ARTE- Pagina 2

Domenica 28 giugno avrà luogo il finissage della mostra “1000 Omini-mini di Anja” presso l’associazione Fuocoinfinito, in via Carlo Alberto 11/P.

Parlare del microcosmo di ‘piccole donne e ometti’, animali piccini, folletti, piccole cose di casa, ballerine, esseri di fantasia, espressioni buffe, caricature divertenti (ma sempre di buon gusto) è un tutt’uno con il disquisire d’arte con l’artista bavarese Anja Langst, molto apprezzata sul territorio torinese. Dietro un linguaggio artistico ludico, tendente al naïf e predisposto per “l’incanto del Fanciullino”, lei possiede invece una severa cultura artistica, cresciuta sotto le volte dell’Accademia Albertina e con alle spalle insegnanti illustri come Emilio Vedova.

Ospite dell’Associazione Fuocoinfinito di Via Carlo Alberto 11/P, le chiedo di fare un primo bilancio di questa mostra, e dell’interesse che ha suscitato presso il pubblico torinese e tra i turisti in visita nel capoluogo piemontese.

I suoi immensi occhi azzurri sorridono, senza nascondere la grande soddisfazione di un’esperienza subito partita bene.

Visitatori, vendite, richieste, promesse di pubblicità in Paesi lontani, conoscenza con persone simpatiche e quant’altro.

Non della sola luce di belle opere si illumina una mostra d’arte…

ci vogliono i locali giusti che la ospitino, la stagione ideale per un certo discorso artistico, il passaggio di tante persone, ma anche di un certo tipo di persone, quelle in grado di creare la ‘magia giusta’.

La sala bianca, non molto ampia ma prospicente una storica via pedonale cittadina sempre frequentata, le si calza come un abito di alta sartoria. I suoi lavori in acrilico, pennarelli e matita non incutono timore ma, dopo un veloce sguardo dall’esterno, invitano ad entrare con serenità e curiosità.

Perché questo è il segreto del pazientissimo lavoro di Anja. Ha saputo creare un’arte originalissima che regala ottimismo, favorisce la curiosità creando domande su questo nostro strano pianeta blu, composto da tantissimi ‘omini’, animali piccini e tanti, tanti folletti che si accalcano nel proscenio della vita, senza soluzione di continuità…

E, per finire, Anja ci aspetta tutti il 28 giugno, alle ore 18.00, in via Carlo Alberto per il finissage della mostra,

Sarà un appuntamento da non mancare, anche per la simpatia della pittrice protagonista.

Ferruccio Capra Quarelli

Camera, Centro Italiano per la Fotografia, inaugura il programma espositivo del neodirettore François Hébel con due mostre originali, una dal titolo “Retrospettiva” dedicata a Harry Gruyaert, che narra il colore come esperienza visiva e sensoriale, e “Photo Typo” di Werner Jeker, dedicata ai manifesti fotografici del maestro svizzero della grafica.
Entrambe le mostre sono curate da François Hébel e sono visitabili dal 18 giugno al 4 ottobre 2026.

“Retrospettiva” è  la prima grande mostra di Harry Gruyaert in Italia. Tra i maggiori protagonisti della fotografia contemporanea, il fotografo è nato in Belgio nel 1941 ed è membro di Magnum Photos. È  stato tra i primi fotografi europei, tra gli anni Settanta e gli Ottanta, a conferire  al colore una dimensione  non più descrittiva,  ma puramente creativa, percettiva ed emotiva, capace di costruire una visione  radicalmente grafica del mondo. In un’epoca in cui la fotografia era prevalentemente celebrata in bianco e nero, il suo lavoro si inserisce nel solco tracciato da autori americani quali Saul Leiter e William Eggleston.
Seguendo un percorso cronologico, “Retrospettiva” si apre con una serie di TV Shots, realizzata a Londra nel 1972, in cui Gruyaert, inflenzato dalla pop art e dall’immaginario televisivo, manipola l’antenna del suo televisore per trasformare le immagini in composizioni vibranti e astratte. Olimpiadi, commedie televisive e i primi passi sulla Luna diventano così icone di una nuova cultura visiva dominata dal colore, simbolo di una TV che, in quegli anni, si reinventa a colori conquistando il pubblico con un linguaggio ipnotico e inedito.

Nella sezione intitolata Francia- Belgio vengono narrate le prime ricerche tra il Belgio,suo paese natale, e Parigi, città in cui si trasferisce nei primi anni Sessanta. Qui il fotografo si confronta con la sua terra di origine, un territorio che inizialmente percepisce difficile da interpretare cromaticamente, ma che , progressivamente,  grazie ai contesti industriali, le insegne e gli oggetti dai colori vivaci tipici degli anni Settanta, riesce a modellare  in  composizioni fortemente grafiche.
Nella sezione Sud emerge un altro nucleo fondamentale della sua poetica, il Marocco, che rappresenta per l’artista una vera rivoluzione visiva.
Qui luce, architettura, paesaggio e presenza umana si fondono in un’esperienza percettiva intensa e, a partire da questa esperienza, il fotografo compie numerosi viaggi nel Sud del mondo, dall’Egitto all’India, dalla Spagna alla Turchia, confrontandosi con luci abbacinanti, ombre profonde e tonalità vellutate che continuano ad ampliare la sua ricerca.
Dalle miniere agli impianti siderurgici, dai laboratori farmaceutici alle centrali nucleari, Gruyaert viene incaricato di realizzare immagini per opuscoli finanziari e campagne di comunicazione aziendale.
Nella sezione Industrie è  proprio il colore a trovare la sua piena espressione nel contesto professionale e industriale,  all’interno di ambienti tecnici e produttivi, dove riesce a trasformare macchinari, superfici e geometrie industriali in immagini quasi al limite dell’astrazione, dominate da contrasti cromatici e composizioni rigorose.
Est incontra Ovest pone in dialogo due mondi, da un lato i colori artificiali, seducenti e commerciali del sogno americano, dall’altro le atmosfere spoglie e incerte della Russia post sovietica. Attraverso questo confronto, il fotografo riflette sulle identità visive e culturali  di due sistemi profondamente diversi, mostrando come il colore possa diventare strumento di lettura sociale e politica.
Nella serie Litorali, nata quasi casualmente nel corso dei suoi viaggi e protagonista di un’intera sezione della mostra, le coste diventano per Gruyaert una sorta di sfida visiva, cui risponde riducendo gli elementi all’essenziale. Cielo, sabbia, mare e orizzonte costruiscono immagini minimali e sospese, dove luce e variazioni cromatiche sono assolute protagoniste.
Chiude il percorso “Aeroporti”, la sezione dedicata ai luoghi di transito per eccellenza, sale d’attesa, Vetrate, riflessi e trasparenze che affascinano Gruyaert per la qualità artificiale della luce e per la possibilità di creare composizioni geometriche attraversate da colori netti e presenze fugaci, trasformando spazi anonimi e quotidiani in immagini di forte intensità visiva.

Harry Gruyaert  è anche autore di numerosi libri che cura in prima persona in ogni particolare, lavorando a stretto contatto con il designer e editore per realizzare un oggetto unico.
Camera, invece del tradizionale catalogo, proporrà  tutti i libri attualmente disponibili, mentre una vetrina all’interno della mostra raccoglierà tutte le pubblicazioni dedicate al suo lavoro.
Camera propone inoltre una masterclass dal titolo “La geometria del colore” con Harry Gruyaert per i fotografi e per le fotografe che desiderino far evolvere  il proprio linguaggio visivo e rafforzare la proprio identità  autoriale. Si tratta di cinque giorni dal 30 settembre al 4 ottobre prossimi per immergersi nell’universo visivo di uno dei grandi maestri della fotografia contemporanea e pioniere indiscusso del colore. Sotto la sua guida diretta, ciascun partecipante lavorerà allo sviluppo e alla realizzazione di un progetto fotografico personale, affinando la propria visione autoriale  e trasformando radicalmente il modo di guardare la realtà.
Si tratta di un’opportunità rara per confrontarsi con lo sguardo di una figura chiave della fotografia a colori. Le iscrizioni sono fino al 10 settembre, con tariffa early bird entro il 30 luglio.

Accanto alla mostra del maestro belga, la Project Room ospita “Photo Typo”, esposizione dedicata a Werner Jeker, figura di riferimento internazionale nel campo della grafica applicata alla fotografia.
Nato in Svizzera nel 1944, Jeker rappresenta un caso unico nel panorama del graphic design contemporaneo. Considerato tra i più importanti cartellonisti della sua generazione, ha sviluppato un linguaggio visivo In cui fotografia e tipografia si fondono, in un equilibrio raffinato e audace, superando la semplice funzione comunicativa del manifesto per trasformarlo in una vera e propria opera d’arte autonoma.
L’esposizione, pensata appositamente per Camera e presentata in questa forma, riunisce un’ampia selezione dei manifesti più significativi realizzati da Jeker, con particolare attenzione a quei lavori che utilizzano la fotografia quale elemento strutturale della composizione.
È evidente la capacità dell’autore di intervenire sull’immagine con grande sensibilità e rispetto, preservandone l’integrità documentaria e al tempo stesso amplificandone la forza visiva attraverso il dialogo con la tipografia.Jeker ha saputo costruire una relazione originale tra immagine e testo e i suoi manifesti traggono ispirazione diretta dai contenuti delle mostre e dalle poetiche degli autori, mentre in altri progetti la fotografia diventa strumento evocativo per raccontare spettacoli teatrali, rassegne cinematografiche  ed eventi culturali, sempre calibrati con precisione,  dando vita a composizioni essenziali ma di forte impatto.
Nel corso della  sua carriera, iniziata nel 1965 e proseguita in autonomia dal 1972, Jeker ha firmato oltre 800 manifesti, accanto a libri, progetti espositivi per importanti istituzioni culturali, sociali e commerciali internazionali. Tra gli altri premi ricevuti l’Infinity Award dell’International Center of Photography per l’uso innovativo della fotografia, oltre al primo premio per il progetto delle nuove banconote svizzere.
Da Camera sono per la prima volta pubblicati i migliori manifesti di Werner Jeker, in cui fotografia e tipografia dialogano tra loro. Sono circa 70 manifesti selezionati da una collezione di oltre 800 lavori realizzati nel corso della sua carriera.

Mara Martellotta

Il 12 giugno nella Fortezza del Priamar in occasione del convegno nazionale ANGOPI, dopo gli interessanti interventi sulla storia e lo sviluppo dei porti, in particolare il porto di Savona, il presidente Marco Balestrino ha ricordato il talento di Walter Morando. Legato da passione lavorativa e artistica nei riguardi del porto, l’ANGOPI ha rievocato, nel PALA CROCIERE di Savona, le originali opere del geniale scultore savonese che ha dato dignità agli umili utensili contemplandoli ed elevandoli alla sfera dell’arte.

Ci sono città che si osservano. E poi ci sono città che si respirano, si attraversano e, lentamente, finiscono per abitare dentro di noi.

È proprio da questo dialogo intimo con Torino che nasce Gran Torino, la nuova mostra personale di Jonathan Guaitamacchi, artista internazionale che, dopo aver vissuto e lavorato tra Londra, Milano e Cape Town, ha scelto il capoluogo piemontese come uno dei luoghi più significativi della propria maturazione umana e creativa.

La mostra raccoglie una trentina di opere inedite, realizzate appositamente per gli spazi della Galleria Biasutti & Biasutti e rappresenta molto più di una semplice indagine sul paesaggio urbano. È un viaggio dentro l’anima della città, un racconto visivo che ne esplora la memoria, il carattere e le infinite stratificazioni.

Ma Gran Torino è anche il racconto di una scelta. Quella di un artista che, dopo anni trascorsi a Milano, città che gli ha offerto importanti opportunità professionali e culturali, ha sentito il bisogno di allontanarsi da una dimensione sempre più frenetica, dove spesso il valore dell’arte rischia di misurarsi attraverso numeri, velocità e visibilità immediata.

La sua attenzione si è così rivolta a Torino. Una città diversa, più silenziosa e riflessiva, capace di custodire il proprio patrimonio culturale senza ostentarlo. Una città che continua a dialogare con la memoria, con l’industria, con il pensiero e con una straordinaria tradizione intellettuale. Un luogo nel quale l’arte può ancora essere vissuta come esperienza, ricerca e scoperta.

Lasciare il quartiere Isola di Milano per trasferire il proprio studio e la propria quotidianità a Torino non ha significato soltanto cambiare indirizzo. È stato un passaggio interiore, una trasformazione dello sguardo.

Qui Guaitamacchi ha trovato un tempo diverso, una diversa qualità dell’ascolto, una città capace di restituire profondità al gesto creativo.

Da questo incontro è nato un legame autentico. Torino non è diventata soltanto il soggetto delle sue opere, ma una presenza viva, una compagna di viaggio che ha alimentato nuove visioni e nuove prospettive artistiche. Nelle sue tele la città emerge così come un organismo complesso e pulsante, sospeso tra memoria e futuro, tra rigore e poesia, tra la forza della sua storia e la capacità di reinventarsi continuamente.

Attraverso grandi vedute dedicate allo skyline torinese e ai suoi simboli più riconoscibili , dalla Mole Antonelliana al Palazzo del Lavoro , Guaitamacchi costruisce una narrazione sospesa tra realtà e suggestione. Le sue immagini non si limitano a rappresentare luoghi: li trasformano in emozioni, in pensieri, in frammenti di una storia collettiva che appartiene a chiunque abbia vissuto, amato o semplicemente attraversato questa città.

Le architetture diventano presenze silenziose. Le strade si trasformano in percorsi della memoria. I quartieri emergono come organismi vivi, attraversati da una moltitudine invisibile di esistenze che si intrecciano, si sfiorano e si dissolvono nel tempo.

Nelle opere di Guaitamacchi il bianco e nero non è soltanto una scelta estetica: è un linguaggio. Elimina il superfluo per restituire l’essenza. Ogni prospettiva inclinata, ogni orizzonte sospeso, ogni dettaglio urbano conduce lo sguardo oltre la semplice riconoscibilità dei luoghi, verso una dimensione più universale, dove la città diventa metafora della condizione umana.

Le sue vedute dall’alto, quasi vertiginose, raccontano una Torino che va oltre la sua immagine più conosciuta. Una Torino fatta di energia silenziosa, di lavoro, di memoria e di futuro. Una città attraversata da infinite storie individuali che si fondono in un unico respiro collettivo.

Gran Torino diventa così il racconto di una rinascita reciproca: quella di una città che continua a sorprendere chi la sa osservare davvero e quella di un artista che, scegliendo di fermarsi ad ascoltarla, ha trovato nuove ragioni per guardare il mondo.

Perché nelle opere di Jonathan Guaitamacchi Torino non è soltanto una città da rappresentare. È una città da sentire. Un luogo dell’anima che continua a parlare a chi è disposto a fermarsi, ad ascoltare e a lasciarsi attraversare dalla sua bellezza discreta e profonda.

Monica Di Maria di Alleri Chiusano

Promosso dalla De Sono

Sabato 13 giugno, alle ore 16, il Castello di Rivoli ospita “Omaggi incrociati”, secondo appuntamento di Kurtág 100, progetto dedicato al centenario di György Kurtág, promosso da De Sono in collaborazione con Castello di Rivoli Museo di Arte Contemporanea. Dopo “Mozart destrutturato”, del 30 maggio scorso, il concerto del 13 giugno prosegue il percorso di dialogo tra repertorio storico e contemporaneo attraverso un programma costruito tra omaggi e riferimenti trasversali, esplorando l’insolita formazione di viola, clarinetto e pianoforte. L’iniziativa si inserisce nelle celebrazioni dedicate ai 100 anni del celebre compositore ungherese, figura centrale della musica contemporanea europea, la cui opera ha profondamente influenzato generazioni di compositori e interpreti. Protagonisti del concerto saranno Paolo Casiraghi al clarinetto, Paolo Fumagalli alla viola e Luca Ieracitano al pianoforte, tutti membri del Mdi Ensemble, una delle realtà italiane più autorevoli nel campo della musica classica italiana, fondata a Milano nel 2002, è attiva nelle principali stagioni e festival internazionali dedicati alla nuova musica. L’ensemble lavora in modo continuativo con istituzioni di riferimento della scena contemporanea e, nel corso degli anni, si è distinto per il forte impegno nella ricerca musicale e nella diffusione del repertorio del Novecento e contemporaneo, ricevendo importanti riconoscimenti tra cui il premio “Una vita nella musica” al Teatro La Fenice di Venezia, e il premio “Franco Abbiati”. Membro stabile dell’ensemble, Luca Ieracitano svolge un’intensa attività concertistica internazionale, dedicata in particolare alla musica contemporanea, collaborando con alcuni tra i principali direttori della scena attuale. Accanto a lui, Paolo Casiraghi e Paolo Fumagalli condividono un percorso artistico fortemente legato alla nuova musica e alla ricerca interpretativa. Nel concerto è in programma un dialogo musicale tra autori e composizioni che attraversa epoche e linguaggi diversi, mettemdo in relazione memoria, scrittura contemporanea e tradizione romantica.

Si inizia con “Hommage à Kurtág” di Marco Stroppa, seguito da “Hommage à Schumann”, che lo stesso Kurtág dedica a Robert Schumann. A chiudere il percorso, i “Märchenerzählungen” (racconti fiabeschi) di Schumann, un intreccio ideale tra passato e presente, tra influenze dirette e suggestioni poetiche.

Ingresso al concerto con biglietto ridotto a 6,50 euro, fino a esaurimento dei posti disponibili.

Prenotazioni: https://www.castellodirivoli.org/biglietti/

Mara Martellotta

Tra Ottocento e Novecento 

Al Museo Nazionale della Montagna Duca degli Abruzzi, è aperta fino al 10 gennaio prossimo la mostra dal titolo “Atlante – esploratori in Himalaya e Karakorum tra Ottocento e Novecento tra le collezioni del Museo della Montagna”, curata dallo storico dell’alpinismo Roberto Mantovani.

Si tratta di una storia italiana di esplorazione e ricerca scientifica italiana che va a intrecciarsi con le incursioni di esploratori, turisti, geografi e alpinisti provenienti da tutto il mondo, ma in particolare dalla Gran Bretagna, attratti dai misteri della regione himalayana. Si tratta di una mostra singolare, che riporta alla luce una pagina fondamentale della presenza italiana tra Karakorum e Himalaya, curata dallo storico dell’alpinismo e giornalista, Roberto Mantovani, che nasce da una approfondita ricognizione negli archivi del museo e nella documentazione conservata dalla Biblioteca Nazionale del Club Alpino Italiano, dal quale emergono testimonianze, immagini, oggetti, carte geografiche, volumi e documenti originali capaci di ricostruire oltre mezzo secolo di esplorazioni italiane in Asia.

Il percorso racconta la presenza di viaggiatori, studiosi, fotografi e alpinisti italiani dalla fine dell’Ottocento fino alla storica spedizione nazionale italiana al K2 del 1954, l’esplorazione di Matthias Zurbriggen e del broad peac, inserendolo nel più ampio contesto internazionale delle esplorazioni geografiche e alpinistiche. La galleria dei protagonisti di questa storia prende avvio molto indietro nel tempo, addirittura nel basso Medio Evo, prima del grande viaggio verso il Catai, quando i due frati minori, inviati da Papa Innocenzo IV, tentarono un primo approccio con il Gran Khan dei Mongoli. Questo sarebbe stato il primo capitolo di una semisconosciuta storia missionaria durata cinque secoli, molto prima che avessero inizio, agli albori dell’Ottocento, i viaggi di scoperta degli occidentali, che poco o nulla conoscevano dei percorsi e delle esperienze maturate dai religiosi nei secoli precedenti.

I protagonisti delle prime perlustrazioni fra le grandi montagne asiatiche erano avventurieri britannici, alcuni scienziati tedeschi e qualche esploratore di diversa nazionalità. Negli anni Cinquanta del XIX secolo, nella lista dei viaggiatori compare il nome di un torinese, Carlo Osvaldo Roero di Cortanze. Ex militare dello Stato Maggiore Sardo che si spinse fino a Kashmir, Baltistan e Lakak, giungendo fino agli altipiani tibetani. Quarant’anni più tardi, nell’estate del 1890, con un gruppo di probatori locali, il valdostano Roberto Lerco risalì il ghiacciaio del Baltoro, in Karakorum, e si arrampicò sulle prime pendici del K2. Nel 1892, la guida di Macugnaga, Matthias Zurbriggen, ingaggiato da William Martin Conway, futuro presidente dell’Alpine Club, esplorò l’area del K2 e del broad peac. Qualche anno dopo, nel 1899, la ribalta himalayana si arricchì di alcuni importanti scatti fotografici di Vittorio Sella, al seguito della spedizione britannica guidata da William Douglas Freshfield, e i protagonisti del periplo Kang Chen Junga, al confine tra il Sikhim e il Nepal. Il percorso espositivo dedica anche spazio alle imprese del primo Novecento, a partire da quella del Duca degli Abruzzi, con le guide di Courmayeur, cui si devono tentativi della scalata del K2, dello Skiang Kangri e del Chogolisa.

Alla vigilia della prima guerra mondiale si collocano le spedizioni di Mario Piacenza, che nel 1913 conquistò il Kun, il primo 7 mila italiano, e quella scientifica diretta da Filippo De Filippi, in assoluto la più importante missione di ricerca dell’epoca che, per 16 mesi, tra il 1913 e il 1914, operò nel Karakorum centro orientale, in Himalaya e nel Turkenstan cinese. Dopo la guerra, gli italiani tornarono nel Karakorum centro occidentale nel 1929, con la spedizione di Aimone di Savoia, Duca di Spoleto, che studiò in modo approfondito l’ologramma della catena. Un anno dopo si registrò una puntata esplorativa di Giotto Dainelli, geografo fiorentino, sul ghiacciaio Rimu, visitato solo marginalmente dalla comitiva scientifica del 1913-14. Nel 1934, il piemontese Piero Ghiglione venne chiamato a far parte di un gruppo diretto da Günther Oskar Dyrenfurth che, tentata l’ascensione del Hidden Peak, scalò la cima orientale del Baltoro Kangri e le quattro sommità del Sia Kangri.

La mostra si chiude con la spedizione nazionale italiana sul K2 del 1954, che rappresenta non soltanto una delle più importanti imprese alpinistiche del Novecento, ma anche una straordinaria operazione scientifica. È importante ricordare il lavoro svolto da un gruppo di scienziati, che operò parallelamente agli alpinisti, come testimonia la carta topografica in scala 1:12.500 della seconda montagna piu alta della Terra e la pubblicazione dei risultati della ricerca in una collana di nove volumi, uscita tra il 1964 e il 1991.

Solo pochi anni più tardi, l’esplorazione avrebbe conosciuto un cambiamento profondo: dapprima con l’entrata della fotografia aerea, poi con l’aiuto dei satelliti e, in tempi più recenti, con le microcamere e i doni. Le ricognizioni nelle alte valli himalayane si sarebbero trasformate lentamente in turismo, facilitando la nascita di un flusso sempre più numeroso di appassionati di trekking. Attraverso materiali originali del museo e della biblioteca CAI, “Atlante Orientale” narra così non solo l’esplorazione dei territori sconosciuti, ma anche la costruzione di un patrimonio di conoscenze geografiche, scientifiche e culturali che hanno contribuito a ridefinire il rapporto tra l’Europa e le grandi montagne dell’Asia.

L’esposizione è accompagnata da un catalogo edito dal Museo della Montagna, che raccoglie un saggio curatoriale approfondito sulla storia delle esplorazioni in Asia e un contributo dell’antropologo Marco Aime sulle implicazioni sociologiche e ambientali del trekking e dell’alpinismo nella regione nepalese del Kumbu dagli anni Cinquanta a oggi.

Museo Nazionale della Montagna – Duca degli Abruzzi CAI Torini – piazzale Monte dei Cappuccini 7, Torino – 011 6604104

Mara Martellotta