di Andrea Busto, direttore del “MEF”. Che sottolinea: “I ‘Paradisi ritrovati’ di Ettore Fico sono boschi incontaminati, paesaggi collinari, vigneti, pergolati e soprattutto giardini fioriti, ricolmi di tonalità variopinte che brulicano vivide e squillanti sulla superficie pittorica. L’assunto fondamentale da cui scaturisce il percorso della mostra è la sintesi di un ideale ‘manifesto programmatico’ dell’artista”. “Manifesto” cui Fico rimase fedele, vita natura durante, fatte salve alcune tentazioni giovanili che, negli anni del dopoguerra, gli fecero strizzare l’occhio a certa ricerca stilistica americana misuratamente rivolta all’“informale” (infatuazione di poco conto!). Non “roba” sua. Infatuazione irrilevante, che non lo staccò mai dai temi più cari della sua singolare e inconfondibile pittura, trasmessagli nei suoi principi basilari dalla frequentazione per diversi anni dello studio di Luigi Serralunga: la natura, i giardini, le composizioni floreali, ma anche ritratti (memorabili quelli eseguiti durante il servizio militare e la prigionia in Nord Africa, dal 1943 al 1946), i suoi interni e l’amato cane “Moretto”, protagonista di varie opere realizzate fra gli Anni ’60 e ’80. Artista di grandi capacità tecniche e indubbia libertà espressiva, Fico amava tutto quanto poteva venirgli e ispirarlo dal colore, da tratti cromatici lasciati liberi di scorrazzare per la tela intrecciandosi fra rossi accesi, blu, verdi e gialli in giochi di estremo rigore tonale, pur nella loro fascinosa e lirica e visionaria concezione segnica. Dalle potenzialità del colore, per Fico, parte tutto. Colore come giostra inebriante di emozioni, come geniale scrittura narrante le voci trasmesse dagli occhi al cuore, in pagine intense di gusto post-impressionistico in cui, a tratti, non si possono eludere importanti richiami alle “geometrie cézanniane” o al “fare puntinistico” di un Seurat. Su questi sentieri, Fico ha saputo e voluto muoversi con caparbia ed eticamente corretta puntualità lungo tutta la sua lunga carriera professionale. Pur negli anni del dopoguerra, allorché la scena artistica torinese sembrava assolutamente monopolizzarsi tra il “realismo” di Felice Casorati e l’“astrattismo” di Luigi Spazzapan. Spirito indipendente, anche quando, Anni ’60 – ’70, le campiture cromatiche si piegarono, in certo senso, a narrazioni più distese, al cui interno gli oggetti tornarono ad appropriarsi di contorni più netti e segnicamente decifrabili. Il tutto risolto “in proprio”. In piena, inattaccabile indipendenza rispetto alle “grandi scuole” del passato o di quel “presente” che, da tutti o da tanti osannato, gli stava al fianco, ma che, in cuor suo, non sentiva capace di regalargli nuove vie di espressiva intensità. Quelle, pur anche insidiose ma mai abbandonate, fatte di tenace, faticosa ricerca sul colore, “bene prezioso”, il solo in grado di scavare nella concretezza del paesaggio, nei grappoli profumati di un glicine (simbolo di amicizia e di amore eterno), negli alberi o in un giardino fiorito – temi, in assoluto, legati alla maturità dell’artista – per farne emergere esaltanti sensazioni e profonde verità capaci di aprire squarci di sereno splendore nelle ombre inquiete del quotidiano.

Dice bene, in proposito, Andrea Busto: “Nonostante la naturale e fisiologica maturazione stilistica che accompagna l’evoluzione della poetica individuale, Ettore Fico ha sempre dimostrato una sorprendente coerenza di intenti conservando intatto, durante oltre sessant’anni di attività, un proposito fondamentale: quello di trasfigurare la natura attraverso una sorta di ‘astrazione irrisolta’, sondando cioè la profondità delle cose senza smarrirne la presenza ontologica, fattuale e restituendone in definitiva un’immagine filtrata dalla propria capacità di rielaborazione a posteriori. Attraverso opere indubbiamente fondamentali, la mostra intende narrare la storia di un cammino personale, partecipato ed emotivamente intenso”.

Gianni Milani

“Ettore Fico. Paradisi ritrovati”

“MEF – Museo Ettore Fico”, via Cigna 114, Torino; tel. 011/852510 o www.museofico.it . Fino al 15 marzo

Orari: dal merc. alla dom. 11/19; lun. e mart. chiuso

Nelle foto: Ettore Fico “Estate”, olio su tela, 1998; “Glicine n.2”, olio su tela, 1995; “Vite vergine”, olio su tela, 2000

Una notte al Museo del Cinema con il Club Silencio

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Sabato 21 febbraio, dalle 19.15, Club Silencio e Museo Nazionale del Cinema accoglieranno i visitatori alla Mole Antonelliana con una straordinaria apertura serale in occasione della mostra “Pazza Idea”: le icone pop di Angelo Frontoni, il sound di Luke Barral, l’ascensore panoramico con un’esclusiva vista notturna sulla città, cinema, drink e molto altro. Il Museo Nazionale del Cinema, uno dei più visitati in Italia, apre le porte agli anni Settanta e Ottanta in occasione della mostra “Pazza Idea”, esposizione che racconta due decenni attraverso lo sguardo di Angelo Frontoni, il fotografo che ha ritratto grandi protagonisti del cinema, della moda e della televisione, quali Ornella Vanoni, Brigitte Bardot, le gemelle Kessler e Raffaella Carrà.

La Mole si svela in una veste inedita per un viaggio nella storia del cinema, dalle origini ai giorni nostri, un percorso immersivo tra scenografie, proiezioni, effetti speciali e reperti iconici. Da non perdere anche “Manifesti d’artista”, la mostra temporanea con importanti locandine cinematografiche realizzate da illustri creativi.

L’ascensore panoramico conduce al tempietto della Mole Antonelliana: 85 metri d’altezza offrono una prospettiva insolita su Torino, eccezionalmente visibile nella sua affascinante atmosfera notturna. Luke Barral animerà l’atmosfera con un set musicale ispirato agli anni Settanta, mentre il lounge bar offrirà una selezione di drink, birre e vino per completare l’esperienza.

Info: sabato 21 febbraio-ore 19.15 -00.00 – ultimo accesso alle ore 23 – ultimo accesso alla visita ore 22.45

Mara Martellotta

Giuseppe Allamano, l’Africa e la Consolata nel suo cuore

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I primi quattro missionari della Consolata partirono da Porta Nuova l’8 maggio 1902 con destinazione il Kenya. A salutarli in stazione c’era don Giuseppe Allamano, il santo sociale astigiano che aveva nel sangue l’Africa e la missione ma che non lasciò mai Torino. Lo ricordiamo a cent’anni dalla morte, il 16 febbraio 1926. Fu il fondatore dei Missionari e delle Missionarie della Consolata. In treno i sacerdoti raggiunsero il porto di Marsiglia e si imbarcarono per il Kenya. Si riposarono a Mombasa alcuni giorni e poi raggiunsero Nairobi dopo 24 ore di viaggio. Era l’inizio di una bellissima avventura. Alcuni mesi dopo li raggiunsero altri quattro sacerdoti e un laico. E poi fu la volta di altri religiosi, tutti inviati in quelle terre lontane, dal Kenya all’Etiopia, dalla Tanzania alla Somalia, dal sacerdote astigiano che dedicò la sua vita alla formazione di missionari e suore missionarie affinché portassero il Vangelo alle genti del mondo. I primi anni Allamano li trascorse in Vanchiglia a Torino, poi lanciò le missioni in Africa e si occupò del restauro del Santuario della Consolata.
La sua missione non fu solo professione di fede ma attenzione ai poveri, ai malati e alla promozione della dignità umana. Per Giuseppe Allamano tutti sono missionari, anche chi non parte per terre lontane può vivere la sua missione, in famiglia come nel lavoro. Nato a Castelnuovo d’Asti (1851-1926) da una famiglia contadina, compaesano di don Bosco, rimasto orfano di padre a tre anni, studiò a Valdocco nell’oratorio salesiano di don Bosco che fu il suo direttore spirituale. Ordinato sacerdote nel 1873 venne poi nominato rettore del Santuario della Consolata nel 1880. La chiesa aveva bisogno di urgenti lavori di restauro: una parte del denaro fu messo a disposizione dalla Casa Reale ma il grosso delle entrate arrivò dalle offerte dei fedeli. Nel 1901 Allamano fondò l’Istituto Missioni della Consolata in corso Ferrucci 14 e, nove anni dopo, un secondo Istituto, quello delle Suore Missionarie della Consolata. Morì di polmonite a Torino e ai suoi funerali una grande folla gremì la sua Consolata. Nel 1990 è stato proclamato Beato da papa Giovanni Paolo II e nel 2024 canonizzato da papa Francesco dopo l’approvazione di un miracolo avvenuto in Amazzonia. Giuseppe Allamano riposa nella Casa Madre dei Missionari della Consolata. Lunedì 16 febbraio, memoria liturgica del santo, alle 11.00 nella chiesa dei Missionari in corso Ferrucci 14 a Torino si terrà una funzione religiosa presieduta dal Superiore generale e alle 18.00 la santa Messa alla Consolata.                              Filippo Re
nelle foto: don Giuseppe Allamano
Missionari della Consolata in Kenya

La scrittura e la disperazione, la vita e la morte nel film di Chloé Zhao

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Sugli schermi “Hamnet” pronto alla consegna degli Oscar

PIANETA CINEMA a cura di Elio Rabbione

Si inizia all’interno di una foresta, un clima incantato, avvolto di magia, il suo fogliame verdissimo e copioso, con Agnes rannicchiata, come in un abbraccio, dentro la radice di un albero, si termina con Will che, al fondo della scena del Globe, accarezza – un abbraccio riconquistato, caldo, liscio su quella superficie – il fondale a rappresentare un altro bosco. Tra queste immagini di natura, Chloé Zhao – nascita a Pechino, figlia di un dirigente d’acciaieria e d’una infermiera, studi tra Los Angeles e New York, con Nomadland Oscar 2021 come miglior film e miglior regista, tralasciando il Leone d’oro a Venezia e i Golden Globe e i Bafta, giunta oggi al suo quinto lungometraggio – adatta il romanzo di Maggie O’Farrell (con lei a centellinare la sceneggiatura che se la dovrà vedere con il primo nemico Paul Thomas Anderson di Una battaglia dopo l’altra) e tra verità storica e avventura letteraria (quella stessa che fece in tempi neppur troppo lontani nascere l’autore in terra italiana o affidò ad altri la bellezza e l’autorevolezza dei suoi scritti, non ultimi il nobile de Vere o Bacone) guarda alla nascita di quell’”Amleto” che il Bardo rappresentò attorno all’anno 1600.

Un po’ di magia (o blanda stregoneria) che mette le radici nella figura materna, da parte di Agnes (storicamente Anne Hathawey, ma i nomi nella scrittura dell’epoca vanno e vengono, come sarà in seguito per la somiglianza Hamnet/Hamlet), le giornate errabonde e i succhi di erbe medicamentose, prima la ritrosia verso il giovane Will, il figlio del guantaio, il maestro di latino, un ragazzo con tanto intelletto ma senza un minimo di senso, gli rinfacciano in famiglia, e l’innamoramento e la passione a scorgere quanto di sentimento stia nel cuore di quel giovane – molto molto “in love”, se vogliamo riandare con la memoria ad un altro film che tracciava un piccolo spazio nella vita dello scrittore antico, quella volta parlavamo di Giulietta e di Romeo -, il matrimonio ostacolato ma affrettato per la nascita della figlia Susannah, quella piccola comunità di Avon che sta stretta a Will capace di sognare la Londra dove abita la corte, dove si scrive, dove i teatri e le compagnie vivono. Una famiglia fatta di una felicità che però dura poco: Will è assente, è assente quando nasce la primogenita, sarà assente tredici anni dopo quando venne colpita dalla peste che serpeggiava dalla capitale, per guarirne ma per vedere morire il gemello Hamnet, undici anni. Anche di fronte a quella morte Will era assente, fugge e rifugge, a Londra scrive e mette in scena, respira un’aria che gli è più consona, cercata, inseguita: il suo nome completo, William Shakespeare, lo sentiremo soltanto verso la conclusione della vicenda. Agnes, tuttavia, non gli perdona quell’assenza, le sofferenze di quel bambino a cui non ha assistito: soltanto quando sentirà dell’aspettativa che c’è attorno a un nuovo lavoro di Will, partirà per Londra e davanti a quel proscenio ritroverà quegli stessi gesti che li hanno fatti innamorare, nel fantasma del vecchio re, a cui il marito dà cuore e disperazione, intravede la tragedia che in maniera del tutto diversa dalla sua l’ha colpito, in quell’antro oscuro che s’apre nel fondale ricorda quello giovanile della foresta, luogo di passaggio tra la vita e la morte.

Anche la porta che segna il tramite tra il resto della casa e la stanza dove è disteso il corpo del piccolo Hamnet ha le sembianze di un passaggio tra il mondo dei vivi e quello di una sorta di al di là, questo come ogni immagine di interni o di mondo naturale che occupi il film di Zhao con la splendida fotografia di Lukasz Zal (Ida di Pawlikowski e La zona di interesse di Jonathan Glazer), fatta di ampiezze cromatiche e di candele poggiate sul tavolo al quale un febbricitante Will sta lavorando. Stati d’animo, rabbia e perdono, erotismo, natura e famiglia, il rapporto coniugale e la visione di un mondo patriarcale, fatto altresì di egoismi e angherie, il dolore vissuto dai due protagonisti sotto una ben diversa forma, Agnes tra urla strazianti (scene che nella loro grandezza s’accompagnano di diritto a quelle dei due parti, eccezionali di verità), Will rifugiandosi nel lavoro (la rabbia senza confini con cui spunta il suo mezzo di scrittura) e nella fuga: mai mélo ma uno stralcio di vita visto in tutta la sua drammaticità autentica, laddove Zhao forse non riesce a raggiungere il racconto eccelso di Nomadland ma dove pure, in qualità di grande regista, intreccia azioni e sguardi con estrema sicurezza e partecipazione.

La statura della regista, al di là di qualche impercettibile dubbio, si rende nuovamente completa nell’ultima parte, nella rappresentazione d’Amleto, nel popolo che invade in teatro, nell’uccisione di re Claudio, nel fantasma paterno e nell’attore Will che incrocia gli occhi della sposa che nel superamento del dolore sente nuovamente e completamente sua, nell’”essere o non essere”, nella tragedia in cui prende posto interpretativamente Noah Jupe (di accenti sinceri), ora infelice principe su quel palcoscenico in luogo del fratellino Jacobi (naturalmente bravissimo), sino a quel momento Hamnet (la continuità anche nella foggia degli abiti). Poi ogni cosa si conclude e il resto, come sappiamo, è silenzio. La parola, il teatro che cura, che ripone le pene e in qualche modo le ammorbidisce e le cancella, il teatro che come quelle porte si fa tramite tra questo mondo, con i propri lati oscuri e l’altro, vero o immaginato, stregonisticamente creduto, costruito sulla riappacificazione.

È un film sulla ricerca di un’ispirazione, ma non soltanto, è fatto di fisicità catturata ed emozioni raffinate Hamnet – Nel nome del figlio, e quei tratti i due interpreti li esprimono tutti, in un carico di perfetto contatto. Eccellente Paul Mescal, che cuce addosso al suo Will quel che di storico sappiamo e quanto le ricerche e le leggende ci lasciano intuire; certo non può farcela di fronte alla prova superba – ha già vinto un Globe, ma se non sarà lei a stringere tra le mani lo zio Oscar, chi mai potrebbe essere quest’anno? – di Jessie Buckley, un’interpretazione “da incubo”, esatta e accorata, una sfumatura incessante, un battito di cuore accalorato e sincero, come erano quelli delle ali del falco quando le volava sul braccio, in piena libertà ambedue, là nel verde della foresta.

“Modulazioni – Resounding”, il Festival di Musica Antica

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Ritorna a Cuneo per la sua V edizione, che unisce tradizione e innovazione

Da venerdì 20 febbraio, ore 20,30

Cuneo

Prodotto da “Maestro Società Cooperativa” e organizzato da “Noau Officina Culturale”, ritorna a Cuneo “Modulazioni”, l’atteso “Festival di Musica Antica”, sapientemente giocata e proposta fra suoni che arrivano dalla più nobile tradizione e guizzi innovativi che caratterizzano note e percorsi musicali di altrettanto piena godibilità. Alla sua V edizione, la “Rassegna” prende, quest’anno, il titolo significativo e coinvolgente di “Resounding – Risonante” e, per quanti vogliono da subito conoscerne tutti i dettagli, verrà presentata giovedì 19 gennaio febbraio, ore 18, presso il “Museo Diocesano” di Cuneo, in Contrada Mondovì, 15.

Già si può comunque anticipare che l’edizione 2026 si svilupperà su tre fine settimana nel corso dell’anno e che l’inizio ufficiale è fissato per venerdì 20 febbraio (ore 20,30), presso il “Complesso Monumentale di San Francesco” (via Santa Maria, 10), con “Oltre il visibile – Il respiro dello spazio”, un’autentica esperienza sensoriale dedicata alla polifonia vocale di compositori, fra i più importanti di epoca rinascimentale, quali gli inglesi Thomas Tallis, Orlando Gibbons, William Byrd e il gallese (membro di spicco della “Scuola Madrigalistica”)  Thomas Tomkins.

In quest’ambito, felice ancora una volta la scelta di “Modulazioni” nel promuovere, come da giusta abitudine, la “creatività giovanile”, affidando la direzione al giovane svizzero Cyrille Nanchen, al suo debutto in Italia, ed integrando nel programma il progetto di “Laurea in composizione e sound design” di Simone Giordano. Partecipa l’ensemble vocale “Modulazioni Lab” composto da Naoka Ohbayashi e Francesca Cassinari (soprani), Annalisa Mazzoni, Giulia Beatini e Paola Cialdella (alti), Roberto Rilievi e Alessandro Baudino (tenori), Rafael Galaz, Jonas Yahure ed Enrico Correggia (bassi).

La serata d’esordio rientra nel programma di eventi collaterali della mostra “La Galleria Borghese. Da Raffaello a Bernini. Storia di una collezione”, ospitata sempre presso il “Complesso Monumentale di San Francesco” e promossa da “Fondazione CRC” e “Intesa Sanpaolo”.

Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria su “Eventbrite”.

Il fine settimana inaugurale prosegue sabato 21 febbraio, alle 18, presso il “Circolo ‘L Caprissi” (piazza Boves, 3) a Cuneo con il delicato recital di Elisa La Marca, talentuosa ed ormai affermata liutista milanese, che presenta il suo primo lavoro discografico da solista, “The Queenes Maskes”, interamente consacrato alla “musica inglese” di corte.

Domenica 22 febbraio, alle 17, presso il “Rondò dei Talenti” (via Gallo, 1), spazio invece a “Suite biberon – Antico bestiario danzante”, primo appuntamento di “Modulazioni Kids”, cartellone di quattro concerti/spettacolo dedicati a famiglie con bambini da 0 a 6 anni, a cura di “InCantabimbi”.

“Il Festival 2026 di ‘Modulazioni’ – affermano i direttori artistici ed ideatori della Rassegna, Alessandro Baudino e Paola Cialdella – invita il pubblico a un nuovo disegno. ‘Resounding’ è il tema che attraversa l’anno: tre fine settimana – a febbraio, giugno e settembre – ne scandiscono il battito, aprendo percorsi musicali dedicati in prevalenza al repertorio inglese, fra sentieri inesplorati e riscoperte. In questo dialogo fra passato e presente, l’innovazione e lo sguardo attento alla contemporaneità si fondono con una restituzione essenziale dell’esperienza concertistica, riaffermando l’identità del Festival: un luogo vivo, in cui la musica abita gli spazi, li attraversa e si offre all’ascolto nella sua forma più pura e luminosa”.

Il programma di “Modulazioni” proseguirà nel corso dell’anno con altri appuntamenti, in programma da giovedì 18 a sabato 20 giugno e il 13, 17, 18 e 19 settembre. Prima si terranno tre nuovi appuntamenti con “Modulazioni Kids”: al primo incontro di domenica 22 febbraio, seguiranno altri spettacoli in agenda domenica 22 marzo (“Vértigo biberon”), domenica 12 aprile (“Resounding biberon”) e domenica 10 maggio (“Petit biberon”) sempre al “Rondò dei Talenti” di Cuneo, ore 17.

Per info sul programma nel dettaglio: www.modulazioni.net/modulazioni-kids

  1. m.

Nelle foto: Logo “Modulazioni –Resounding”; Cyrille Nanchen e Elisa La Marca

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