SPETTACOLI- Pagina 6

 

La prima puntata di Sandokan mi ha profondamente deluso. Quello che ho visto sullo schermo sembra aver completamente disintegrato lo spirito del romanzo di Salgari: l’atmosfera epica, il fascino dell’esotico, la tensione avventurosa… tutto sembra svanito, come se l’opera originale fosse stata solo un pretesto lontano.
Sandokan stesso appare più come un cosplayer ben truccato che come la Tigre della Malesia. Manca della sua aura minacciosa, del suo carisma selvaggio, della presenza scenica che dovrebbe dominare ogni scena. Non trasmette né il tormento né la forza che rendono il personaggio così iconico nei libri.
Yanez, invece, è ridotto a una macchietta ironica. La sua eleganza cinica, la sua astuzia sottile e la sua saggezza da vecchio lupo di mare cedono il posto a un personaggio caricaturale, che sembra inserito solo per strappare qualche sorriso facile.
Se questo era l’intento di rinnovare la storia, il risultato è un prodotto che si allontana troppo dall’anima salgariana, perdendo per strada proprio ciò che rendeva Sandokan e i suoi compagni immortali. Una delusione, almeno per ora.

Enzo Grassano

Torna alle OGR Torino OGR Charity Night | Amici di Piero, la 26a edizione della maratona musicale che unisce artisti e pubblico in un grande abbraccio collettivo. Una notte di musica e solidarietà in memoria di Piero Maccarino e Caterina Farassino, figure indimenticabili della scena torinese. Il ricavato sarà devoluto alla Fondazione Caterina Farassino, a sostegno di progetti rivolti ai bambini più fragili. Quest’anno gli amici di Piero la Fondazione Caterina si uniscono per raccogliere fondi per il Ristorante dei Bambini di Strada di Phnom Penh in Cambogia. Un pasto per i bambini costa 0,50 centesimi e queste donazioni rappresentano pertanto un enorme possibilità di salvezza di vita e di crescita per migliaia di bambini. La Fondazione Caterina Farassino, gli Amici di Piero e l’associazione Walzing Around Cambodia comunicano di aver acquistato nel corso del 2025 il corrispettivo per 125.000 pasti. Durante la serata del 7 dicembre verrà dato l’annuncio di un ulteriore progetto che è stato realizzato: la prima Aula Multimediale da quando la scuola ha aperto nel 1972. L’aula è stata intitolata alla memoria di Caterina Farassino. Nel 2026 continueremo a sostenere l’associazione Walzing Around Cambodia con l’acquisto di pasti e nel corso dell’anno verrà realizzata un’aula per le Arti che verrà intitolata alla memoria di Piero Maccarino.

Si esibiranno

Les Votives, Gli Statut , Luca Morino, D!ps, Mahout ,Fratelli di Soledad ,Persiana Jones ,Mazaratee, Andrea Scarpa, The Cotton Dukes ,The Seekers ,70s & more, TBA LINE UP, Willie Peyote ,Casino Royale & Alda Meg Samuel The Originals (Africa Unite & The Bluebeaters)

AMICI DI PIERO 2025 Domenica 7 dicembre 2025 h 20.30 | Apertura porte h 20.00 Sala Fucine | OGR Torino Corso Castelfidardo 22, 10138 Torino Biglietti in vendita su ogrtorino.it | 20€ + dp Un evento delle OGR Torino in collaborazione con la Fondazione Caterina Farassino.

Ultima replica domani al Gioiello

Francesco Silvestri, scomparso nel dicembre di tre anni fa, legato a Torino per aver tenuto un paio d’anni la cattedra di Scrittura drammaturgica presso la Scuola Holden di Baricco, ha fatto parte di quella Nuova Drammaturgia Napoletana che ha visto con successo al proprio interno i nomi e le opere di Annibale Ruccello – il commediografo gli fu interprete per “Le cinque rose di Jennifer” -, Enzo Moscato e Manlio Santanelli, tra il mondo di ieri e la contemporaneità, il bianco e il nero di Parthenope e del Sud, la comicità e gli affanni, l’arte d’arrangiarsi e la fatica, l’onestà e il colpo di mano. Quel mondo compatto e sfrangiato che, tra tutti, anche la letteratura del giallo e no di De Giovanni e De Cataldo, le storie di Sorrentino e Capuano, di Martone e De Lillo e Corsicato hanno da tempo portato in primo piano. Una visione che non poco ha pure contribuito a far conoscere, da trent’anni in qua, sera dopo sera, facce e vicende che ormai un gran pubblico considera come familiari, facce che hanno terminato un percorso e altre nuove che si sono aggiunte, “Un posto al sole”, intramontabile soap opera di successo: al suo interno, s’è formato un gruppo composto da alcuni dei tanti elementi femminili – Gina Amarante, Luisa Amatucci, Miriam Candurro e Antonella Prisco – con la felice “intrusione” di Peppe Romano, là pieno di problemi affettivi e d’attività lavorativa. Di Silvestri stanno riproponendo sui palcoscenici italiani (da noi al Gioiello, solo per tre repliche, l’ultima domani 7 dicembre in pomeridiana) “Streghe da marciapiede”, un testo dei primi anni Novanta.

Vera black comedy, che trova ambientazione negli anni del fascismo, i bei costumi di Teresa Acone sono a riprova, in perfetto equilibrio tra la narrazione del reale e le sospensioni del surreale, tesa e a tratti divertente, coinvolgente per un pubblico anche spinto a sinceri applausi a scena aperta. La storia di quattro prostitute, tre nate nei bassi napoletani mentre l’ultima ha forse respirato un tempo le nebbie lombarde, condividono lo stesso appartamento in cui vige una regola di ferro, secondo cui mai nessun uomo dovrà mettere piede. Tuttavia una sera la Gina incrocia un ragazzo, reduce da un pestaggio, e lo fa accomodare. Alto e attraente, enigmatico, forse come staccato dal mondo che circonda quelle donne, il loro modo di vivere e le esistenze contorte, “una sorta di angelo oscuro della notte”, l’ospite prende a poco a poco per le padrone di casa il peso di un incubo, un essere non adatto a vivere con loro e capace altresì di mettere in discussione quei rapporti che sinora si sono creati, semmai a far insorgere vecchi peccati e incubi, affondati nel passato, un infanticidio, una violenza sessuale, una famiglia da cui si è fuggite, una natura di lesbica da cui per un attimo si avrebbe voglia di scappare. In una avvolgente sequenza d’incastri, delle azioni che hanno visto in quella casa un omicidio e degli interrogatori che dovrebbero essere chiarificatori ma che al contrario vivono tra misteri e ambiguità e interessi personali e quelle di oggi portate a un processo dentro cui rimarrà invischiato e vittima un ispettore sempre più convinto della loro natura stregonesca e malefica e a poco a poco ridotto a un essere che ha perso il cervello. La regia che Stefano Antonucci, nella scenografia essenziale fatta di cubi e pedane firmata da Ciro Lima Inglese e ancora con le canzoni di Michele Fierro, ha costruito intorno guarda ai particolari, ai diversi rapporti, al non detto che spinge sempre più da vicino, in maniera validissima, forte, del tutto convincente, facendosi carico anche di un paio di ragionate modifiche, la cancellazione del personaggio del ragazzo ma la cui presenza non può che rimanere viva e il far entrare in scena quello dell’ispettore, immediatamente coinvolto e succube dei raggiri femminili.

Molto del successo va alle interpreti, che siamo abituali a seguire in tivù ma che per la prima volta possiamo saggiare su un palcoscenico vero e proprio. Non più la scenetta, l’intermezzo mordi e fuggi, la prova si fa completa: che altro non è che una conferma. La breve scenetta prende spazio, diventa i 90’ di spettacolo, si è animata a tutto tondo, si è irrobustita, i caratteri se ancora ce ne fosse necessità si sono delineati maggiormente, certo, in una scrittura di più ampi profondità e spessore, ma nello spettatore si fissa la certezza di essere davanti a quattro eccellenti attrici. Antonella Prisco gioca appieno, in bell’equilibrio, tra le leggi del quotidiano e una sembianza intimamente staccata dal reale, dentro quell’aria di sogno e stralunata che già le conosciamo, Luisa Amatucci esprime in maniera viscerale la disperazione del proprio racconto, con l’umanissima tragicità della tragedia greca, Gina Amarante assai credibile tra esuberanza e desideri e gioie di un attimo, Miriam Candurro disegna con gusto l’appartata del gruppo, la più “signora”, quella che non vorrebbe confondersi. Non certo in disparte Pippo Romano, a fare da perfetto legame tra quei racconti di streghe che finiscono col distruggere. Vivissimo successo.

Elio Rabbione

Nelle immagini, alcuni momenti dello spettacolo.

Amanda Sandrelli ritorna al Teatro Concordia per interpretare Caterina de La bisbetica domata di William Shakespeare, un personaggio affascinante per la sua ambiguità che mostra però la distruzione della sua personalità ribelle. Caterina è un personaggio che incarna un’ambiguità affascinante, un paradosso che la rende molto più complessa di una semplice “dama addomesticata”. La sua figura si presenta come un groviglio di contraddizioni: antipatica e intransigente, a tratti sboccata e con posizioni integraliste, qualcuno la definirebbe persino pazza. Eppure, sotto questa corazza, si cela una profonda libertà, un’adolescenziale e romantica aspirazione a un mondo in cui il matrimonio sia un atto d’amore, non una transazione sociale. Nella Padova shakespeariana de La Bisbetica domata, l’ambiguità non è prerogativa esclusiva di Caterina. Tutti i protagonisti sono segnati da colpe, intrappolati in una rete di ipocrisie e convenzioni sociali. In una società profondamente maschilista come quella inglese di fine Cinquecento, l’immagine di una Caterina “addomesticata” poteva apparire, all’epoca, come un personaggio comico, e la commedia come un edificante lieto fine, una sorta di “selvaggia addomesticata” che trova la sua redenzione nell’obbedienza. Tuttavia, la prospettiva è radicalmente mutata. Oggi, la rappresentazione de La Bisbetica domata non suscita più un senso di edificazione o di lieto fine. La visione che Caterina vorrebbe riscrivere le regole, opporsi alla madre e allo sposo, si scontra con una realtà fatta di umiliazioni e violenza. La sua sofferenza non è più fonte di riso, ma un’esperienza dolorosa e angosciante, pianificata fin dalle prime battute di Petruccio. Lui non è un uomo che cerca di conquistare una donna, ma un dominatore che mira a piegare una ricca e desiderabile preda, sapendo esattamente come farlo, con la forza o con l’inganno. Durante la rappresentazione, tra risate, travestimenti e dichiarazioni d’amore, si cela una violenza che raggiunge livelli da incubo. Ma il vero orrore si consuma dietro le quinte, in un luogo inaccessibile agli spettatori. Quando la porta si chiude, non arriva nessun principe azzurro a salvare Caterina. Lei piega la testa, ridotta a una creatura sottomessa, un “cagnolino” privato della sua forza e della sua identità. Di Caterina, quella ragazza ribelle e passionale che sognava l’amore, non rimane che un’ombra. Costretta all’umiliazione totale, tutti le voltano le spalle. Cosa l’attende tra le mura domestiche è un mistero, un problema che la riguarda esclusivamente. Noi, spettatori, possiamo solo fingere di essere felici, di celebrare un lieto fine che è in realtà una tragedia silenziosa. La commedia, in fondo, è solo una maschera dietro cui si cela una realtà ben più oscura e disturbante. Il suo “addomesticamento” non è una vittoria, ma una sconfitta, una perdita irreparabile di sé. E la risata, in questo contesto, suona come un’amara beffa. La vera domanda non è se Caterina sia stata addomesticata, ma a quale prezzo.

Ancora non si sono del tutto spente le suggestioni – con qualche stella un po’ pallida in concorso – del recente Torino Film Festival che già arriva la verità dei dati a testimoniare il successo della manifestazione. Risultato positivo ci è fatto sapere per questa seconda edizione targata Giulio Base (riconfermato proprio su quella scia et ça va sans dire per l’appuntamento 2026), calato il sipario anche sulla spesa di 2,8 milioni di euro, attendendo altresì le cifre che in maniera definitiva arriveranno a consuntivo, mettendoci dentro organizzazione premi e ospitalità che hanno creato un red carpet invidiabile, da Vanessa Redgrave alla Bisset ad Antonio Banderas richiestissimo, da Stefania Sandrelli ad Hanna Schygulla, da madame Binoche al nostro Castellito al Claude Lelouch di “Un uomo una donna”, Palmarès a Cannes nell’ormai lontanissimo 1966, dal granitico “ti spiezzo in due” Ivan Drago alias Dolph Lundgren all’oltralpe Vincent Lindon e via elencando, regalo delle Stelle della Mole o no, tutti sotto l’ala protettrice di Tiziana Rocca, donna capace di stanarli dalle loro case, in giro per il mondo, per farli giungere dentro l’eleganza sabauda, ormai libera da quell’aria di diffidenza e di nicchia voluta dalle precedenti direzioni. Rispettando altresì un ben radicato equilibrio, che si destreggia tra una pomposa inaugurazione tra i velluti e sotto la cascata di luci del Regio e la conoscenza con le opere prime e seconde della cinematografia scovata nei cinque continenti come da sempiterno copione, senza tralasciare chicche egualmente rintracciabili in altri festival di ben maggiore richiamo.

“Cresce il numero degli spettatori a parità del numero di titoli in programma – 120 suddivisi nelle tre sezioni di concorso e nelle tre sezioni non competitive -: la percentuale di riempimento delle sale arriva all’83%”, si recita dagli uffici di via Montebello, più che forti della quota salita a 38.000 per le presenze, 65 titoli sold out, calcolando ancora una crescita per abbonati e accreditati, per un incasso complessivo di oltre 152.000 euro, incasso che aveva quasi toccato i 130mila nell’edizione del 2024. Si gongola per i mezzi del momento, per una edizione “dal forte impatto social e risultati record di visibilità”, in cui si raggiungono i 7,3 milioni di visualizzazioni (+211%) e 3,3 milioni di persone (232%). Crescono nel 2025 le condivisioni del 116%, “segno di un passaparola di qualità”, del 149% su Instagram e del 23% di salvataggi, a conferma di un interesse sempre più attivo. Finalmente si è constatato come anche la tivù di stato sappia collegarsi per servizi e interviste e resoconti fin sotto le montagne, abbracciando pure la cerimonia d’apertura  trasmessa in diretta su Raiplay: per cui sarà soltanto questione d’aver fede e tempo e pure le reti maggiori sapranno organizzarsi. L’impianto organizzativo e i tanti main sponsor – Ministero della Cultura/Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Regione Piemonte, Città di Torino, Fondazione Compagnia San Paolo e Fondazione CRT – avranno diritto a qualcosa che vada un po’ più oltre. Legittima attesa da presidenza e direzione. Già ad apertura di programmazione, la Regione metteva in campo “una visione ancora più ambiziosa” attraverso le parole dell’assessore regionale alla Cultura, Marina Chiarelli: “Il Torino Film Festival è l’evento cinematografico clou della nostra stagione culturale, un appuntamento che porta a Torino il respiro internazionale del grande cinema. Ma oggi voglio dirlo con chiarezza: Il Piemonte non deve porsi limiti. Possiamo e dobbiamo ambire a diventare uno dei poli cinematografici più importanti d’Europa.” Attraverso “investimenti mirati, un sistema produttivo in crescita e una programmazione capace di attrarre talenti e produzioni internazionali”: non resta che alzare l’asticella, ampliando le presenze di quanti fanno cinema per il mondo e costruendo opportunità nuove e concrete per chi crea.

Magari iniziando dal basso, perché no?, oserei dire per alcuni casi dalla strada. Badando anche alle piccole cose, comuni e quotidiane. A mo’ di aggiustamenti, tutti fattibili: un numero maggiore di sale, di modo che in molti non si stia esclusi dai tutto esaurito, di modo che sempre non sia un’affannosa rincorsa? quelle fasce d’età magari penalizzate nella ricerca di un biglietto, casomai agevolarle? quella bianca tettoia che per anni ha ricoperto le cocuzze imbiancate e no di molti spettatori in entrata su via Verdi, intemperie o no, magari ripristinarla? un miglior trattamento ai tanti giovani volontari e collaboratori che stazionano nelle e fuori le sale di proiezioni, in maniera del tutto gratuita, a cui – mi è stato innocentemente confessato – sono stati sottratti non solo da quest’anno i buoni pasto? Iniziamo con il rimettere a posto queste cose, per chi lavora e per il pubblico, le stelle, con gli ingranaggi che si sono così bene avviati, continueranno ad arrivare egualmente.

Elio Rabbione

Nelle immagini: Giulio Base, direttore del TFF, tra Carlo Chatrian ed Enzo Ghigo, direttore e presidente del Museo del Cinema; un momento del film vincitore “The Gardens of Earthly Delights” dell’olandese Morgan Knibbe.

Per la stagione dello Stabile, al Carignano sino al 14 dicembre

“Leggendolo, mi convinco una volta di più che non sono un drammaturgo.” Definitivo, brutale e pessimista, sino in fondo. E dire che, nell’autunno del 1895, scrivendo all’amico Aleksej Suvorin – magnanimo editore delle sue opere, un rapporto che durò una quindicina d’anni e che s’affievolì all’epoca dell’affare Dreyfuss per le differenti posizioni prese -, era partito fiero, col piede giusto, forgiato di ogni sicurezza: “Figuratevi, sto scrivendo un testo teatrale, sarà pronto non prima di novembre. Scrivo con gusto, anche se mando all’aria tutte le buone regole. È una commedia, ci sono tre parti femminili, sei maschili, quattro atti, un bel paesaggio (vista sul lago), molti discorsi sulla letteratura, poca azione, un quintale d’amore.” Una quintalata, e anche qualche grammo in più, che continua inevitabilmente ad abitare questa edizione del “Gabbiano” sulla cui protezione è calato un buon numero di Teatri Stabili e Teatri Nazionali, del Veneto – del quale il regista Filippo Dini da due anni è direttore -, Torino, Roma, Bolzano e Napoli, quintalate d’amore che avvolgono quel gruppo d’amici e parenti che vengono a occupare le stanze della villa dell’attrice Irina Arkadina, sulle rive di un grande lago, dove suo figlio Kostja, senza troppa convinzione del suo pubblico tenterà d’inscenare una sua breve composizione teatrale che piacerà quasi a nessuno: chiaro che il ventenne pieno di ribellione dentro il cuore e il cervello s’inferocisca mica poco, reclamando “nuove forme” di teatro, scalpitando contro una società abbarbicata su canoni antichi e che non vede più in là del proprio naso. Dini è come Kostja, anzi Dini “è” tout court Kostja. Ormai obbediente a quella fregola registica di porre azioni e attori dentro il contemporaneo, comincia con l’affidare, all’interno del primo atto, il testo di Kostja e la recitazione della giovane Nina, quasi fidanzatina che sfrigola a ogni istante, allo sguardo ribelle di Leonardo Manzan, controcorrentissimo, astruso e assurdo, strampalato e all’insegna del “famolo strano” a tutti i costi, sul sentiero di una moda che sta prendendo il posto di altre mode (forse): dopo che il triste e angry man aveva steso il proprio “manifesto” (per diretta definizione della madre) con un giro panoramico sul teatro del Novecento che senza batter ciglio citava e commentava Brecht ed Eduardo, con accenno musicale di “che gelida manina”.

Malinconia ma neppur tanta, arrivi e partenze, l’esistenza stracca, una sorta di forzata allegria e falsa spensieratezza a serpeggiare, il riconoscibile andare alla deriva di uno scampolo d’umanità che stava per buttarsi in braccio a rivoluzioni e guerre, sulle direttive del signor Cechov che reclamava sulle locandine il termine “commedia”, e poi noia tanta noia, e inseguimenti amorosi a perdifiato giù lungo i 150’ dello spettacolo, con lo squattrinato Medvedenko, spuntato dal nulla ad inizio spettacolo per cantare come un Rino Gaetano de noantri una canzone d’amore alla sua bella che più a squaciagola non si potrebbe, che ama Maša che insegue Kostja, il quale sogna disperatamente Nina – “d’amore si muore”, avrebbe detto Patroni Griffi qualche decennio dopo -, che sì all’inizio un pensierino ce lo farebbe ma che poi è catturata dal vortice che raccoglie il suo desiderio d’attrice e il successo dello scrittore Trigorin, che di professione fa l’uomo usa e getta, a secondo dei tempi e della bisogna, che da Irina è inseguito, senza dimenticare mamma Polina che ha un debole per il dottor Dorn. Un girotondo infinito, che si stacca e si ricompone, discorsi di letteratura e di spicciola filosofia quotidiana, due colpi di rivoltella, uno che fa il danno di un graffio e l’altro che porta alla morte. Su ogni azione, sui dialoghi caparbiamente urlati, sui tratti e il susseguirsi delle azioni a volte inverosimili costruiti a spintoni, c’è la mano di Dini, di gran lunga più accettabile nel suo primo Cechov che fu pochi anni fa “Ivanov”. Una regia sfrontata, dedita alla più forte esasperazione, urlata, votata allo stravolgimento – volontà del tutto registica – di tutto quel cecovismo che abbiamo visto in questi decenni: ferma restando in chi scrive la convinzione che non è certo onesto “trafugare” un testo al proprio legittimo proprietario e che, quando in un paio di ispirati momenti la stessa regia ritorna nell’alveo, è in quei momenti che ci si rifugia nella giusta ispirazione.

Forse Dini s’è voluto bellamente dimenticare che, pur nella ricerca della novità, entro cui spunta oggi quella necessaria quanto insondabile figura teatrale che è il dramaturg, pronto a essere cacciato a viva forza in ogni “rivisitazione” o “rilettura” alla moda (qui ha il nome di Carlo Orlando), sarebbe necessario il vecchio, oraziano, “est modus in rebus”, la misura, l’equilibrio, la negazione degli eccessi, il ponderare con acume fin dove spingersi. Magari non far diventare “il gabbiano” quasi un musical, con quelle canzoni, disinvolte e struggenti con tanto di microfono, spingendosi sino a quel capolavoro che è l’Oscar “Skyfall”, targato 007, per la voce di un’Adèle che non è neppure avvicinabile – ma, per carità, non era certo quello il fine, non siamo ancora arrivati ai “tali e quali” del signor Conti; magari, nella rabbia e nel disfacimento esistenziale del momento di Maša, non obbligare la povera Enrica Cortese, con i suoi tratti di borgatara pur essa arrabbita, a farsi una sputacchiera di pezzi più o meno sminuzzati di mela, sulla faccia del grande scrittore; magari non regalare alla Nina (che è una Virginia Campolucci a suo modo credibile) la patente di instabile permanente, magari soprattutto non regalare a Trigorin l’errore più vistoso della serata. Agghindato, come molti altri, nei costumi di Alessio Rosati – la scena fatta di sdraio computer albero spoglio e fondale lacustre e tetro, di Laura Benzi, essenziale prigione a specchio – più adatti a uno spettacolo da circo che a una commedia russa, Dini, al limite della caricatura, fa del suo antipaticissimo scrittore un rintontonito e balbuziente essere, eccessivo, bambinesco nei gesti, di cui difficilmente riusciamo a immaginare la scalata al successo, l’ingresso nei salotti, gli assatanati innamoramenti di due donne: semplicemente difficile. I più compos sui paiono la Irina di Giuliana De Sio (sebbene paia messa un po’ a lato, ben altra per forza nelle immagini di madre di “Agosto a Orage County” di Tracy Letts e “Cose che so di essere vere” di Bovell, passate nelle scorse stagioni sullo stesso palcoscenico del Carignano, in altri tempi cavallo di battaglie per le grandi attrici), gretta, autoritaria e vuota, tutta impegnata a raccontare di veri o presunti successi, fatta di tanti “amore della mamma”, e il Kostja di Giovanni Drago, che gira in lungo e in largo come una farfalla impazzita e si sbraccia in sparate sacrosante, animoso, eroe di breve durata chiuso nel suo lungo pastrano, passionale e intimamente più che sfrontatamente chiuso nella propria rivoluzione, purtroppo uno dei pochissimi fattori che ci abbiano convinto la sera della prima. Repliche sino 14 dicembre.

Elio Rabbione

Nelle immagini di Serena Pea, alcuni momenti dello spettacolo.

Una mostra, tre workshop e un recital sul tango

I nostri concittadini, turisti/migranti pre-natalizi nella nostra meravigliosa Liguria, saranno probabilmente interessati alla “Semana Dia del Tango” 2025 (manifestazione nell’ambito della seconda edizione di “Tierra y Mar”) che si svolgerà da sabato 6 all’11 dicembre nell’Imperiese. Dopo una vivacissima estate, si rientra nel vivo della profondità culturale e artistica rioplatense, con vari appuntamenti dedicati al Tango.

Da fruire saranno varie opere grafiche, immagini, testi delle canzoni di tango e narrazioni sceniche organizzate da Casa de Tango by Etno-tango, con il Patrocinio del Consolato Argentino di Milano.

Si inizia il 6-7-8 dicembre al Forum Ricca di Civezza, dalle 15.00 alle 18.00 (ingresso a offerta libera) con l’esposizione delle tavole “I TANGHI DI TANGO”, mostra iconografica di grandi immagini abbinate ai testi più famosi del tango cançion: da La Morocha a Amablemente, da Yira Yira a Caminito.

Sempre nella stessa sede, dalle 16.00 alle 17.30 il workshop “SOY YO” condotto da Monica Mantelli (ogni giorno un tema diverso). Si parlerà degli archetipi del tango attraverso le Letras e l’immaginario grafico di grandi disegnatori.

L’ultima mezz’ora vedrà ogni giorno un ospite speciale così organizzato:

Sabato 6 – Simonetta Giacosa, esperta di settore, spiegherà ai presenti la pratica metamorfica applicata al ballo del tango.

Domenica 7 – Ippolito Ostellino, esperto naturalista, proietterà i Case Histories più interessanti di tango in natura, dal titolo “A piedi nudi nel parco”.

Lunedì 8 – a Diego Pavia l’interpretazione con alcune ballerine del Tango di Roxanne (tratta dall’Asterione di Borges).

Infine, grande celebrazione Giovedì 11 dicembre alle ore 17.00 presso il prestigioso Grand Hotel des Anglais di Sanremo per un ultimo appuntamento con il Recital THREE LADIES FOR TANGO, con Tita Merello, Maria de Buenos Aires, Evita Peron. Il tutto sarà gestito da Monica Mantelli, esperta di cultura rioplatense e direttrice artistica della rassegna.

La celebrazione “DIA DEL TANGO” compie 48 anni nel 2025 per evidenziare l’importanza di questa danza nella cultura argentina; la data stessa fu scelta in omaggio alla nascita del cantante Carlos Gardel (1890) e del direttore d’orchestra Julio de Caro (1899).

Per info sui workshop, inviare messaggio whatsapp al 377/04.88.519; partecipazione libera con offerta consapevole (consigliati 10 euro a persona). Organizzazione a cura di Casa de Tango by Etno-tango, in collaborazione con il Comune di Civezza.

Ferruccio Capra Quarelli

Quarta edizione al Teatro Juvarra di Torino

Sabato 6 dicembre 2025, ore 16.45

Il 6 dicembre 2025, alle 16.45 si terrà, presso il Teatro Juvarra di Torino, la quarta edizione del “Vitamine Jazz Festival”, con una rappresentanza dei musicisti che volontariamente, , donano la loro arte nei reparti dell’Ospedale S. Anna per rispondere all’appello della Fondazione Medicina a Misura di Donna onlus.

Emanuele Cisi e Barbara Raimondi docenti del Dipartimento Jazz del Conservatorio G. Verdi di Torino, Sergio Di Gennaro e Elis Prodon nomi eccellenti del jazz torinese, i giovani Mattia Basilico e Nicolo’ Di Pasqua fra i freschi vincitori del prestigioso concorso Massimo Urbani, dal Brasile Roberto Taufic, Gilson Silveira, Val Coutinho e Sabrina Mogentale: sono solo alcuni dei musicisti che arricchiscono il ghiotto cartellone del Festival di Vitamine Jazz di quest’anno.

Il ricavato della serata sarà destinato a progetti concreti per la salute e il benessere delle donne, con particolare attenzione alla prevenzione e alla diagnosi precoce delle patologie femminili.

Le “Vitamine Jazz”, varate nel settembre 2017 dalla Fondazione Medicina a Misura di Donna, in accordo con la Direzione dell’AOU Città della Salute e della Scienza e l’Università degli Studi di Torino, sono il più articolato, ampio e longevo programma al mondo di esecuzioni di jazz realizzate in un ospedale. La Fondazione ha mobilitato, con la Direzione Artistica di Raimondo Cesa, le

istituzioni culturali del territorio e la comunità degli artisti che hanno messo a disposizione della causa tempo e competenze in modo gratuito.

Il progetto si colloca nel percorso strategico sull’alleanza virtuosa tra “Cultura e Salute” varato dalla Fondazione nel 2011 che vede coinvolti istituzioni culturali, medici, esperti nelle scienze sociali, economisti della cultura per portare in Ospedale esperienze pilota esportabili in altri contesti.

All’Ospedale Sant’Anna di Torino, il più grande d’Europa dedicato alle donne, sono stati superati i 485 appuntamenti musicali con la partecipazione di oltre 450 jazzisti di fama nazionale e internazionale.

Le note del jazz hanno dato il benvenuto alle nuove vite nei reparti maternità, accompagnato le pazienti durante le cure chemioterapiche nel Day Hospital oncologico, ingannato il tempo dell’attesa nelle sale d’aspetto e al pronto soccorso.

Il programma si sviluppa in dialogo con il personale dei reparti coinvolti ed è stato valutato molto positivamente da pazienti e operatori sanitari.

“Attendiamo gli appuntamenti con curiosità e meraviglia. La musica ci stimola e ci ha aperto nuovi mondi” affermano le infermiere intervistate. Gli stessi musicisti definiscono l’ospedale “un grembo armonico” e considerano l’esperienza dell’esecuzione ad personam un arricchimento personale e professionale.

“La musica si è dimostrata una importante alleata nel percorso di cura e per questo siamo riconoscenti a tutti gli Artisti che hanno risposto con grande generosità ed entusiasmo al nostro appello” afferma la prof.ssa Chiara Benedetto, Presidente della Fondazione Medicina a Misura di Donna.

Neppure il Covid è riuscito a fermare “Vitamine Jazz”! Nei due anni di forzata assenza dalle corsie del Sant’Anna il mondo jazzistico si è attivato per prendere parte a quelle che sono state chiamate “Vitamine Jazz Virtuali”, inviando telematicamente video dedicati da ogni parte del mondo. L’esempio più eclatante è il video registrato in Brasile per le Vitamine Jazz Torinesi da Roberto e Eduardo Taufic con il grande Ivan Lins!

“La musica è conversazione, comunicazione in armonia. Il jazz in particolare è condivisione continua. Dall’interazione fra musicista e spettatore nascono le successive improvvisazioni”, afferma con orgoglio Raimondo Cesa che cura la rassegna e presidia ogni incontro.

Dopo il grande successo di “Dracula”, la stagione 2025-2026 del TPE Teatro Astra, “Mostri”, prosegue fino al 7 dicembre prossimo con la pièce “Atomica”, uno spettacolo di Muta Imago con la regia di Claudia Sorace e la drammaturgia e il suono di Riccardo Fazi. Sul palco, i bravissimi e intensi Alessandro Berti e Gabriele Portoghese hanno dato vita al carteggio tra Claude Eatherly, giovane pilota texano che dà l’approvazione definitiva allo sgancio della bomba atomica che colpì Hiroshima, l’unico della missione a sentire il peso della colpa, e il filosofo tedesco Gunther Anders, portando in scena uno spettacolo necessario, contemporaneo nella maestria di urlare disperatamente il presente richiamando il passato, evocando inoltre quella mostruosa caratteristica del potere, quando si trova a dover perpetuare sé stesso, nell’affrontare con tanta leggerezza criminale il possibile utilizzo, come oggi accade, dell’ arma nucleare.

Il tema dominante nella pièce sembra essere quello della ferita insanabile, uno strappo al di là di ogni aiuto che colpisce Eatherly e l’umanità intera, di cui diventa simbolo. Il giovane pilota rappresenta la trasfigurazione di un fantasma che vive nel cono d’ombra della luce proiettata dal mostro. Una luce, quella dell’esplosione atomica, che acceca, cancella e annichilisce, favorisce il buio della coscienza disinnescando l’impeto di ribellione, costruisce il proprio significato attraverso un’ immagine, tristemente nota, priva di linguaggi universali che possano comprenderla e accettarla: il fungo atomico, la cui forma disegnata rappresenta anche il recinto di “The Bomb”, leggendaria poesia di Gregory Corso in cui le parole, scontrandosi come atomi, danno vita a una reazione in versi che causa delirio, simbolo della follia umana. La sensazione, fin dall’inizio dello spettacolo, è quella di trovarsi di fronte alla caduta del miltoniano Lucifero di “Paradise Lost”, di condividere il folle paradosso della sua sofferenza, il tonfo bestiale di chi, caricatosi sulle spalle il peso dell’ombra, è precipitato generando la luce di Dio.

Forse il mostro è un’entità che supera i confini del bene e del male, del buonsenso e della scelleratezza. Forse è possibile trovarlo, attenendosi al tema della pièce, in quella lingua di terra che separa la radiazione sperimentata da Marie Curie per la lotta al cancro da quella finalizzata allo sterminio di massa. Il mostro è quella frattura che divide, è la scintilla, l’istante che cambia la storia. Sarebbe troppo facile, fin banale, riconoscerlo in quanto male. Il “monstrum” è anche lo spirito divino, il prodigio, quella geniale consapevolezza d’aver accettato la morte, il disfacimento nostro e quello dell’altro, la violenza, i soprusi, la tortura. Il mostro è la ferita che l’umanità si autoinfligge, una dimensione di domande che rappresentano esse stesse la risposta, sofferenze e colpe di cui siamo a conoscenza e che, per qualche motivo, accomunano sia la vittima che il carnefice. Uomini, nella ciclica ristrutturazione dell’ignoto, nel mito di domani.

Lo spettacolo, consigliatissimo, prende la forma di un viaggio onirico e visivo nella psiche del protagonista, che affronta i fantasmi di un complesso di colpa soggettivo che diviene collettivo. Una riflessione sulla perdita dell’innocenza di un mondo che, dal 6 agosto 1945, è costretto a confrontarsi con la minaccia della propria fine.

Gian Giacomo Della Porta