CULTURA E SPETTACOLI- Pagina 621

I libri più letti e commentati a novembre

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Il titolo più discusso e commentato del mese di novembre è senza dubbio L’assassinio del Commendatore 

Eccoci al consueto appuntamento mensile con i lettori del gruppo FB Un libro tira l’altro ovvero il passaparola dei libri. Il titolo più discusso e commentato del mese di novembre è senza dubbio L’assassinio del Commendatore (Einaudi), ultimo romanzo dello scrittore giapponese Haruki Murakami, autore che non manca mai di dividere il suo pubblico tra fedeli estimatori e detrattori feroci; al secondo post un’altra uscita piuttosto recente: Sara al tramonto(Rizzoli), dell’osannato giallista Maurizio De Giovanni, che può vantare nel gruppo una schiera di fedelissimi ammiratori, terzo posto per la saga familiare Il grande inverno, di Kristina Hannah (Mondadori) “epica storia d’amore e sopravvivenza” che sta guadagnando il consenso dei nostri lettori.

Focus on: Francia

Obiettivo di questo mese puntato sulla produzione della Francia contemporanea, con  I colori dell’incendio di Pierre Lemaitre (Mondadori),  La casa di Cognac di Yolaine Destremau (Barta) e La schiuma dei giorni (Marcos y Marcos) di Boris Vian, tutti titoli oggetto di interessanti riflessioni che vi invitiamo a leggere e commentare. Un recente sondaggio tra i nostri lettori ha cercato di stabilire quale sia il personaggio meno amato (ma non per questo non riuscito dal punti di vista letterario) della narrativa e della letteratura: vince la gara, seppur di stretta misura, Jago, l’antagonista di Otello nato dalla penna di William Shakespeare, seguito, un po’ a sorpresa da Uriah Heep, l’untuoso avversario di David Copperfield nell’omonimo capolavoro di Charles Dickens; terzo posto per un altro antipatico di classe, Don Rodrigo antagonista insopportabile di Renzo ne I promessi sposi di Alessandro Manzoni.

Infine, il nostro consueto suggerimento per i lettori curiosi e desiderosi di mettersi alla prova con titoli meno noti e più impegnativi: il bellissimo noir di Valerio Evangelisti, Noi saremo tutto (Einaudi), che documenta una pagina nera della storia americana, l’ironico e malinconico Triste, solitario y final (Einaudi), di Osvaldo Soriano, ormai ritenuto un classico della narrativa contemporanea e Denti Bianchi (Mondadori), osannato romanzo della scrittrice inglese Zadie Smith, molto attuale nonostante non sia un’uscita recente. Ricordiamo a tutti i nostri lettori che per partecipare alle nostre discussioni basta iscriversi al nostro gruppo su FB, dal quale potranno anche inviare le recensioni in un tweet che vengono pubblicate sul sito.

Ci rileggiamo il mese prossimo!

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Podio di novembre

L’assassinio del Commendatore, di Haruki Murakami –  Sara al tramonto, di Maurizio De Giovanni –   Il grande inverno, di Kristina Hannah

Focus on: Francia

I colori dell’incendio, di Pierre Lemaitre – La casa di Cognac,di Yolaine Destremau – La schiuma dei giorni, di Boris Vian.

Lettori esigenti

Noi saremo tutto, di Valerio Evangelisti –  Triste, solitario y final, di Osvaldo Soriano,  – Denti Bianchi, di Zadie Smith.

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Testi : valentina.leoni@unlibrotiralaltroovveroilpassaparoladeilibri.it

Grafica e Impaginazione : claudio.cantini@unlibrotiralaltroovveroilpassaparoladeilibri.it

L’ungherese “Bad Poems” fa piazza pulita della solitudine e delle incomprensioni giovanili

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Di quell’età problematica che è l’adolescenza la 36ma edizione del TFF ha cercato con vari esempi di confrontarsi, di analizzare, di esplorarla attorno ai moduli della solitudine, dell’incomprensione che invade troppi nuclei familiari, della ribellione

Adolescenza è quella del protagonista di All these small moments, che vede attorno a sé una sbiadita figura paterna e una coppia genitoriale che sta prendendo strade diverse; La disparition des lucioles, opera terza del canadese Sébastien Pilote, ci porta la giovanissima Léo che odia la madre che si è fatta un nuovo compagno, che non lega con gli amici, che patisce il clima anonimo della provincia canadese, che manifesta tutta la sua nostalgia per un padre lontano, che cerca un’amicizia che sa di protezione in un musicista con qualche anno più di lei; struggente il rapporto che lega in Marche ou crève della francese Margaux Bonhomme la giovane Elisa piena di vita e alla ricerca delle prime esperienze – che si riveleranno poco felici – a sua sorella Manon, colpita da una grave disabilità, con un padre che si occupa faticosamente di loro ed una madre che ha abbandonato la casa, dopo l’ennesimo rifiuto di ricoverare la figlia in una struttura che con ogni mezzo si prenda cura di quella figlia. E poi il cinema filippino, il nostro Mastandrea e il ragazzino che nel suo Ride deve affrontare il lutto per la morte del padre, ancora l’adolescente di Paul Dano che in Wildlife (forse tra gli esempi migliori) deve pure lui confrontarsi con lo sgretolamento dell’unione dei genitori e far fronte alle diverse ripercussioni, dentro la propria vita, dentro le emozioni, dentro il futuro che lo aspetta.

Un panorama che non ci lascia sperare troppo bene. Incursioni nell’insicurezza, nell’infelicità, nel vivere quotidiano senza sbocchi. Poi qualcuno con grande intelligenza e piacevolissima ironia decide di scrollarsi tutti quei pesi di dosso, di guardare ad un’epoca con un occhio diverso, che faccia appello a quanto di più candidamente “divertente” ci possa essere in quegli anni cruciali. Lo ha fatto, divertendo il pubblico del TFF, con Bad Poems l’ungherese Gàbor Reisz (già vincitore con For Some Inexplicable Reasons del Premio speciale della Giuria e del Premio del Pubblico nel 2014). Il tutto è avviato durante un soggiorno a Parigi, Tamàs viene travolto dalla decisione di Anna di lasciarlo, improvvisamente, senza una spiegazione. Eccolo allora affidarsi ai ricordi, recuperandoli e travolgendoli in un clima surreale che ci fa accettare ogni cosa, la volontà di comprendere perché tutto questo sia successo attraverso uno sberleffo liberatorio. In quel recupero non è solo, saltano fuori come grilli gli altri Tamàs, quello dei 7, degli 11 e dei 17 anni, il padre e la madre, la zia in cui rifugiarsi nei momenti peggiori, gli approcci con la poesia, l’arte come isola di rifugio, la pallanuoto come affermazione, tutto quanto collegato da un rosso filo di lana che lo riporta sempre ad Anna, a quei campi di lavanda in cui sono stati felici. Nella testa di Tamàs la vita vera si mescola alla vita inventata, sarà vero quel rifugiarsi con una fidanzatina della prima ora nel bagno della scuola magari per essere scoperti dallo sguardo vigile dell’arcigna prof di matematica e informatica?, sarà vero quel primo sesso consumato dentro un enorme copertone? Anche adesso che è diventato un regista pubblicitario e costruisce spot per la carne di pollo, è sicuro che tutto abbia ormai dei contorni chiari o hanno ragione gli altri Tamàs a rinfacciargli una professione poco onorevole? Anna è ormai un mondo lontano, vive con un altro ragazzo, seguendo ancora una volta quel filo rosso perché non farle recapitare dallo stralunato papà uno scatolone pieno di quella lavanda che “a loro” piaceva tanto. Ma i poliziotti in aeroporto si insospettiscono e di quel pacco non resterà nulla, ultimo sberleffo di una vita che ha bisogno di sorrisi. Reisz progredisce la propria storia, autobiografica oltre il dovuto, luogo di confessione decisamente aperto, con una vena poetica invidiabile e con un divertimento in cui somma libertà espressiva e leggerezza, dando anche un’innegabile boccata d’ossigeno allo spettatore. Ne terrà conto la giuria?

Divertimento, ma questa volta non era nelle intenzioni dell’autore, per lo svedese Unthinkable a firma Crazy Pictures, per la sezione “After Hours”, in cui proprio quel cinema che fu la patria di Bergman e Sjöman e Widerberg si mette a fare il verso alla Hollywood di Emmerich (Indipendence Day) o alle diavolerie di Cruise o Bruce Willis, in un crescendo di amenità che, crogiolandosi sul versante catastrofico, coinvolge le prime timide affettuosità di due ragazzi, le timidezze e le ribellioni di lui, un padre nevrotico e al momento buono roccioso eroe, un attacco dal cielo non meglio identificato, tralicci e palle di fuoco che piovono come i chicchi di una tempesta, i buoni e i cattivi, un parlamento che salta in aria e una ministra che prende in mano le redini dei soccorsi, un crash di auto su un ponte da fare invidia a certe pellicole d’oltreoceano, gli ultimi sopravvissuti a respirare l’aria della salvezza mentre i fidanzatini di un tempo sono ancora lì, a suonare il piano nella chiesa che brucicchia, quella manco a dirlo dove pigiavano le prime note qualche anno prima. L’ultimo fotogramma è per Putin, che orgoglioso propaganda la solidità del proprio paese. A noi invece veniva in mente la partita a scacchi tra il Cavaliere e la Morte.

 

Elio Rabbione

 

 

 

Nelle immagini, nell’ordine, scene da “La disparition des lucioles”, “Marche ou crève”, “Bad Poems” e “Unthinkable”

 

Il seme e la luna. Voci dal frantoio

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A Racconigi il “Progetto Cantoregi” porta in scena il monologo di Nicola Stante

 

 

Progetto Cantoregi (la compagnia carignanese nata nel 1977, grazie all’idea del regista e autore Vincenzo Gamna di creare un teatro popolare fondato sull’impegno civile e sociale) torna in scena giovedì 6 dicembre a Racconigi, sotto il patrocinio dell’amministrazione comunale, con una doppia proposta teatrale: il monologo “Il seme e la luna. Voci dal frantoio”, scritto e interpretato da Nicola Stante (attore e autore di origine abruzzese ma ormai pienamente torinese d’adozione) e la presentazione del laboratorio aperto a tutti “Scendiamo in piazza”, ideato da Margy Mordenti e Andrea Piovano. L’ingreso è libero e gratuito. Alle ore 21 (presso la seicentesca Chiesa di Santa Croce, in via Francesco Morosini 1 a Racconigi) lo spettacolo “Il seme e la luna. Voci dal frantoio” vedrà Nicola Stante raccontare, attraverso la sua sola voce e l’utilizzo di immagini, “storie di vivi e di morti – ma anche di simulacri che girano come in processione in un tempo circolare infinito – legate alla tradizione della lavorazione delle olive”. Simbolo delle tante storie di vita sarà il disco di ferro usato nei frantoi antichi per comporre il carrello della pressata (“la mboste”) e che in scena narrerà dei cicli rituali di lavorazione delle olive, per scandire insieme nascita, formazione e destino di ogni vita umana. Sotto la direzione artistica di Nicola Stante – che oltre a collaborare con Progetto Cantoregi, lavora anche con l’Istituto dei Beni Marionettistici e del Teatro Popolare di Torino – è infatti lo storico Frantoio di famiglia in Abruzzo che, oltre a produrre olio di oliva, è da tempo diventato teatro di mostre, spettacoli, letture ed incontri culturali di vario genere incentrati soprattutto su temi di memoria storica, in particolare su quelli della Shoah. Al termine del monologo di Stante, Progetto Cantoregi presenterà il nuovo laboratorio teatrale dal titolo “Scendiamo in piazza”, ideato e curato da Margy Mordenti e Andrea Piovano. Prendendo a prestito le preziose parole di Vincenzo Gamna, fondatore e anima per quarant’anni di Cantoregi – “E noi scendiamo in piazza / per la mancanza di tutto, / anche di un teatro” – il laboratorio proporrà ai partecipanti un lavoro corale improntato sul “sociale”, come da tradizione della Compagnia, che si svolgerà tutti i lunedì sera nei locali del Centro Giovani “Ex Gil” (in via Divisione Alpina Cuneese 20, a Racconigi) alle ore 20.45, tra gennaio e giugno 2019, e si concluderà con la realizzazione di uno spettacolo a inizio luglio. Il laboratorio é aperto a tutti, dai 16 anni in sù. Lunedì 17 dicembre 2018 il pubblico è invitato a prendere parte alla serata di prova dello spettacolo dal titolo “Il filo rosso”. Per informazioni: info@progettocantoregi.it o laboratorio@progettocantoregi.it

g. m.

 

Nelle foto:
– Nicola Stante
– “il seme e la  luna. Voci dal frantoio”

Opere prime al TFF. Convince “Atlas”del tedesco David Nawrath

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Valerio Mastandrea, dal 1994 attore di cinema, con quattro David di Donatello vinti all’attivo, quattro anni dopo gran successo personale con il suo Rugantino al Sistina, Claudio Caligari, Magni, Archibugi, Scola, De Maria e Guido Chiesa, Paolo Genovese, Moretti, il Virzì della Prima cosa bella, il Bellocchio tratto dal romanzo di Gramellini, Ozpetek e lo scomparso Mazzacurati alcuni dei registi con cui ha collaborato, il viso icona di un certo cinema d’autore, impegnatissimo, ha deciso di passare dietro la macchina da presa

Lo fa con Ride, la narrazione di come una moglie (Chiara Martegiani, compagna dell’attore, forse un po’ lontana dal “vivere” un non-ruolo che avrebbe necessità di maggiori sfumature) viva il lutto che segue alla morte del marito, una delle tante morti bianche nelle fabbriche italiane, di come, di riflesso, la viva il figlio rimasto orfano (“perché non piangi? per colpa tua non riesco a piangere nemmeno io”, le dice). Le lacrime sul viso della donna non arrivano, bisogna prepararsi al funerale (“ci sarà la televisione” le chiede ancora il figlio, mentre prova ad un microfono giocattolo con l’amico dei giochi le risposte che si immagina e le risposte che darà), accogliere in qualche modo parenti e amici che piombano in casa ognuno ad inscenare il proprio teatrino, a far vivere il proprio ruolo per una manciata di minuti, truccarsi o non truccarsi?, accettare le premure della vicina di casa (Milena Vukotic), mostrare il dolore secondo i canoni universalmente riconosciuti: ma le lacrime non arrivano. Il tema, giocato tra affetti irrisolti e attimi di un’ironia ai più impraticabile, gira un po’ su stesso salvo riprendere nettamente quota – del resto, in una poco inspiegabile inversione di rotta, ad affrontare un altro grumo del racconto per mettere più in ombra quello che dovrebbe essere l’ossatura principale – con l’arrivo di un sempre eccellente Renato Carpentieri, il padre del morto, che vive angosciato e triste sul litorale laziale di Nettuno, stancamente, che si vede arrivare in casa l’altro figlio (un incisivo Stefano Dionisi), la pecora nera della famiglia, momenti sinceri di ribellione, come quelli del ragazzino, in sella alla sua bicicletta a staccare dai muri del paese gli annunci di quella morte. Le scene un po’ ad effetto sono dietro l’angolo, il melò e il sogno si fanno strada e a tratti la regia s’abbandona a effetti facili: o vuol dire troppo, l’errore in cui cadono tante delle opere prime che scorrono in questi giorni sugli schermi del TFF.

O finiscono col dire poco, con la scusa malamente rabberciata che ci stanno descrivendo la vita e come tutti sappiamo la vita è fatta di tutto e di niente. Difficile raccontare per immagini la quotidianità e dialoghi che la costruiscano a poco a poco. Ne sa qualcosa Temporada del brasiliano André Novais Oliveira, alla sua opera prima, fotografando nel titolo un tempo da attraversare e da superare tra cieli limpidi e acquazzoni, come le stagioni. Ne sa qualcosa Juliana che ha appena lasciato la provincia e si è trasferita nel grande centro di Contagem, nell’attesa che il marito la raggiunga. Nell’assenza sempre più inspiegabile dell’uomo, trova un lavoro assai poco retribuito (interessarsi per conto di un’agenzia comunale a tenere sotto controllo l’esplosione della dengue, passando di cortile in cortile, a far la conta della sporcizia, a scoperchiare piccole piscine infette), stringe amicizia con i colleghi, telefona e mangia e ride, si lascia fare un nuovo taglio di capelli, accetta tutta la passione di un compagno di lavoro e ci va a letto, scambia chiacchiere con le amiche, spettegola, si diverte, si alza e si corica, arriva tardi al lavoro. Un giorno dopo l’altro, con le azioni di sempre. Oliveira racconta le periferie, del suo come di qualsiasi altro paese, conosce quelle strade, perché ci è nato, certo quelle persone, perché le ha incontrate, si affida alle invenzioni e all’estrosità di un’attrice che si chiama Grace Passô che è definita “da applausi” ma che credo svolga la sua prova con una discreta professionalità e nient’altro, accumula azioni dietro azioni e parole dietro parole: senza mai arrivare ad una scintilla che inorgoglisca la vicenda, che offra a quel quotidiano fatiscente un riscatto, una zona di vita vera, che dia alla protagonista davvero una forza di costruzione e non rischi di farla apparire soltanto come un piccolo personaggio.

Decisamente più convincente Atlas, opera prima del tedesco David Nawrath, che si porta già appresso con serrata bravura le atmosfere del noir, le psicologie contorte che nascondono i personali passati e i loro problemi, una scrittura capace di descrivere con intensità lo svolgersi della vicenda, una eccellente direzione degli attori. In una città della Germania, dove tutto è ordine, strade alberate e case di una discreta eleganza, Walter lavora per una compagnia di recupero crediti che fa affari con la malavita, lui a bussare alle porte, a liberare con l’aiuto dei colleghi i tanti alloggi e a eseguire quegli sfratti che sono affari decisamente sporchi, speculazioni. Un giorno nel gruppo di operai entra qualcuno dai modi piuttosto spicci e Walter si troverà a cercare di proteggere un piccolo gruppo familiare che, ultimo tra tutti, tenta di asserragliarsi e difendere il proprio appartamento, in una casa ormai decretata inagibile. Nawrath non è soltanto capace di descrivere con le asprezze necessarie il mondo buio della città, la tensione degli appostamenti, la violenza che esplode; costruisce con altrettanta ineccepibile bravura quegli angoli di sentimento, insperati, che si possono scoprire, gli attimi di coraggio, le redenzioni inattese, i sorrisi e i legami ritrovati, dando alla vicenda una normalità narrativa che altri forse avrebbero capovolto con azzardi di cui proprio non si sarebbe sentito il bisogno. Un’opera che si apprezza appieno e che si pone tra i titoli migliori visti nel concorso di quest’anno. Ottimo il disegno che del protagonista fa Rainer Bock (già impegnato con Haneke e Tarantino e Spielberg), eccellente giustiziere in cerca di grazia.

 

Elio Rabbione

 

Nelle foto: Chiara Martegiani, protagonista di “Ride” opera prima di Valerio Mastandrea; ancora una scena del film, con Renato Carpentieri e Stefano Dionisi; “Temporada” con la protagonista Grace Passô; una scena del tedesco “Atlas”, interpretato da Rainer Bock.

 

Le stelle del Moscow State Classical Ballet

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Nuovo tour italiano novembre – febbraio dal 30 novembre all’1 dicembre, h. 21.00 domenica 2 dicembre h. 16.00

Il lago dei cigni – TORINO – TEATRO NUOVO

14 dicembre “Lo Schiaccianoci” TORINO – TEATRO NUOVO  

A grande richiesta, dopo lo straordinario successo ottenuto nella stagione 2017/2018, le stelle della danza classica russa tornano al Teatro Nuovo di Torino con Il Lago dei Cigni dal 30/11 al 2/12 e il 14/12 con Lo Schiaccianoci. L’eccellenza dell’arte coreutica russa incontra i capolavori di Čajkovskij

Arrivano in Italia da Novembre a Febbraio I Russian Stars, stelle della danza classica russa che si aggiungono all’organico del Moscow State Classical Ballet: Alexey Konkin, Sergey Smirnov, Olga Rudakova, Aleksandra Troitskaia: artisti eclettici, formati in patria e scelti accuratamente dalla maestra, étoile e produttrice Liudmila Titova, che sarà la loro capofila e impreziosirà il cast con le sue performance La Compagnia calcherà i palcoscenici italiani portando in scena l’essenza dell’arte coreutica russa con gli intramontabili capolavori di Pëtr Il’ič Čajkovskij: Lo Schiaccianoci, Il Lago dei cigni e La Bella addormentata. Il Moscow State Classical Ballet by Titova è una delle più prestigiose compagnie di giro di balletto classico di tutta la Russia, ed è conosciuta ed apprezzata a livello internazionale. Attualmente diretto da Liudmila Titova, la compagnia si pone come principale obiettivo quello di far conoscere al mondo lo splendore della secolare tradizione russa nel balletto classico, volgendo lo sguardo anche ad un repertorio più contemporaneo, in linea con le esigenze del pubblico odierno. Il Corpo di ballo vanta tra le sue fila non solo le sue 30 talentuose étoile provenienti dalle migliori scuole ed accademie di danza mondiali (come il Teatro Bolshoi, il Teatro Mariinksij e il teatro Stanislavsky and Nemirovich – Danchenko, templi autentici della danza classica), ma si avvale anche della partecipazione di straordinarie star del balletto russo che impreziosiscono la scena ed elevano ulteriormente il profilo tecnico e glamour dello spettacolo. Il Moscow State Classical Ballet di Liudmila Titova è apprezzato dalla critica per la bellezza e l’eleganza dei propri danzatori che, con la fluidità del loro corpo perfettamente unita alla ferrea disciplina, riescono a creare un ensemble coreografico compatto ed armonico, capace di coinvolgere ed ammaliare il pubblico di ogni nazione. Per questo, ciò che distingue questi ballerini, è l’ineccepibile equilibrio con cui armonizzano la tensione alla perfezione del movimento e il rigore stilistico dell’arte del balletto classico. Il risultato è una tecnica pulita e raffinata esibita sul palco con grande naturalezza ed impreziosita dalle eccelse doti espressive dei ballerini che contribuiscono a rendere l’interpretazione impeccabile in tutte le sue sfaccettature. Lo staff coreografico del Russian Stars – Moscow State Classical Ballet by Titova è fra i migliori possibili e cura con meticolosità le performance della Compagnia coniugando elementi di ricerca e innovazione al repertorio classico, nel rispetto dell’eredità coreografica del balletto russo. Liudmila Titova A soli 19 anni è protagonista di celebri balletti di repertorio come Cenerentola, Lo Schiaccianoci, La Bella addormentata, Giselle, Bolero e tantissimi altri. Dal 2010 lavora con il Moscow State Classical Ballet e da tre anni ne è a capo come general manager. Con il suo ingresso ha riorganizzato l’intera società ed ha apportato una serie di innovazioni scenografiche, decorative ed un rinnovamento totale dei costumi dei danzatori . Questi ultimi sono tutti professionisti laureati nelle più grandi accademie russe.

“Ciao Darwin”, il casting a Torino

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17 e 18 DICEMBRE 2018

Per partecipare al casting (solo maggiorenni) potete:inviare una email a d.bonolis@sdl2005.it oppure a v.cinelli@sdl2005.it con i vostri dati anagrafici, il vostro recapito telefonico ed una fotografia (inclusa la seguente dichiarazione liberatoria: “Autorizzo il trattamento dei miei dati personali ai sensi dell’art. 13 del Regolamento Europeo 679/2016, così come da informativa Privacy presente sul sito www.sdl.tv).

“Aspettando il Piccolo Principe”

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A Monforte d’Alba, al via gli appuntamenti programmati per la quinta edizione di “Vivolibro”

Sarà　“Il　Piccolo　Principe” di Antoine de Saint-Exupéry (libro senza tempo, pubblicato per la prima volta nel 1943 a New York e tradotto in circa 250 lingue) il protagonista di　“Vivolibro　2019″, la manifestazione – in programma dal 20 al 26 maggio prossimo – a cadenza biennale ideata dalla　Fondazione Bottari Lattes　nel 2011, per avvicinare i bambini delle scuole elementari alla lettura e stimolarne l’interesse alla conoscenza, alla comprensione dell’altro e all’accoglienza delle diversità. Dedicata a personaggi della letteratura per l’infanzia o della narrativa internazionale che più di altri abbiano saputo fare breccia nell’immaginario dei bambini (da Marco Polo a Don Chisciotte, da Pinocchio a Mr. Fogg),　“Vivolibro”　giunge il prossimo anno alla sua quinta edizione. E, come nella precedente, 　la　Fondazione Bottari Lattes　propone, una serie di appuntamenti dal titolo “Aspettando Il Piccolo Principe”, che si terranno　alla　Biblioteca Pinacoteca “Mario Lattes”　di Monforte d’Alba (in via Garibaldi,14), con il sostegno della Biblioteca Civica “Giovanni Ferrero”　di　Alba (Centro Rete del　Sistema Bibliotecario delle Langhe) e　dell’Associazione Culturale “La Nottola di Minerva”. Il primo incontro è　per　venerdì　30 novembre　alle　ore 16.30　con　“Santibriganti Teatro”. Una　lettura animata　dal racconto di Saint-Exupéry, fra le opere letterarie più celebri e amate del XX secolo, farà rivivere ai bambini la storia del Piccolo Principe e dei personaggi da lui incontrati nel suo viaggio, avvicinandoli ai temi universali presenti nell’opera, come il senso della vita e il significato dell’amore e dell’amicizia.　Al termine della lettura sarà offerta una　merenda　a tutti i partecipanti. L’appuntamento è a ingresso libero e gratuito. Gli incontri continueranno　a　gennaio 2019　con la proiezione del film di animazione “Il Piccolo Principe” uscito nel 2015, un laboratorio artistico a cura di Monica Bono e molto altro.

g. m.

Info e prenotazioni:

archiviobiblioteca@fondazionebottarilattes.it　– Tel. 0173/78.646

eventi@fondazionebottarilattes.it　– Tel. 0173/78.92.82

WEB　fondazionebottarilattes.it | FB　Fondazione Bottari Lattes　| TW　@BottariLattes | YT FondazioneBottariLattes

 

L’omaggio a Bertolucci, i ragazzi e la solitudine, ancora la famiglia con i suoi problemi

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Dal pomeriggio di lunedì, scorrono prima di ogni proiezione sugli schermi del TFF36 immagini dei film di Bernardo Bertolucci, tra il rosso di Novecento e il bianco e nero delle prime prove. Un montaggio preparato velocemente, un omaggio dovuto (che avrà la sua giornata domenica prossima, quando al Massimo 3 verranno proiettati Novecento, Il conformista e Io ballo da sola). Lui dice: “Come vorrei vedere oggi un film di Bergman in 3D, come vorrei vedere oggi un film di Fellini in 3D, come vorrei vedere il mio prossimo film in 3D. Credo che quella rivoluzione tecnologica che oggi vediamo operare nel cinema sia un tappeto volante su cui bisogna saltarci sopra”. Ha detto Emanuela Martini: “Un visionario, un intellettuale, soprattutto un sognatore. Bernardo Bertolucci, dopo la rivoluzione, ha fatto il cinema come non immaginavamo più di farlo: più grande della vita, e per questo capace di restituirci tutta la vita, e la Storia, e la memoria, e il futuro, nelle loro profondità”. E ogni volta scatta forte l’applauso. Ciao Bernardo.

 

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Intanto l’Ufficio Stampa del festival consegna le prime cifre, le prime affluenze. Nel primo weekend (venerdì 23 – domenica 25), oltre all’aumento degli accrediti rispetto allo scorso anno, si registra anche un aumento di biglietti venduti, passando dai 15.459 della passata edizione ai 16.174 di oggi. Una leggera flessione al contrario per gli abbonamenti, siamo passati ai 603 odierni contro i 667 del 2017, mentre gli incassi complessivi nei tre giorni ammontano a 164 mila euro a fronte dei duemila in più precedenti.

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Forse il più bel film visto finora al festival è The guilty del regista danese Gustav Möller, 85’ serrati, di quelli che senti di dover ammirare fotogramma dopo fotogramma, non una sbavatura, una tensione fatta di voci concitate e di brevi silenzi, di domande e dell’attesa delle risposte che a volte non arrivano immediate

L’attore protagonista si chiama Jakob Cedergren, c’è da sperare che la giuria si ricordi sia di lui che del film. L’uomo è incollato ad un tavolo e ad uno schermo, auricolare e microfono sempre in funzione, telefonate in cerca di aiuto, anche stupide a tratti o di drogati colpevolizzati e mandati al diavolo. Confinato al pronto intervento telefonico, per un’indagine interna, si saprà, un collega coinvolto: riceve la chiamata di una donna che sostiene di essere stata rapita, che forse è sotto il terrore di un’arma, accusa il proprio compagno. Tutto accade in tempo reale, sotto le luci fredde di un’unica stanza, la macchina da presa fatta di primissimi piani che tirano fuori emozioni, rabbie, timori, solitudini, voglia di riscatto, in una dura descrizione come raramente ricordiamo di avere visto sullo schermo, in una lotta ad ogni secondo tra realtà e apparenza, in uno spasmo che corre diritto verso la sequenza finale. Un thriller ma certo non soltanto, una sequenza di immagini esatte, di emozioni autentiche, capaci di far provare allo spettatore una perfetta, lenta immedesimazione. Sul terreno della debolezza corre al contrario Angelo, produzione Austria/Lussemburgo firmata da Markus Schleinzer (alla sua opera seconda), che ha coinvolto pure la nostra Alba Rohrwacher, 111’ suddivisi in tre capitoli, tediose immagini a camera fissa e tediosa la vicenda di cui non sentivamo davvero la necessità. Che è quella di Angelo Soliman, personaggio del Settecento viennese, storicamente qui adattato alle leggi del cinema, strappato al continente africano all’età di sette anni, nato forse nel Camerun o forse in Nigeria, venduto a una duchessa, battezzato e istruito, paggio alla corte di principi, promosso al rango di “Moro principesco”, conoscitore di ben cinque lingue, viaggiatore, chiamato a far parte di delegazioni impegnate in diverse corti, amico di musicisti (Mozart che si ricordò di lui per uno dei personaggi del Flauto Magico e Haydn), iniziato alla Loggia massonica nella capitale austriaca. Un matrimonio segreto gli negò in seguito la protezione del suo principe e alla morte, nel 1796, l’imperatore Giuseppe II volle che il suo corpo venisse scuoiato e impagliato, posto in una teca e mostrato al pubblico, tra animali e oggetti del vecchio continente: sino al giorno (i moti del ’48) in cui la collezione imperiale sistemata nella biblioteca dell’Hofburg venne spazzata via da una granata e dall’incendio che ne seguì. Il film ci rende tutto questo in maniera sbiadita, in un anonimato che non fa altro che elencare dei fatti, senza alcuna emozione, poveramente, quadro dopo quadro, e non sono certo sufficienti l’ambientazione (dove concorrono peraltro incomprensibili apporti di oggi) e i costumi o le bellurie della fotografia a farcelo accettare a cuor leggero. Se il tema del lavoro ha trovato al festival il proprio giusto spazio, attualissimo, anche la famiglia con le disgregazioni che si formano all’interno, con l’assenza di questo o quel genitore, con i figli spinti a crescere troppo in fretta occupa più di un titolo. Tematiche più che simili le abbiamo già saggiate nei giorni scorsi, anche qui applausi e pollici versi si confondono, per qualche tentativo riuscito davvero malaccio ti chiedi che cosa abbia spinto i selezionatori a metterlo in concorso. Tra i cattivi, Nervous translation della giovane regista filippina Shireen Seno, storia di una bambina di otto anni, perennemente chiusa in casa, una madre impegnatissima con il lavoro e per nulla affettiva, un padre assente che comunica con la figlia attraverso nastri registrati che puntualmente le invia. La piccola, oltre a crescersene tutta sola, è obbligata a impiegare il proprio tempo: e la regista registra ogni dettaglio dei suoi giochi, della preparazione e della cottura di cibi in una piccola cucina in miniatura, per tanti interminabili minuti, sicura delle proprie scelte, dei tempi impiegati, del vuoto quotidiano di cui si vuole dare testimonianza ma che bisticcia tremendamente con le leggi della sintesi e del montaggio. Non si approda a nulla. Con buona fuga dello spettatore. Mentre una gran bella maturità si apprezza nell’adolescenziale All these small moments dell’americana Melissa Miller, dove l’impacciato Howie deve combattere contro le debolezze di due genitori che sono lì lì per dividersi, contro le ansie di un fratello minore che forse vorrebbe crescere più di lui, contro i primi desideri per una ragazza, pure lei affettivamente male in arnese più grande di lui e incontrata per caso una mattina in autobus, contro i sinceri sentimenti di una compagna di scuola, triste e bullizzata. Howie, sconquassato fuori e dentro di sé, tira dritto per la sua strada, vivendo giorno dopo giorno quanto più può, trincerandosi nella calma e mettendo ordine con il prevalere dei veri sentimenti. La regista, alla sua opera prima, quei piccoli momenti ce li lascia gustare tutti, con intelligenza, con un’osservazione intima e costante, con i tanti particolari colti al volo che costruiscono il film, con gusto e con ironia. Speciale il giovane protagonista Brendan Meyer, tutto vero, dalla testa alle scarpe.

 

Elio Rabbione

 

 

 

Nelle foto grandi: Jakob Cedergren è l’ottimo interprete di “The Guilty” del danese Gustav Möller; una scena del deludente “Angelo” dell’austriaco Markus Schleinzer; “All these small moments” dell’americana Melissa Miller, altro film applaudito in questi giorni al Torino Film Festival

Vincent, che disegnava le stelle

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Nessuno aveva idea da dove venisse quell’uomo allampanato, magro come un chiodo. Il volto, incorniciato da una rada barba grigia, era illuminato da due vivaci occhi neri, che luccicavano al riparo dalle folte sopracciglia. Parlava poco ma in quel poco  dava prova di una grande padronanza della lingua che usava con una dizione praticamente perfetta, da accademico. Un fatto, questo, che rendeva ancor più stridente il contrasto con la sua figura dimessa, infagottata nella lunga e lisa marsina con le grandi tasche sformate dall’uso. A tracolla portava una piccola cassetta di legno con colori e pennelli e , sottobraccio, un seggiolino pieghevole e alcune tele. Sul lago apparve sul finire dell’estate che, come capitava spesso dalle nostre parti, tra un temporale e l’altro, aveva ceduto ben presto il passo ad un anticipato autunno. Nell’aria si avvertiva già quel sapore d’ottobre quando nelle ore del meriggio l’aria rinfrescava portando in giro quei profumi di terra bagnata, muschio e funghi che s’accompagnavano all’arcobaleno di  colori morbidi e caldi che si confondevano nel giallo e nell’arancio, nel marrone e nel rosso delle foglie.

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Vincent si soffermava a guardare la natura e i giochi di luce, sedendosi al margine di un bosco oppure su una panchina del lungolago, guardando le isole e oltre, dalla parte opposta dov’era la “sponda magra” del Maggiore. A Vincent piaceva quel lago dall’anima volubile, simile in tutto e per tutto a quella di una donna di carattere e spirito. Amava quei colori pastello  che salivano dalle morbide e azzurre onde al verdazzurro dei dorsi di monti alle spalle di Luino, Laveno e più in giù, tra l’’Eremo di Santa Caterina del Sasso Ballaro e  la rocca Borromea di Angera. Colori che, all’improvviso, potevano mutare in tinte scure e minacciose sotto i venti impetuosi, mugghianti delle tempeste. Era un mondo che lo incuriosiva, popolato da gente di frontiera, battelli che solcavano le acque  e orizzonti racchiusi tra le montagne. Era un solitario e apprezzava i silenzi e quella riservatezza fatta di sguardi complici e di parole annodate alle brezze della tramontana e dell’Inverna. Ma Vincent, più di ogni altra cosa, amava le stelle. Le dipingeva quando comparivano e prima che sparissero. Per ogni alba che schiariva il cielo, accompagnando gli ultimi astri al riposo o per ogni firmamento pieno di lucenti stelle, Vincent aveva occhio e cuore nel trasferirne l’emozione sulla tela, in colori e delicati colpi di pennello.

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Il fornaio, Degrande, guardando i quadri, sospirava ogni volta, ripetendo : “Se esiste il pan di stelle, qualcuno l’ha sbriciolato in cielo. Guarda come pulsano vive, brillano luminose. Mamma mia, che belle!”. E assestava una manata di compiacimento sulle spalle di Vincent, lasciandogli la sua infarinata impronta sulla giacca.Prima di arrivar lì, in primavera si era fermato sulle colline del Monferrato per non perdere l’appuntamento con le Liridi che ogni anno, a metà aprile, sciamavano per il cielo con la loro cascata di stelle cadenti. “Quel nome strano”, diceva a chi lo ascoltava incuriosito,”lo prendono dalla costellazione della Lira, dove appaiono, tra Ercole e il Cigno. Uno spettacolo di piccoli frammenti luminosi che, entrando nell’ atmosfera, si disintegrano in spettacolari fiammate”. Poi, più per onorare  la tradizione che per altro, causa il brillare della luna piena,  il 10 agosto – la notte di San Lorenzo –  erano saliti fino all’alpeggio della Scèrea per osservare lo sciame meteorico delle Perseidi. Nonostante fossimo stati graziati dal tempo in quell’estate che pareva un autunno, il cielo era così luminoso da rendere quasi impossibile vedere qualche scia di stella cadente. Infatti, solo l’Audenzio Marchelli, ad un certo punto, gridò “Ne ho vista una! Un bolide! Grossa!”. Ma la vide solo lui e forse quel litro di Barbera che si era scolato da solo alla  Casa del Popolo aveva contribuito più del dovuto a far sì che vedesse ciò che non apparve agli sguardi degli altri. Ad ogni modo la traccia lasciata dalle Perseidi che attraversano i nostri cieli si poté vedere, in misura minore, fino a oltre la metà di agosto. Ma furono poche, isolate apparizioni. E siccome era noto che è meglio essere sdraiati piuttosto che seduti, armandosi di pazienza poiché gli occhi hanno bisogno di un po’ di tempo per adattarsi al buio e vedere meglio ciò che accade nell’oscurità del cielo, ai due fratelli Sgranocchi capitò di finire nel prato delle vacche del Carlin.

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Lunghi e diritti, distesi in mezzo ai “boasc”, le “boasse”, le cacca delle mucche. E ci vollero un bel bagno nel Selvaspessa e un paio di “giri” nel mastello con la lisciva – loro e i loro vestiti – per togliersi di dosso quel “profumo” che non era certo di violetta. Intanto Vincent, notte dopo notte, dipingeva. E di giorno, s scriveva sul suo quaderno nero dalla copertina di cartone sottile, con l’etichetta appiccicata, bianca e rossa, dai bordi frastagliati come quelli delle fotografie di un tempo. Ci scriveva ogni cosa e serviva a tante cose. Lo usava come “segna conto”, dove il signor Lipelli riportava la spesa che avrebbe dovuto pagare alla fine della settimana o del mese; vi riportava le impressioni dei suoi viaggi e degli incontri che gli capitava di fare, fissandoli sui fogli per non disperderne la memoria. E, soprattutto, riportava alcune frasi che l’avevano colpito. Una più delle altre. Questa: “…guardare le stelle mi fa sempre sognare, così come lo fanno i puntini neri che rappresentano le città e i villaggi su una cartina. Perché, mi chiedo, i puntini luminosi del cielo non possono essere accessibili come quelli sulla cartina della Francia?”. Queste parole, scritte da Vincent Van Gogh in una delle famose lettere al fratello Theo, rappresentavano  un’ulteriore conferma del fascino che quei “puntini luminosi” esercitavano anche sul “nostro” Vincent.

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Molti quadri di quell’artista straordinario e maledetto erano  costellati di quei  “puntini luminosi” sospesi nel blu e nel nero della notte che solo all’occhio inesperto potevano sembrare messi lì a caso dalla fantasia del pittore olandese  quando invece erano frutto di una scelta ben precisa. E qui Vincent s’infervorava, dimenticandosi d’essere taciturno. Raccontava ,ad esempio, com’era nato la Notte stellata sul Rodano, uno dei suoi quadri più celebri. Quando iniziò a lavorarci nel 1888, cioè prima di incontrare Paul Gauguin, Van Gogh si trovava già nella città di Arles, dove tra le sponde del fiume Rodano scoprì un punto adatto per rappresentare un soggetto che lo rende particolarmente felice. «Sto lavorando […] a uno studio del Rodano, della città illuminata dai lampioni a gas riflessi nel fiume blu. In alto il cielo stellato con il Gran Carro, un luccichio di rosa e verde sul campo blu cobalto del cielo stellato, laddove le luci della città e i suoi crudeli riflessi sono oro rosso e verde bronzeo…», scrisse infatti il pittore.

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Ma c’era di più. “Un astronomo è persino riuscito a stimare l’esecuzione del quadro in una notte compresa tra il 20 e il 30 settembre 1888 alle ore 22;30 grazie a un a ricerca accurata della posizione dei “puntini luminosi“, disse Vincent. Incuriosendoci,aggiunse: “E notò persino un piccolo errore: la costellazione dell’Orsa Maggiore, rappresentata sopra le luci della città, appare infatti deformata, cosa che farebbe supporre una pausa di almeno quaranta minuti nell’esecuzione dell’opera, essendo il cielo notturno mutato col trascorrere del tempo. Forse il pittore si è dedicato ad altro, per poi riprendere il lavoro e fissare “erroneamente” le rimanenti stelle in una posizione diversa. Non è incredibile,eh?”.Scuotendo la testa, sedendosi su una vecchia pietra miliare, sospirò: “Non avremo mai certezze sulla ragione che spingeva Van Gogh a rappresentare su tela quei “puntini luminosi” incisi, appunto, come su di una cartina geografica in cielo, ma a giudicare dalla passione con cui noi artisti e pure gli scienziati scrutano il cielo potete almeno intuirlo anche voi”. Non lo disse ma s’intuì il suo pensiero su Van Gogh, alla ricerca di Dio nel cielo stellato, tormentato dal “male di vivere” tant’è che, in una lettera, scrisse “Se prendiamo il treno per andare a Rouen o a Tarascona, possiamo prendere la morte per andare in una stella”. Così, scacciati i pensieri,  ci siamo dati appuntamento per la notte del 14 dicembre, nella parte alta della “Tranquilla”, a nord di Oltrefiume, in vista della cava di granito. Lì, con gli sguardi rivolti al cielo, a rincorrere le traiettorie delle stelle cadenti d’inverno, le Geminidi. Si sarebbe potuti venire anche qualche giorno più avanti, aspettando il rientro di Paolo dal nord Africa dove si era recato ( mi pare in Algeria)  sei mesi prima per ragioni di lavoro, ma il rischio era alto. Lo sciame era visibile fino al 19 dicembre ma occorreva evitare che venisse penalizzato dalla Luna molto ingombrante. E già ad agosto eravamo rimasti con un palmo di naso, a guardar per aria quel cielo illuminato a giorno. ”Le Geminidi in genere non deludono mai, sono le stelle cadenti più belle dell’anno, più suggestive delle Perseidi di agosto per intensità, luminosità, colori”, diceva Vincent.

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E lo spettacolo  fu davvero memorabile. Una straordinaria  cascata di stelle che disegnarono traiettorie da una parte all’altra del cielo. E andò avanti per tre notti, visibile anche in riva al lago, dove stavamo lì tutti: noi a guardare, Vincent a dipingere. Tutti infagottati per ripararci dal freddo pungente. Ogni tanto si “riparava” nel bar dell’Imbarcadero. Dalla radio accesa del bar udimmo una canzone “..l’estate prendeva una piega di nuove speranze.. cadevano stelle come fosse l’ultima notte felice del mondo.. l’ultima notte importante per dimenticare di essere soli..di essere soli da sempre”. Il titolo, che l’annunciatrice aveva quasi sospirato, era poesia pura: “Le stelle cadono nella notte dei desideri”.  Ci scoprimmo a farci delle strane domande. “Ma dove cadono, le stelle? E che rumore fanno? Forte? O solo un fiato di vento, leggero, leggero? Dove cadono le stelle?”. Franco Splolito, l’amico poeta, non perse l’occasione. Fece un lungo respiro. Socchiuse gli occhi e allungò il braccio destro, aprendo la mano.

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E declamò. “ Cadono le stelle e non fanno rumore, affascinanti scie luminose che solcano il cielo, in attesa di essere raccolte per dar luce ai nostri desideri …Fiammelle tenuti  nella nera notte,illusioni fatue  per chi speranza più non ha e per chi alla speranza non rinuncia…Lucciole  che brillano, indistinto chiarore di un sogno cercato, voluto, sperato. Stelle luminose, che nell’universo sono le gioie più preziose..”. Alvaro, con le lacrime agli occhi per la commozione, applaudì. E anche Ugo, Filiberto e Giovanni batterono le mani. Jolanda, invece, nascondendo il volto in un fazzoletto, sospirò un appena percettibile “ grazie, Franco”. Lui, dopo un rapido inchino, guardò Vincent e disse: “Amici miei, è questo nostro artista che va ringraziato. E’ lui che, con pennelli e colori, da corpo ai nostri sogni”.  Qualche mese dopo, ai primi annunci di primavera, una mattina, passando davanti all’osteria del Gallo Nero, non lo vedemmo seduto sulla panchina dov’era solito riordinare la sua borsa degli attrezzi. Chiedemmo dove fosse, ma nessuno sapeva la risposta. Forse se n’è andato giù al lago a dipingere.. Forse è dall’Ugo, a scegliere dei colori.. O dalla Maria dell’Osteria dei Gabbiani, dai. Si è sempre saputo che per la Maria aveva un debole, no? .. Ma lui non era in nessuno di questi posti e nessuno l’aveva visto o incontrato. Solo il vecchio Samuele disse che gli era parso di vederlo andar via, a notte inoltrata, sulla strada verso Stresa. Ma lo sapevano tutti che a Samuele piaceva bere e che la sera era talmente “carburato” da scambiar lucciole per lanterne.. Fatto sta che passo l’intera giornata e verso sera di lui non s’era vista nemmeno l’ombra. Vincent non c’era più. Se n’era andato, In silenzio. così com’era arrivato quasi un anno prima. Erano solo rimaste, in cielo le stelle. Tante, belle ma meno luminose del solito. Quasi fossero tristi. Ma le stelle, possono essere tristi? Vincent avrebbe risposto che forse sì. O forse no. Alzando un poco le spalle, inarcando le sopracciglia, abbozzando un sorriso. Ma Vincent era ormai lontano.

 

Marco Travaglini

 

Cinque compagnie piemontesi in giro per il mondo

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Move! è il nuovo fondo annuale ideato da Piemonte dal Vivo, per il sostegno alla mobilità internazionale degli artisti piemontesi o residenti in Piemonte, con l’obiettivo di creare nuovi legami ed opportunità oltre confine

 

Move! è un esempio concreto di come sia possibile per i nostri artisti creare nuovi legami ed opportunità oltre confine – dichiara Matteo Negrin, direttore di Piemonte dal Vivo –. Allo stesso tempo, sviluppare relazioni internazionali, in uno scambio virtuoso tra l’Italia e gli altri paesi, contribuisce a rafforzare l’immagine del nostro territorio e delle eccellenze che lo abitano.

Nella prima annualità di azione del bando sono state selezionate cinque realtà e altrettanti progetti: la Piccola Compagnia della Magnolia partecipa con una propria creazione all’ international Theatre Festival a Szczecin Polonia e allo SKUPI International Theatre festival a Skopje in Macedonia. L’Asia è invece meta dell’Associazione Didee arti e comunicazioni, ospitata nell’ambito dell’Indonesian Dance Festival con il progetto Le Foglie e il Vento. Sempre nell’ambito della Danza si sviluppa la proposta del BTT Balletto Teatro Torino che anche grazie al Sostegno di Move! Porta sul Palco del festival de Ballet Internacional Havana de Cuba/ fabrica de Arte la nuova creazione di Laura Domingo Agüero. Tornando in Europa la Cooperativa Italiana Artisti beneficerà di un contributo per un periodo di residenza in Belgio, mentre La Società Reale Ginnastica di Torino avrà l’opportunità di partecipare al Festival Arena di Praga. Per un settore naturalmente votato alla mobilità qual è quello dello spettacolo dal vivo, l’internazionalizzazione rappresenta un ambito strategico, necessario per garantirne la crescita e lo sviluppo – dichiara Antonella Parigi, assessore alla Cultura della Regione Piemonte – Non posso quindi che accogliere favorevolmente questa nuova misura di Piemonte dal Vivo, che potrà certamente essere implementata in futuro.

 

piemontedalvivo.it

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