Di Renato Verga
Al Teatro Regio di Torino debutta finalmente Dialogues des Carmélites, capolavoro di Francis Poulenc, in uno degli allestimenti più celebri degli ultimi decenni, firmato da Robert Carsen. Nato nel 1997 e ormai divenuto un punto di riferimento internazionale, lo spettacolo arriva in città con intatta forza espressiva, dimostrando una longevità rara nel panorama operistico contemporaneo.
Ispirata al dramma di Georges Bernanos e alla tragica vicenda storica delle carmelitane di Compiègne, ghigliottinate durante il Terrore rivoluzionario, l’opera si impone come una riflessione profonda sulla paura, sulla fede e sul senso ultimo della vita. Poulenc costruisce un tessuto musicale continuo, privo di numeri chiusi, in cui parola e musica si fondono in un fluire teatrale serrato e coinvolgente. Il recitativo diventa così elemento portante di una drammaturgia musicale che privilegia la chiarezza espressiva e l’intensità emotiva.
A guidare l’Orchestra del Regio è Yves Abel, interprete raffinato e profondo conoscitore del repertorio francese. La sua direzione si distingue per equilibrio e trasparenza, con una particolare attenzione ai dettagli timbrici e alle dinamiche. Abel accompagna il racconto con sensibilità teatrale, mantenendo costante la tensione narrativa e valorizzando i contrasti tra i momenti di raccoglimento e quelli di maggiore drammaticità.
Il cast si dimostra all’altezza della complessità dell’opera. Ekaterina Bakanova offre una Blanche intensa e sfaccettata, restituendo con efficacia le fragilità di un personaggio segnato da un’angoscia esistenziale profonda. Il suo fraseggio elegante e la qualità del timbro contribuiscono a delineare un percorso interiore credibile e toccante.
Di grande impatto la Madame de Croissy di Sylvie Brunet-Grupposo, protagonista di una scena di morte tra le più sconvolgenti del teatro musicale. L’interprete riesce a rendere con forza il dramma di una fede messa in crisi, offrendo una prova di forte intensità emotiva e scenica. Accanto a lei, Francesca Pia Vitale disegna una Soeur Constance luminosa e spontanea, portatrice di una dolcezza che fa da contrappunto alla cupezza della vicenda. Meno convincente la Madame Lidoine di Sally Matthews, la cui linea vocale appare talvolta irregolare.
Ben delineati anche i ruoli maschili, con interventi efficaci che contribuiscono a definire il contesto storico e familiare della protagonista. Solido l’insieme dei comprimari, così come il contributo del coro, fondamentale nel costruire la dimensione collettiva dell’opera.
Il vero punto di forza dello spettacolo resta tuttavia la regia di Carsen, ripresa con precisione e coerenza. La scena, ridotta all’essenziale, si configura come uno spazio astratto, privo di riferimenti realistici. Pochi elementi, geometrie rigorose e una disposizione coreografica dei corpi costruiscono immagini di grande impatto visivo. Questa scelta consente di concentrare l’attenzione sul conflitto interiore dei personaggi, evitando ogni distrazione decorativa.
Le figure collettive – monache, rivoluzionari, folla – diventano parte integrante della drammaturgia visiva, creando configurazioni simboliche che riflettono il rapporto tra individuo e comunità. In questo contesto, la presenza della violenza rivoluzionaria si percepisce come una minaccia costante, anche quando resta fuori scena.
Fondamentale il ruolo della luce, utilizzata come vero e proprio strumento narrativo. I contrasti tra ombra e illuminazione, le improvvise aperture luminose accompagnano i passaggi emotivi e spirituali dei personaggi, contribuendo a costruire un’atmosfera sospesa e intensa.
Il momento culminante è il finale, di straordinaria forza evocativa. Senza ricorrere a soluzioni realistiche, la regia traduce la morte delle monache in una progressiva scomparsa delle voci e dei corpi. Il canto si spegne lentamente, mentre le figure cadono una a una, in una sequenza di grande impatto visivo ed emotivo. Un’immagine che resta impressa e che chiude lo spettacolo con rara potenza.
Il pubblico torinese accoglie con entusiasmo questa produzione, tributando calorosi applausi a interpreti e creatori. A distanza di quasi trent’anni dalla sua nascita, l’allestimento di Carsen continua a parlare con sorprendente attualità, confermando la forza di un’opera che non smette di interrogare lo spettatore.
E non poteva che essere così, con un’interprete, autrice e attrice protagonista sul palco, come Sara Lisanti, formatasi quale trapezista alla “Scuola di Circo Flic” e che, in scena, porta un’“estetica materico-concettuale” che le è già valsa prestigiosi riconoscimenti internazionali come l’“Azores Fringe Award” e il “Gothenburg Fringe Award” nel 2023. In “Calvarium”, a mettersi totalmente in gioco, quale “unico e polivalente strumento espressivo” è dunque, e proprio, il “corpo”, “forma muta ma potentissima” nella sua intrigante e fantasiosa capacità di evocare simboli universali come la “stola di porpora”, la “Sindone” e l’“incenso”. L’opera guarda a Gesù innanzitutto come “uomo”, “indagando – sottolinea Sara – la tenacia di un individuo che resta fedele al proprio credo fino a lasciarsi fare a brandelli, trasformando la sofferenza in una critica allegorica e in una riflessione sulla coerenza personale che supera i confini del dogma”.