ARTE- Pagina 2

Dal 21 maggio al 1° novembre la GAM – GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea – inaugura le nuove esposizioni che danno avvio alla Quarta Risonanza, progetto dedicato al disegno, al segno e alla forza espressiva del tratto. Protagonista “intruso” di questa edizione è l’artista Pesce Khete, le cui opere dialogano con i fondi grafici del museo.

Fulcro del programma è la mostra “Un altro Novecento. Opere su carta delle collezioni della GAM”, curata da Elena Volpato e Fabio Cafagna. L’esposizione propone per la prima volta un ampio percorso unitario attraverso il patrimonio di opere su carta custodito dal museo: oltre seicento lavori tra disegni, incisioni, acquerelli e dipinti che ripercorrono l’intero Novecento, dalle suggestioni simboliste e secessioniste fino alle ricerche artistiche degli anni Novanta.

La rassegna mette in evidenza il ruolo centrale della carta come luogo privilegiato della sperimentazione artistica. Supporto immediato e versatile, il foglio diventa spazio di appunti, ripensamenti, intuizioni e trasformazioni, restituendo la dimensione più libera e intima del lavoro creativo.

Il percorso si sviluppa in ventuno sezioni dedicate ai principali movimenti e protagonisti del XX secolo. Tra i nuclei più significativi figurano le opere di Lucio Fontana, rappresentato da trenta fogli donati alla GAM da Teresita Fontana, e quelle di Giorgio Morandi, con acqueforti, nature morte e paesaggi che riflettono la sua continua ricerca sulla luce e sull’astrazione. Una sala monografica è inoltre riservata a Filippo De Pisis, di cui vengono valorizzati il segno lirico e la vena diaristica.

La mostra attraversa poi i grandi linguaggi artistici europei tra Otto e Novecento: dal postimpressionismo di Pierre Bonnard all’espressionismo di Max Beckmann, passando per il primitivismo di Henri Rousseau e il dadaismo di Max Ernst. Ampio spazio è dedicato anche alle avanguardie italiane con Giacomo Balla e Umberto Boccioni, messi in relazione con figure internazionali come Paul Klee e Natalia Goncharova.

Il Novecento italiano emerge attraverso le visioni di Mario Sironi, Arturo Martini, Fausto Melotti, Renato Guttuso e Renato Birolli, fino alle sperimentazioni del secondo dopoguerra con Osvaldo Licini, Tancredi Parmeggiani, Carol Rama e Mino Maccari.

Non manca uno sguardo agli artisti legati al territorio torinese, tra cui Mario Sturani, Carlo Turina e Cino Bozzetti, così come agli autori che hanno collaborato con la casa editrice Einaudi, tra cui Carlo Levi, Francesco Menzio e Bruno Cassinari.

Il percorso si spinge fino alle ricerche contemporanee, dalla pop art di Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Robert Rauschenberg alle sperimentazioni ambientali di Mario Merz e Giuseppe Penone, fino alle opere di Giulio Paolini, Ketty La Rocca e Liliana Moro.

A chiudere idealmente l’esposizione è “Predisporsi a un capolavoro cosmico astronomico” di Eliseo Mattiacci, opera che unisce gesto, materia e carta, confermando il valore del disegno come terreno inesauribile di ricerca artistica.

La mostra è visitabile alla GAM di Torino, in via Magenta 31, dal martedì alla domenica dalle 10 alle 18. Chiusura il lunedì; biglietteria aperta fino a un’ora prima della chiusura.

Mara Martellotta

Sabato 23 maggio dalle 19 alle 23, e TAG Art Coffee Breakfast sabato 23 e domenica 24 maggio dalle ore 10 alle ore 12 a ingresso libero

Nel mese torinese dedicato alla fotografia, TAG , Torino Art Galleries,  rinnova il proprio appuntamento con la città attraverso un programma che coinvolge gallerie, artisti, collezionisti, appassionati e tutto il pubblico.
In concomitanza con il festival EXPOSED Torino Foto Festival e con The Phair, le gallerie associate propongono un articolato percorso dedicato ai linguaggi della fotografia contemporanea e alle sue molteplici contaminazioni con la pittura, il paesaggio, il corpo, l’archivio, l’installazione  e la memoria.
Nel weekend del 23 e 24 maggio ritornerà la TAG Art Night, la notte delle arti contemporanee, promossa dalle gallerie associate, e delle Art Coffee Breakfast, le colazioni in galleria, che invitano il pubblico a vivere gli spazi espositivi in modo informale, aperto e partecipato.
Le gallerie aderenti, sabato 23 maggio 2026, dalle 19 alle 23, apriranno simultaneamente le proprie mostre per offrire un itinerario serale diffuso attraverso la città.
La TAG  Art Night conferma così la propria vocazione a trasformare Torino in una geografia condivisa dell’arte contemporanea, accessibile a visitatori e cittadini.
Il pubblico, nelle mattine di sabato 23 e domenica 24 maggio, dalle 10 alle 12, potrà  partecipare alle Art Coffee Breakfast, entrando nelle gallerie per incontrare artisti, curatori e galleristi in una dimensione di prossimità e di dialogo diretto.
“TAG continua a rafforzare la propria identità come rete culturale cittadina aperta e condivisa – sostiene la presidente Elisabetta Chiono – Il mese della fotografia rappresenta un momento importante nella programmazione delle gallerie, entusiaste di proporre al pubblico di appassionati nuove mostre, condividendo questo percorso con le altre iniziative del territorio”.
L’edizione 2026 conferma ancora una volta la capacità di TAG di costruire una rete culturale dinamica e trasversale, capace  di mettere in relazione realtà storiche della città, nuove ricerche artistiche e spazi non convenzionali. Infatti, accanto alle sedi espositive tradizionali, alcune mostre si svilupperanno anche in luoghi diffusi del tessuto urbano torinese, ampliando il rapporto tra arte contemporanea e spazio pubblico.
Fondata nel 2000, Torino Art Galleries riunisce oggi sedici gallerie di arte contemporanea e promuove iniziative condivise, percorsi espositivi diffusi e attività di valorizzazione culturale del territorio. In oltre venticinque anni di attività culturale, l’associazione ha contribuito in modo significativo a costruire l’identità contemporanea della città, sviluppando collaborazioni con fondazioni, istituzioni e partner pubblici e privati.

Mara Martellotta

Tra Milano, Torino e mondi impossibili

Ci sono persone che nella vita seguono una strada sola. 

E poi esistono quelle rare anime irrequiete che sembrano nate per attraversarne molte, lasciando ogni volta una traccia diversa di sé.

Fiorenza appartiene decisamente alla seconda categoria.

Donna forte, elegante, determinata. Una di quelle presenze che entrano in una stanza con naturale autorevolezza.

Milanese nell’energia, torinese nell’eleganza mentale. Capace di muoversi con disinvoltura ovunque, senza mai perdere quella curiosità quasi bambina verso l’insolito, verso l’impossibile, verso ciò che gli altri non vedono. 

Perché sotto quella struttura solida vive un’anima profonda, e sensibile, talvolta perfino fragile nel senso più nobile del termine. 

Una donna che nella vita ha avuto il coraggio di reinventarsi più volte.

Per ventotto anni lavora nell’aviazione generale, un mondo preciso, tecnico, rigoroso.

Eppure, dentro di lei, la creatività continuava a bussare. 

Così cambia rotta davvero.

Studia fashion design e nasce http://Lu.Vi, la sua linea di abbigliamento femminile.

Non semplice moda, ma una forma di espressione personale. Fiorenza non crea soltanto oggetti: crea piccoli frammenti di carattere da indossare.

Ma il suo percorso non si ferma lì. Continua in un mondo fantastico, reale e tutto da scoprire.

Dieci anni dopo arriva la pittura. 

E forse è proprio lì che la sua anima trova il linguaggio più libero.

Pop art e surrealismo diventano la sua casa emotiva. 

Colori forti, ironia visiva, energia, ma anche una profondità sotterranea che si percepisce immediatamente osservando le sue opere.

Nasce così Humanimal Eyes, il progetto che oggi la rappresenta più profondamente.

“Animali dagli occhi umani”. O forse esseri umani nascosti dentro gli animali.

Galli e galline, giraffe, geki tigri, paperi, tori, civette… Creature apparentemente leggere o ironiche diventano improvvisamente vive, intense, quasi disarmanti. 

Fiorenza non dipinge semplicemente animali: dipinge anime ed emozioni, e toglie la distanza tra il mondo animale e quello umano.

Ha scelto proprio gli occhi come centro della sua ricerca artistica, perché è lì che vede la verità di tutto. 

Ed è forse questo il dettaglio più raro della sua arte: la capacità di accorciare la distanza tra il mondo animale e quello umano.

Dietro quei colori pop apparentemente giocosi si nasconde qualcosa di molto più profondo: un invito all’empatia.

È una donna che conserva l’istinto emotivo degli artisti veri: quelli che cercano umanità ovunque. 

E forse Humanimal Eyes nasce proprio da questo, dal desiderio di ricordare che il mondo sarebbe meno crudele se imparassimo di nuovo a guardarci negli occhi. Tutti.

Perché a volte basta uno sguardo dipinto su una tela per capire una verità semplice che abbiamo dimenticato:  la sensibilità non ha specie, non ha razza, non ha forma. 

Ha soltanto occhi capaci di farsi riconoscere.

E viene quasi naturale sperare che questa sua anima così libera e curiosa scelga davvero Torino come uno dei luoghi principali del suo percorso artistico. Perché Torino, in fondo, ha ancora bisogno di persone capaci di ricordarle che l’eleganza più grande non è quella che si mostra, ma quella che riesce ancora a emozionare.

Monica Di Maria di Alleri Chiusano

Dal 22 al 29 maggio la galleria Ad Maiora Art apre le porte a “La Poetica del segno”, nuova mostra collettiva ideata dall’artista materico internazionale Alessio Torzi. Un progetto espositivo che punta a valorizzare il dialogo tra stili, tecniche e visioni differenti del panorama figurativo contemporaneo.
Tra gli artisti già confermati figurano Valerio Esposito, Susanna Dore, Janna Polienko, Silvana Tittoni, Chiara Puddu, Monica Puddu e Carola Nicola, ma la rassegna potrebbe arricchirsi ulteriormente con nuove partecipazioni nei prossimi giorni.
A rendere ancora più riconoscibile l’identità della mostra è l’immagine di copertina firmata da Davide Laiolo, anch’egli presente in esposizione. Il suo linguaggio visivo, vicino all’estetica del fumetto italiano, riflette la direzione strategica curata dal regista Andrea De Benedictis, orientata verso una contaminazione di codici artistici contemporanei e non convenzionali.
La mostra sarà visitabile con ingresso libero presso la sede di via Santa Maria 4/c.

Enzo Grassano

Martedì 19 maggio, alle ore 17 e alle ore 18 si terranno due incontri letterari al Museo MIIT di corso Cairoli 4, coordinati dal direttore del Museo, Guido Folco. Il primo, alle ore 17, sarà in programma l’incontro con l’autore Miki Degni, in occasione della pubblicazione del volume “Il vino dipinto”, in collaborazione con Ronca Editore. Il libro tratta di vino e arte tra storia, tradizioni e cultura, saperi e sapori di terra e d’autunno.

Alle ore 18, sempre al MIIT e moderata da Guido Folco, avverrà la presentazione del libro dell’autore e editore Dino Aloi, dal titolo “Sorridere dopo gli anni bui. L’esplosione dei giornalisti satirici in Italia dal ’43 al ‘49”, in collaborazione con Il Pennino. Il volume è dedicato all’arte satirica in Italia tra il 1943 e 1949, periodo in cui avvengono importanti pubblicazioni di fogli, volumi e riviste incentrate sui temi della società e della storia di quel periodo per raccontare e disegnare una realtà spesso scottante e molte volte taciuta, sfidando così il comune sentire dell’epoca.

Info: info@italiaarte.it – www.museomiit.it

Mara Martellotta

Negli spazi della galleria Melinpensa, sino a sabato 23 maggio

“Intrecci visivi” è il titolo della mostra proposta negli spazi della Galleria Malinpensa by la Telaccia di corso Inghilterra 51 da Monia Malinpensa, presentando le opere di Daniela Rosso, in arte Prin, torinese, e Mauro Sanna, nativo di Sassari, ambedue rivolti a mostrare la natura che ci circonda ma con prestigiose angolature del tutto personali e differenti. Pur ravvicinate, esprimono emozioni nette, ben definite, inconfondibili. Ma altrettanto possibili a stabilire un punto d’incontro. Panorami che sono stati “fotografati” dentro un passato o angoli del cuore, gruppi d’alberi, tronchi e cespugli, rami e piccoli fiori che s’intrecciano in un brillante realismo (di Rosso, “Simbiosi” del 2022), accanto a libere composizioni che s’allineano oppure s’intersecano o si fanno amalgame suggestive in un oscuro accatastarsi (di Sanna, “L’ultima creazione” del 2024), nella ampiezza della tela, con tracce di puro astrattismo e di piena libertà compositiva, che appassionano, che intrigano l’occhio e la mente.

I primi interessi per lei, qualcosa che inizia come un gioco, la crescita sotto l’occhio di un attento paesaggista come Dino Pasquero, le osservazioni e le sperimentazioni, le esposizioni e i premi ottenuti in questi ultimi anni, un panorama che guarda con diverse tecniche, ci si rivolga all’olio o al gessetto, alla vita vissuta, con il desiderio di confrontarsi non soltanto con la natura, che carezza in composizioni decisamente emozionali, sempre piene di giusti effetti cromatici e di vaste profondità dentro cui chi guarda si ritrova ravvolto, ma anche con la musica e il teatro.

All’interno delle tele di Prin una luce che alimenta i colori e una poesia sempre autentica, una realtà e una immaginazione che diventano anche nostre, una ricerca di profondità e di effetti cromatici che non ce le fanno confondere con un comunissimo “effetto cartolina”, ma ne fanno nascere sincere vibrazioni, fortemente intime, una importante ricchezza di “gestualità sicura e fluida”, sottolinea Malinpensa, “la natura diventa protagonista assoluta, matrice simbolica e poetica, generatrice di bellezza e significato, capace di coinvolgere lo spettatore in un’esperienza contemplativa.” La semplicità dello sguardo coinvolge il grumo dei fiori di campo come la simbologia dell’albero spezzato, la vivacità di un autunno rappresentato in una fitta rete di grappoli d’uva, dove lo sfondo è un cielo falsato in veloci colpi di pennello rosati, contrapposti alle “impressioni” calate nel verde del terreno, la macchia gialla della ginestra come il paesaggio lacustre, arricchito nei tanti piani visivi, di “Luci sull’acqua” (2023), il maggio della Burcina biellese con le proprie macchie di fiori e di colori.

Di “equilibrio compositivo compiuto” parla Malinpensa nel presentare le opere di Sanna, di una “creatività” liberata nei settori della serigrafia e della pubblicità di cui per anni l’artista si è occupato, della ceramica e della pittura chiaramente, impossessandosi ed esprimendo appieno un ragguardevole movimento di assoluta “vitalità” all’interno delle opere. Vitalità e libertà di gesto, libertà di luce, libertà di energia mai prive di una “solida padronanza tecnica”, dove larghe pennellate di colore o cariche d’ombra prendono corpo, strutture poste nello spazio che si vanno formando, un discorso d’astrazione che si consolida, riuscendo difficile se non indecifrabile a un primo sguardo, ma in seguito definitivamente coinvolgendo il visitatore che ne scopre le luci e le ombre, gli “intrecci visivi” e le razionali costruzioni, l’uso felice delle rette e delle forme sinuose, la bellezza dei gialli fulminanti come dei blu che spingono nella profondità (“Astratto XXI”, 2026). È, la pittura di Sanna, una sequenza di piani e di spazi scenografici, della costruzione di aperture e di chiusure, di fondali che in cromatica successione ne generano altri, di prospettive che oltrepassano con grandi ampiezze i confini della tela. Il tutto nella sinfonia del segno, ora impresso ora alleggerito, ora protagonista e ora chiamato a fare da comprimario, “in una resa formale ben definita”: sta a noi addentrarci, come dentro a una natura inesplorata, nel suggestivo reticolato che l’autore ci offre.

Elio Rabbione

Nelle immagini: di Daniela Rosso Prin, “Simbiosi”, olio su tela, 2022 e “Fiori di campo”, olio su tela, 2025; di Mauro Sanna, “Astratto XX”, olio su tela, 2026 e “Astratto XXI”, olio su tela, 2026.

Nell’ottocentesca “Villa Giulia” di Verbania, la “città giardino” sul Lago Maggiore dedica un’importante retrospettiva ad Alessandro Mendini

Dal 16 maggio al 27 settembre

Verbania

Una grandiosa (in tutti sensi) “Poltrona di Paglia”, che mi fa subito venire alla mente le “Big Benches” (“Panchine Giganti” panoramiche, oggi sparse in tutta Italia, la maggior parte in Piemonte), ideate dal designer automobilistico americano Chris Bangle quando insieme alla moglie, nel 2009, si trasferì nelle Langhe di Clavesana e proprio lì creò la sua prima “Panchina Gigante”. La “Panchina n. 1”. Correva l’anno 2010. Non una novità, se si pensa all’enorme “Poltrona di Paglia”, di cui sopra, progettata da Alessandro Mendini, era il 1974 (ben 35 anni prima!), tra i più geniali interpreti del “design” e dell’“architettura” del nostro Novecento, cui la Città di Verbania dedica nell’ottocentesca “Villa Giulia”, sul versante piemontese del Lago Maggiore, una prestigiosa retrospettiva, curata da Loredana Parmesani (con allestimento di Alex Mocika), e visibile da sabato 16 maggio a domenica 27 settembre. Ben 130 le opere in mostra, tra le più significative della sterminata produzione di Mendini (Milano, 1931 – 2019) e capaci di ripercorrere tutta la sua lunga carriera, dando voce e corpo ad un vasto arco cronologico che scorre dai primi passi nel “Radical Design” milanese degli anni Settanta fino alle più pronunciate “teorie post-moderne”, che ritroviamo anche nella sua collaborazione con l’Azienda “Alessi”, la cosiddetta “Fabbrica dei sogni”, che proprio nel Verbano-Cusio-Ossola (precisamente ad Omegna, dove fu fondata nel 1921 da Giovanni Alessi) ha la sua sede operativa.

Organizzata dal “Comune di Verbania”, in collaborazione con l’“Archivio Alessandro Mendini (Elisa e Fulvia Mendini)”, il Patrocinio di “Regione Piemonte” e “Provincia del Verbano-Cusio- Ossola” (insieme ad altri numerosi Enti ed Istituzioni), la rassegna segue fedelmente un particolare “percorso espositivo” che si snoda lungo un allestimento modulato sulla struttura interna di “Villa Giulia”. In cui s’affiancano, per l’appunto (per dirla con il titolo della stessa mostra), “Cose” che guardano – in un gioco ludico fatto di alta maestria ma anche di sottile ironia e non poca visionarietà – alle “Stanze come mondi”.  Ogni stanza, infatti, é dedicata a un capolavoro di Mendini, scelto in collaborazione con le figlie Fulvia ed Elisa.

In mostra, ci si muove dunque dalla famosa “Poltrona di Paglia” del 1974, progettata per dichiarare quanto il “design” possa essere non solo creazione di “oggetti utili”, ma anche “strumento di provocazione, sensibilizzazione e attivismo sociale”, alla “Poltrona di Proust” del 1978, dedicata allo scrittore francese e a metà tra “Rococò” e “Puntinismo”; dal “Divano K2”  per “A LOT OF Brazil” (importante industria di “design” brasiliana) del 2013 – omaggio ai riferimenti artistici a lui più vicini, quali De Chirico, Savinio, Carrà, Kandinskij, Futurismo e le avanguardie storiche del tempo – al “Mendinigrafo” del 1985, una sorta di “normografo” o “strumento da disegno” in legno che racchiude i segni e i decori caratterizzanti la sua produzione, fino al “100% Make up” di “Alessi” del 1992, una “Collezione di 100 vasi in porcellana” con il coperchio disegnato da Mendini, ma decorati da altrettanti artisti, architetti e “designer” internazionali. E tant’altro, ancora, di imprevedibile e geniale creatività. Ciascuna opera, inoltre, ci appare accompagnata da disegni, oggetti, dipinti e testi che ne spiegano la genesi e ne sottolineano la collocazione storica e l’importanza estetica.

Sottolinea la curatrice, Loredana Parmesani: “In ogni spazio, l’oggetto iconico dà il via a un racconto progettuale ed emozionale che si sviluppa in un percorso fatto di oggetti, disegni, fotografie, scritti che sostengono la peculiarità teorica e formale dell’argomento affrontato. Perché le stanze? Perché le stanze come mondi? Perché le stanze sono state uno dei fili conduttori della sua ricerca. La stanza, a lui così cara, è luogo della riflessione, del riposo, della quiete, del lavoro ma anche il luogo della turbolenza, dell’inquietudine che può divenire anche prigione da cui fuggire grazie all’immaginazione”.

Particolarmente intenso e fecondo anche l’estroso lavoro di “architetto” di Mendini che, insieme al fratello Francesco e con il loro “Atelier”, ha dato vita a innumerevoli progetti in Italia e nel mondo, dalle “Fabbriche Alessi” a Omegna alla “Piscina Olimpionica” di Trieste e alle stazioni della “Metropolitana” a Napoli, fino, in estrema sintesi, al “Museo di Groningen” in Olanda, a un quartiere di Lugano in Svizzera, a un “Palazzo Commerciale” a Lörrach in Germania e, in Corea del Sud, alla “Torre Osservatorio” di Suncheon.

Gianni Milani

“COSE. Stanze come mondi”

Villa Giulia, corso Zanitello 10, Verbania; tel. 0323/503249 o www.viviverbania.it

Dal 16 maggio al 27 settembre

Orari: dal lun. al ven. 10,30/13 e 16/19; sab. e dom. 11/19

Nelle foto: Alessandro Mendini seduto sulla “Poltrona di paglia”, 1974 (Ph. Enrico D. Bona); “Poltrona di Proust”, 1978 (Ph. Carlo Lavoratori); “K2 Amazzonia”, 2013 (“Archivio Alessandro Mendini”); “100% Make Up, Alessi”, 1992 (“Archivio Alessandro Mendini”)

Nell’antica Capitale dell’omonimo “Marchesato”, ritorna la tanto attesa “Mostra Nazionale dell’Antiquariato”. Riflettori puntati su Carlo Pittara

Dal 23 maggio al 2 giugno

Saluzzo (Cuneo)

I promotori l’hanno definito un vero e proprio “evento storico”. Di certo sarà la “chicca” più prestigiosa della Manifestazione, che, forte della sua 49^ edizione, ritornerà ad occupare da sabato 23 maggio a martedì 2 giugno (con un salto in avanti che arriva fino alla “Festa della Repubblica”) le Sale medievali dell’antica “Castiglia” a Saluzzo. E davvero di “evento storico” si può parlare, nel caso di quella che, proprio da quest’anno, diventerà nuova “esposizione permanente” (attraverso la concessione in “comodato d’uso” dalla torinese “GAM” alla “Città di Saluzzo”) del monumentale dipinto di Carlo Pittara (Torino, 1835 – Rivara, 1891 – tra i fondatori della celebre “Scuola di Rivara”) dal titolo “Fiera di Saluzzo” (1880), un olio su tela di enormi dimensioni (8,11 x 4,09 metri) che restituisce ai visitatori un vivido spaccato della vita saluzzese di fine Ottocento. E che, indubbiamente conferirà, se ancora ce ne fosse bisogno, maggior prestigio alla “Mostra” saluzzese dedicata all’“Antiquariato”, evento di punta di “START – Storia e Arte a Saluzzo”, manifestazione che, per oltre un mese, racconta la cultura, la storia e la bellezza dell’antica “Città Marchesale”, dal XII al XVI secolo cuore pulsante di un piccolo “stato sovrano indipendente”, spesso in fragile equilibrio tra gli stessi Savoia e la Francia.

Organizzata, come sempre, dalla “Fondazione Amleto Bertoni”, con il patrocinio del “Comune di Saluzzo”, la “Mostra” ospitata alla “Castiglia” (antica residenza fortificata dei Marchesi di Saluzzo, costruita tra il 1270 ed il 1286, trasformata in “carcere” nell’Ottocento e oggi importante “Centro Culturale e Museale”) conferma appieno il suo ruolo nel panorama nazionale dell’“Antiquariato”, collocandosi nel settore tra le più prestigiose Rassegne italiane. Sottolinea in proposito, il curatore Franco Brancaccio, ottavo anno consecutivo alla guida della Mostra: “Il gusto e la definizione di bellezza cambiano negli anni, ma Saluzzo resta una nicchia dove la tradizione ha radici profonde e l’attenzione all’arte antica non è mai venuta meno”.

Quest’anno saranno ben venti,  tra le più importanti “case antiquarie” italiane e internazionali ad animare gli spazi aulici del “Castello dei Marchesi”.

Tra queste “Ars Antiqua” di Milano, “Arte” e “Novarino Fine Art” di Torino, “Galerie Saint Laurent” dalla Francia, “Antichità Fabrizio Fallavena” da Cento (Ferrara), “Antichità La Pieve” da Sabbio Chiese (Brescia), e molte altre provenienti da Genova, Torino, Pinerolo e dalla casertana Aversa.

Una selezione accurata che garantisce qualità e varietà, capace di raccontare epoche, stili e territori diversi attraverso mobili, dipinti, ceramiche e oggetti preziosi.

Sezione a parte e, anche quest’anno, di gran pregio, quella dell’“Antiquariato da giardino”, un’intuizione firmata Paolo Pejrone, “Storico del Giardino” e architetto di fama internazionale. Il cortile interno della “Castiglia” si trasformerà così “in uno scenario suggestivo dove pietra, marmo e ferro battuto dialogheranno con la storia del luogo, offrendo uno sguardo inedito sulla bellezza degli spazi esterni e sull’‘Arte antica applicata al giardino’”.

E poi si ritorna, per una lunga e doverosa sosta, davanti alla magica, grandiosa “Fiera di Saluzzo” (di cui sopra), opera di quel Carlo Pittara che fu “narratore pacato, di bel respiro” (Marziano Bernardi), realizzata per la “IV Esposizione Nazionale di Belle Arti” di Torino e il cui soggetto rievoca una Fiera seicentesca, ambientata poco fuori le mura di Saluzzo, mostrando una parata con cavalieri, personaggi in costume e un numero imponente di animali a grandezza naturale. Animali che furono spesso protagonisti delle opere di Pittara e che, si dice, abbiano influenzato non poco pittori del calibro di un Pelizza da Volpedo o di un Segantini. Concesso in “esposizione permanente” dalla “GAM” di Torino alla “Città di Saluzzo”, il dipinto fruirà all’interno della “Castiglia” di un allestimento caratterizzato da “elementi multimediali” che permetteranno di approfondirne i diversi aspetti artistici ed il contesto storico. E non finisce qui. A compimento della visita, il pubblico infatti potrà ammirare un “secondo Pittara”, portato in mostra dal gallerista Davide Masoero di “Secol-Art Torino”. Si tratta del “Ritratto di giovane Signora”, delicato e nitido pastello firmato in basso a sinistra “Pittara 1887 Paris”. Sconosciuta l’identità della Signora, certamente d’alto lignaggio, poiché la qualità assoluta del pastello fa pensare ad una committenza prestigiosa concessa all’artista durante uno dei suoi frequenti soggiorni parigini. Non di meno importante, la “cornice dorata” coeva dell’opera che reca a tergo l’etichetta originale dell’artigiano corniciaio, testimonianza preziosa del contesto storico e del mercato artistico dell’epoca.

Per info: “Castiglia”, Salita al Castello, Saluzzo (Cuneo); tel. 0175/240006 o www.startsaluzzo.it . Dal 23 maggio al 2 giugno – Sab. dom. e Festivi 10/20; Feriali 15/20

Gianni Milani

Nelle foto: Carlo Pittara: “La Fiera di Saluzzo”, olio su tela, 1880; immagine di repertorio; Carlo Pittara: “Ritratto di giovane Signora”, pastello, 1887

Natural Mente, la mostra nel Palazzo Paleologo di Trino, conferma la singolare poetica della natura di Carlo Mazzetti, geniale pittore e scultore nato a Saluggia, nella campagna vercellese, da cui ha ricevuto l’imprinting che lo ha legato visceralmente alla sua terra rendendola occasione d’arte.

Il fertile paese è stato fonte di ispirazione come lo fu Nuenen per Van Gogh e Barbizon per J. F: Millet, avviandolo ad un cammino in continua evoluzione dapprima partendo dai dipinti realistici che raccontano, volutamente di facile comprensione, la serena e dignitosa accettazione della fatica dei contadini al lavoro nei campi.

In seguito viene abbandonato il realismo descrittivo a favore di un intellettualismo intrigante tra surrealismo, simbolismo e metafisica attraverso le diverse essenziali costanti di soli alberi, spighe di grano, mele, uccelli e tutto quanto appartiene alla natura campestre.

In particolare è l’albero (forse lo stesso artista), il protagonista del viaggio nei vari aspetti di metamorfosi, di volta in volta albero che cammina, balla, salta, corre ma anche pensa usando l’immagine dei palloncini che si staccano dai rami innalzandosi al cielo come “pensieri profondi” al fine di approdare alla comprensione dello spirito dell’appartenenza dell’uomo alla natura e della comunione tra tutti gli esseri viventi.

Giuliana Romano Bussola

Da bambino correvo nei campi dorati di grano a seguir il magico canto delle allodole… e assorbivo i profumi e i colori della natura. Poi gli eventi tortuosi della vita mi hanno portato lontano da quel mondo e, grazie all’amore per l’Arte, il pensiero ha trasformato in immagini quel vissuto giovanile. Così con questa mostra intitolata “ Natural mente”, presento una serie di lavori pittorici su vetro, realizzati negli anni 2003/2005, che propongono la metamorfosi di un paesaggio o semplicemente esprimono l’amore per la Natura.

CARLO MAZZETTI