CULTURA E SPETTACOLI- Pagina 2

Auditorium Rai, Patrussi solista del concerto per oboe dedicato a Strauss

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Giovedì 15 e venerdì 16 gennaio, all’Auditorium Rai di Torino, debutterà sul podio dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai il direttore d’orchestra iraniano Hossein Pishkar nel concerto che verrà trasmesso in diretta su Radio 3 e in live streaming sul portale di Rai Cultura. La replica, a Torino, sarà venerdì 16 gennaio alle ore 20. Pishkar, che sostituisce Ottavio Dantone, indisposto, ha collaborato con prestigiose compagini internazionali, tra le quali la Beethoven Orchester di Bonn, la NVR Radio Philarmonie di Hannover, l’Orchestre Philarmonique de Strasbourg e la Royal Danish Opera, fermandosi inizialmente in pianoforte e composizione da Teheran e approfondendo gli studi a Düsseldorf.
La serata è interamente dedicata a Richard Strauss, con la scelta di opere appartenenti a diverse fasi della sua carriera, ma che sembrano tutte rivolgersi indietro, verso un mondo ormai perduto, fatto rivivere con infinita nostalgia. Si inizia con tre brani dalla Tanzsuite aus Klavierstücken von François Couperin TrV 245, una raffinata suite orchestrale composta nel 1923, nella quale Strauss rielabora, rendendo omaggio alla sua arte, alcuni brani per clavicembalo di Couperin. Articolate in otto movimenti, dei quali ne vengono eseguiti tre, l’opera alterna danze nobili a momenti più vivaci, e rappresenta un sofisticato omaggio al barocco, realizzato con la straordinaria padronanza tecnica di Strauss. A seguire, Concerto in re maggiore per oboe e piccola orchestra, eseguito dalla prima oboe dell’Orchestra Rai Nicola Patrioti, qui in veste di solista. Fu l’incontro con John De Lancie, giovane soldato americano e oboista  dell’Orchestra di Philadephia, a spingere Richard Strauss, ormai nella fase tarda della sua vita, a comporre nel 1945 il Concerto per oboe in re maggiore. L’opera fu scritta tra le mura di Garmisch, e rappresenta un pagina luminosa che comunica tranquillità e un ritorno al passato, in piena contrapposizione agli sconvolgenti eventi storici che si verificavano in quel periodo. Il brano, eseguito per la prima volta a Zurigo nel 1947, si è imposto rapidamente come uno dei capisaldi del repertorio oboistico. A chiudere il concerto, la suite da Der Bürger als Edelmann (il borghese gentiluomo) op.60, che contiene i momenti più significativi delle musiche di scena composte nel 1912 per un allestimento del Borghese gentiluomo di Moliére, curato dal grande scrittore Hugo von Hoffmannsthall, che aveva realizzato per lo stesso Strauss il libretto de “Il Cavaliere della rosa”, andato in scena un anno prima con straordinario successo. Il riferimento è a Jean-Baptiste Lully, che aveva corredato con le sue musiche le prime rappresentazioni della commedia nel 1670, a Castello di Chambord, sotto l’egida di Luigi XIV. Alcuni pezzi di Strauss rielaborano alcune parti di Lully, armonizzazione con una composizione genialmente in bilico tra antico e moderno. La rivisitazione di Strauss impegna spesso individualmente i musicisti dell’orchestra, e in particolare il primo violino, dipingendo l’epoca del Re Sole come una sorta di Paradiso Perduto, forse più evocato oniricamente che non storicamente, sempre mantenendo una vivacità teatrale incontenibile, che illumina ciascuno dei 9 pezzi della Suite, anche in una esecuzione strumentale privata dell’azione scenica.
Biglietti: da 9ma 30 euro – in vendita sul sito OSN Rai e presso la biglietteria fisica dell’Auditorium Rai di Torino
Info: 011 8104653 – biglietteria.osn@rai.it
Mara Martellotta

“Agatina & Petronilla”. Allo Spazio Kairos l’economia circolare per i bimbi

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Allo “Spazio Kairos” di via Mottalciata a Torino, “Santibriganti Teatro” spiega dal palco l’“economia circolare” ai bambini

Domenica 18 gennaio, ore 16,30

Un “viaggio di formazione”. Sul palco una bimba e una formica. La prima si chiama Agatina, ha le lentiggini e profuma di fragola. Ecco il perché del nomignolo di “Fragolina”, regalatole con tanto affetto dalla nonna. La seconda è Petronilla, una formica “agente-speciale” al suo primo incarico.

Questi gli elementi base di “Agatina & Petronilla”, la rappresentazione teatrale, firmato dalla Compagnia moncalierese “Santibriganti Teatro”, in programma domenica prossima 18 gennaio, alle 16,30, presso lo “Spazio Kairos” di via Mottalciata 7, a Torino. Scritto da Mariagrazia Cerra, per la regia di Claudio Sportelli, sul palco Arianna Abbruzzese e la stessa Cerra, si tratta di uno spettacolo per famiglie, adatto a bambini dai cinque anni in avanti. Organizza “Onda Larsen” che, alle 16, offre la merenda ai bimbi in sala.

Dunque. E che ci faranno mai insieme, dopo il loro incontro (non casuale) in un prato alle porte di una non precisata città, una bimba simpatica e birichina, come Agatina – Fragolina e una formica con l’incarico niente meno che di “agente-speciale”, matricola 346446? Si presenteranno, cammineranno fianco a fianco e … parleranno. Non a caso. Perché nell’intento dell’agente-speciale Petronilla, quel loro camminare insieme vuole essere, come dicevamo prima, un “viaggio di formazione”. Un viaggio alla scoperta (tema di grandissima attualità) dell’“economia circolare”. E qui le cose si fanno serie. E sì, perché allora vien da chiederci: Come vedono i bimbi la Terra sempre più arsa e piena di cemento? Quanta consapevolezza hanno sul rischio che stiamo correndo, continuando ad abusare delle risorse che abbiamo a disposizione?

Constatazione: Molti di loro sono abituati alle realtà virtuali di uno schermo e si stupiscono quando scoprono che sono le mucche a produrre il latte, le galline a fare le uova e che l’insalata non cresce direttamente sugli  scaffali del supermercato.

Accorrono in nostro aiuto gli organizzatori dello spettacolo: Attenzione! Lo stupore dei bimbi però,  al contrario di quello degli adulti, è privo di giudizio, è curioso e aperto al nuovo e il teatro li aiuta a nutrire questa curiosità. Grazie allo strumento dell’immedesimazione, si ritrovano nei panni delle due protagoniste e con loro guardano il mondo che le circonda.

Procediamo quindi con la trama. Si era rimasti all’incontro di Agatina e Petronilla. Incontro (già detto) non casuale, bensì voluto dalla “grande capa formica” del “Gran Casato” delle “Montagne Ghiacciate d’Oriente”.

Perché? Perché la bimba  ha il viziaccio di sprecare il cibo e di lasciare troppi rifiuti in giro, incurante  a ciò che la circonda ed ecco perché serve un “agente speciale”, o “specializzato” come dice lei, per farle capire che la Terra ci ospita e perciò  dobbiamo rispettarla e non sporcarla, proprio come si fa quando si è in casa d’altri.

E così,  dopo essere ricorsa al “formulario magico”, la formica Petronilla diventa grande come un “umano” e si scontra con la bimba, che dopo l’iniziale diffidenza (Agatina non è una bimba cui la si fa facilmente)  si fa attrarre dalla simpatia di Petronilla e delle sue “compagne operaie”.

Il loro muoversi assomiglia a una danza e per Agata, che sogna di diventare una ballerina, la musica è la cosa più bella che c’è.

Così Petronilla accompagna la bimba in un giro di perlustrazione della natura circostante, dove incontrano Scorri: la mucca che fa le “puzzette” riconvertibili in bollicine per l’aranciata e che s’intende di  “economia circolare”,  le api che pungono per difendere la loro famiglia e   un pesciolino che rischia di rimanere soffocato da un sacchetto di plastica.

Meraviglia e discariche a cielo aperto si mescolano e portano Agatina a vedere per la prima volta ciò che le sta intorno. Chissà se la sua amica (amica, ora sì) formica sarà riuscita a portare a termine la sua prima missione?

Io penso proprio di sì. E voi? La storia di “Agatina & Petronilla” vi aspetta!

Per info: “Spazio Kairos”, via Mottalciata 7, Torino; tel. 351/4607575 o www.ondalarsen.org

Gianni Milani

Nelle foto: immagini dallo spettacolo

A Camera la mostra dedicata al celebre fotografo Edward Weston 

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“La materia delle forme”

Dopo le tappe di Madrid e Barcellona, la mostra dedicata ad Edward Weston intitolata “La materia delle forme”, curata da Sérgio Mah, approda a Torino presso Camera dal 12 febbraio al 2 giugno prossimo. Si tratta di un percorso da non perdere che farà riscoprire il ruolo dell’artista,  pioniere di una visione rigorosamente moderna nel riconoscere e consolidare la fotografia quale linguaggio poetico e intellettuale.
La mostra, promossa dalla Fundación MAPFRE, in collaborazione con CAMERA,  ripercorre oltre quaranta anni di attività di Weston, dal 1903 al 1948, in 171 immagini  per un viaggio immersivo che ripercorre tutte le fasi della sua intensa ricerca, a partire dalle prime prove segnate dal pittorialismo alla piena affermazione come figura centrale della ‘straight photography’. Il percorso mette in luce il ruolo di Weston, cofondatore del Group f/64 nel definire la fotografia come un linguaggio autonomo, rigoroso e profondamente moderno, in dialogo ma anche in contrasto come le avanguardie europee.
Attraverso immagini in bianco e nero di straordinaria precisione formale, realizzate con la fotocamera a grande formato, Weston esplora nature morte, nudi, paesaggi, ritratti ormai diventati iconici.
Radicata nel paesaggio e nella cultura statunitense, la sua opera offre una prospettiva unica nell’affermazione della fotografia quale elemento centrale della cultura visiva europea.

“Edward Weston. La materia delle forme” dal 12 febbraio al 2 giugno 2026

Camera

Centro Italiano per la Fotografia

Via delle Rosine 18, Torino

www.camera.to

MARA MARTELLOTTA

I confini della luce: un breve viaggio poetico

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L’ANGOLO DELLA POESIA

di Gian Giacomo Della Porta

L’uomo, in mare aperto, si orienta seguendo le stelle. Quei punti luminosi, alti, irraggiungibili, divengono la sua compagnia privilegiata, nella solitudine del viaggio. Nasce un rapporto profondo con gli astri: i marinai frequentano le stelle con maggior confidenza dei poeti, con stupore più profondo degli astronomi. Forse, nella distesa senza strade visibili, l’uomo segue la sua pista nascente seguendo l’alta, algida presenza di un tracciato celeste. La relazione, la silenziosa intimità con gli astri, è favorita dalla lunga permanenza nel regno acquatico, a contatto con il dominio dell’aria. La lontananza dalla terra quasi ottunde il ricordo della gravità, l’assenza spiritualizza l’uomo: non a caso la comunità umana sul mare, pensiamo alla pirateria, diviene religiosa fino alla superstizione, regolata da leggi precise e inviolabili, modulata su valori astratti. Questa condizione di contatto con l’aria e l’acqua stabilisce il rapporto con la luce degli astri lontani, guida e memoria, ricordo e promessa d’armonia.

Avvicinandosi alla Terra nell’uomo si risveglia la potente memoria olfattiva: l’odore del porto, in cui si mescolano essenze petroleose e sostanze in decomposizione, che in seguito diviene più aspro, assumendo quell’impasto acido e denso dei vicoli, dei pesci marciti nelle cassette, e man mano che si avanza nell’immaginazione l’odore si trasforma in quello delle fritture, dello stoccafisso e delle cipolle stufate, e l’uomo è ormai dentro, accanto al fuoco, circondato dal chiasso. Il primo segnale di questo distacco, dal regno acquatico a quello terrestre, controverso e sapido, è il mutamento dal punto di luce che segna il percorso. Approssimandosi alla costa, l’uomo distoglie lo sguardo dagli astri e fissa un’altra luce, meno alta, intermittente, elevata sulla terra con una torre slanciata, simbolo terrestre per eccellenza: il faro, luce sospesa, alta, nel cielo, ma retta da un torrione, più bassa delle stelle, zona di confine tra i due regni, è l’ultimo sguardo alle stelle del mago Prospero, in quel prodigio che è “La tempesta”, prima di riconsegnare la sua bacchetta, quindi i suoi poteri, all’abisso marino, simbolo testamentario di Shakespeare che ritira il poeta dalla scena nell’opera del commiato, è Dante che al culmine della Commedia, di fronte al fuoco divino, perde parola e memoria, che si disintegrano di fronte alla fonte di luce e mistero, sintesi del mondo illuminato dal disegno celeste e quello alimentato dalle fornaci, la fine dell’esperienza metafisica, il ritorno al mondo.

Al teatro Gioiello “Ti amo o qualcosa del genere”

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Mercoledì 14 gennaio andrà in scena alle ore 21, al teatro Gioiello, “Ti amo o qualcosa del genere”, una pièce teatrale divertentissima e sorprendente che ha debuttato per la prima volta nel 2017, conquistando migliaia di spettatori. Si tratta della classica commedia degli equivoci scritta, interpretata e diretta da Diego Ruiz, affiancato sul palco di via Cristoforo Colombo 31 da Tiziana Foschi, Milena Micon e Samuel Peron. Si tratta di un’altra divertente commedia di Ruiz che propone le sue ironiche ricerche sui rapporti di coppia, visti questa volta dalla lente spietata dell’amicizia. Può succedere che un amico, alcune volte e involontariamente, possa ostacolare la storia d’amore dell’altro. In più, se il migliore amico è in realtà un’amica gelosa, il pericolo è dietro l’angolo. La commedia si interroga sulla realtà dell’amicizia tra uomo e donna, oppure se ci sia un’attrazione latente. I quattro protagonisti daranno vita a una girandola di equivoci e fraintendimenti, creando un groviglio di bugie e mezze verità. Tra risate, imbarazzi e gag esilaranti, sarà l’amore a trionfare su tutto.

Teatro Gioiello – via Cristoforo Colombo 31, Torino – ore 21

Mara Martellotta

I dubbi di un Presidente, un magnifico Toni Servillo

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Da domani sugli schermi il nuovo film di Sorrentino

PIANETA CINEMA a cura di Elio Rabbione

Film d’intimità narrativa e di un amore conservato nel cuore che si rivelerà traditore, film alla costante ricerca della verità, film che si rincorre nella domanda “a chi appartengono i nostri giorni?”, film di riti e di trionfalismi nazionali e di piccoli sotterfugi – la vita preordinatamente quotidiana tra le stanze del Quirinale (torinesi le location, da palazzo Chiablese al Castello di Moncalieri al Lorusso e Cotugno, con grande spolvero della nostra Film Commission) e le Frecce Tricolori che attraversano lo schermo nei primi minuti, mentre alle immagini s’alternano i passaggi dell’articolo 87 della nostra Costituzione, “il Presidente della Repubblica è il Capo dello Stato e rappresenta l’unità nazionale”, e la sigaretta fumata di nascosto, dal momento che anche un presidente della Repubblica deve sottostare alle premure e agli “ordini” di una figlia -, film che guarda ad un certo “hic manebimus optime” di radice democristiana e nello stesso tempo è spinto a tessere l’elogio del dubbio, ad allungare i tempi, a portare avanti le questioni, a eliminare e a segnalare per una modifica con un pennarello giallo quel che ancora non è chiaro, quel che ancora non è netto e definitivo. Film intimo, forse persino claustrofobico, ovattato e duro allo stesso tempo, “La grazia” di Paolo Sorrentino, film “diverso” del regista napoletano, che ha inaugurato l’ultima Mostra di Venezia e che ha giustamente riconosciuto a Toni Servillo, giunto alla sua settima collaborazione con il regista, con la vittoria della Coppa Volpi quale migliore interprete, il pieno riconoscimento di un’arte grandiosa, di un’interpretazione che procede nei suoi tanti momenti di sospensione e pacatamente s’infiamma, che vive di sottrazione, che racconta e soffre e si placa nella intervista improvvisata alla direttrice di un mensile di moda, di un uomo che ha abbandonato – se mai li ha indossati, sempre chiuso nei suoi completi blu, un po’ retro, un po’ annoianti – il pantalone bianco e la giacca rossa di Jep Gambardella e per anni ha coltivato la sua personale “grande bellezza” proprio in quei riti, nella stesura di un manuale di studi giuridici che qualcuno ha definito “Himalaya K3” per la sua assurda irraggiungibilità.

Il suo nome è Mariano De Santis, una probabile summa – tra vedovanza e figlia a latere e inflessioni napoletane e quant’altro – dei tanti presidenti più o meno recenti di questa nostra repubblica, da Scalfaro a Napolitano, da Ciampi a Leone allo stesso Mattarella, ancora diccì in quel nome e un monumento della scrittura e della letteratura italiana in quel cognome, seppur aggiustato, il suo distintivo, per tutti, durante l’intero settennato, è stato “cemento armato” (e in questa carambola di nomi, non va dimenticato che il nome della figlia (Anna Ferzetti, quanto mai calibrata nel costruire il proprio personaggio, deuteragonista essenziale), giurista pure lei, al suo più completo servizio, altro non è che Dorotea, che più diccì non potrebbe essere. De Santis è giunto al “semestre bianco”, sa che dovrà abbandonare a poco a poco l’ufficialità, con le guardie del corpo, le visite dei capi di stato, i tanti appuntamenti della giornata, per richiudersi nell’appartamento vicino a piazza di Spagna, magari prima assaporare quella passeggiata in piena libertà, non più con la protezione dell’automobile ma finalmente a piedi, che da sempre pregusta (perché non ripensare, dopo diciassette anni, a quella verso le prime luci dell’alba nella limpida e solitaria via del Corso dell’Andreotti del “Divo”, seppur non ancora fatta di libertà?), dovrà continuare a ospitare per la cena – “ma questa non è che un’ipotesi di cena”, avrà già esclamato l’affettuosa quanto cinica Coco Valori, critica d’arte e artefice di battute al vetriolo, del tipo Camilla Cederna o Natalia Aspesi, al tavolo del Quirinale, alla vista di quanto poco ci sia nel piatto, ma la dieta imposta da Dorotea è ferrea, uno dei tanti effervescenti e divertenti momenti e da grande attrice che Milvia Marigliano offre nel film – la vecchia amica dei banchi del liceo: tuttavia sul tavolo sono ferme alcune questioni che hanno bisogno di certezze, bisognerà decidere, prima del gong finale, se dare o no la grazia a due persone – “se non firmo sono un torturatore, se firmo sono un assassino” -, da un lato un uomo, un insegnante per tanti anni, che ha ucciso la moglie affetta da Alzheimer (lo spunto è nella cronaca ed è quello che ha dato a Sorrentino l’incipit per il film, nel 2016, la vicenda di Giancarlo Vergelli che strangolò nel sonno la moglie Nella) e dall’altro la storia di una donna, per anni maltrattata e segregata da un marito violento che avrebbe ucciso a coltellate. In un altro dossier, un’ipotesi di legge sull’eutanasia, che il parlamento sonnolento e distratto, pur avvertendosene da alcune parti la necessità, non ha ancora votato e che Mariano De Santis, appunto, vorrebbe firmare.

Ancora l’elogio del dubbio e delle incertezze, delle domande e del rigore messo al primo posto in una scala di valori, della pacatezza e della moralità più alta e cristallina, del mistero che incancrenisce una intera esistenza e dei confronti – non ultimo quello con il pontefice, di colore, che porta tranquillamente un codino rasta e che se ne parte via a bordo di uno scooter, che certo misura e lascia misurare le parole, non ultimi quelli costanti e a tratti contrastanti con Dorotea. È il mondo assai più vasto e filosoficamente inteso che guarda al pubblico, come “Il divo”, come “Loro”, il versante lontano di quella autobiografia che abbracciava “È stata la mano di Dio” scendendo nel privato degli affetti interrotti, è il mondo della simbologia – l’agonia del cavallo negli ampi spazi della scuderia -, è il film dove doverosamente confrontarsi con i vari significati e con il peso della parola “grazia”, è il film che forse, abbandonando il personaggio della figlia ma volendo ancora esprimere idee su idee, impressioni su impressioni, lascia la palma alla prima serrata parte e si prolunga nel finale, allargando le maglie della misura, sino alla battuta di chiusura a lanciare dallo schermo l’ultimo fuoco d’artificio. E Sorrentino abbandona quel dubbio in cui ci ha cresciuti e in cui ogni spettatore si è abbandonato.

Beatrice Libonati: “L’abbraccio infinito”

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Poesie raccontate da passi di danza intrisi d’amore e nostalgia; pennellate dai colori sfumati; tratti di matita che incidono parole e delineano i contorni di una coppia che balla.

E’ questa la magia della raccolta di poesie e schizzi “L’abbraccio infinito” dell’immensa Beatrice Libonati; copyright del celebre artista e coreografo Jan Minarik al quale il volume è dedicato.

E’ un piacere immergersi in queste delicate 76 pagine di versi illustrati, dove l’abbraccio è quello tersicoreo che rimanda all’essenza stessa della Libonati.

Italiana, ma nata in Belgio nel 1954, figlia d’arte (il padre era lo scultore Francesco Antonio Libonati), quando aveva appena 4 anni, per caso, un carillon con tanto di ballerina che girava sulle punte al suono della musica, la incantò e fu la scintilla che fece divampare la sua passione per la danza.

Dagli inizi (all’Accademia Nazionale di Danza a Roma) e poi al Tanztheater Wuppertal, come storica interprete solista e collaboratrice artistica di Pina Baush, Beatrice Libonati ha ballato senza mai più fermarsi. Ha dispiegato le ali e il suo impareggiabile talento, ed oggi è una delle più importanti danzatrici e coreografe contemporanee.

Donna e artista di grande sensibilità, profondità d’animo e di pensiero, in queste poesie traspone il suo delicato sentire e racconta l’amore nella forma più intima, viscerale e quotidiana. Quella fatta di piccoli gesti, banali e semplici, come abbracciarsi. Ripetuti da anni, ormai consolidati dall’abitudine, che due persone condividono come loro esclusivo, personalissimo e privato linguaggio d’amore.

Nel libro la poesia danza e negli schizzi prende i colori dell’anima, i suoi vari momenti e umori, tra alti e bassi. Al centro c’è sempre l’amore che consiste nella costante presenza dell’uno per l’altro; uniti nell’affrontare le fatiche della vita, ma anche le meraviglie che essa può riservare.

Prime fra tutte, a farla da padrona in queste pagine, è la maestosa saggezza della natura. La coppia non smette di meravigliarsi di fronte alla generosità della primavera che si preannuncia con l’aprirsi dei primi boccioli. Tarassachi, bucaneve, lillà, crochi….fuochi di colore e rinnovata linfa vitale nei prati in fiore che rimandano sempre alla danza.

A scandire i pomeriggi della consuetudine collaudata insieme ci sono poi le reclame in televisione, diventate leitmotiv della coppia. Sottofondo sonoro che un po’ canticchiano ormai a memoria e un po’ invece ballano, spostando i mobili della cucina o del soggiorno a seconda del ritmo da tenere.

Pomeriggi di vitale importanza e ossigeno puro per l’amore, scanditi da una rigorosa scaletta. Durante la prima reclame ballano il valzer e lei ne canta sempre uno diverso; per la seconda è la volta della polka, alla terza il jive….e via così, di abbraccio in abbraccio e di bacio in bacio. In un turbinio di emozioni, passi, sentimenti…

Il testo è bilingue, in italiano con la traduzione tedesca a fronte; una scelta voluta e ben ponderata che conferisce ulteriore importanza a quest’opera. Infatti costituisce un ulteriore tassello del legame culturale e linguistico tra i due paesi ed amplia la platea dei lettori.

 

LAURA GORIA

 

Il libro lo potete trovare online al link

https://www.lehmanns.de

editore Nordpark Verlag

Gypsy Musical Academy  riconosciuta da Londra Centro Universitario Internazionale

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L’open day il 16 gennaio

La Gypsy Musical Academy è stata riconosciuta da Londra come un centro universitario internazionale,  un prestigioso riconoscimento che giunge dopo oltre vent’anni di esperienza come Accademia di spettacolo in Italia. Questa realtà è nata come proseguimento dell storica Accademia torinese Laboratorio Teatrale di Arte Drammatica di Carla Pescamona del 1962 con formazione Actor Studio di New York.
Si tratta di un traguardo che fa dell’Accademia piemontese  un punto di riferimento essenziale per la formazione professionale nel settore delle performing arts, raggiungendo una rilevanza globale. I titoli ottenuti dagli studenti, diploma o laurea, a fine percorso spalancheranno loro le porte del mondo dello spettacolo oltreoceano.
La notizia giunge proprio alla vigilia dell’apertura ufficiale delle audizioni per l’anno accademico 2026-2027.
L’open day è in programma il 16 gennaio prossimo e sarà seguito in prima persona da un’ ospite speciale,  Aisha Jawando, presenza rilevante nei noti musical londinesi “Hamilton” e “Tina”. Gli aspiranti che parteciperanno all’open day avranno la possibilità di lavorare direttamente con la Jawando (gypsymusical.com)
“ Siamo molto entusiasti di questo riconoscimento – commenta Neva Belli, fondatrice e direttrice della Gypsy – che conferisce alla nostra Accademia un ruolo internazionale e che soprattutto rappresenta peri nostri allievi già iscritti e per quelli che verranno, l’occasione giusta per fare dello spettacolo una vera professione in grado di essere esportata anche fuori dai confini nazionali.  Si parte da Torino, ma il successo potrà arrivare anche da palchi quali Broadway e West End”.
Il percorso di studi è specificatamente rivolto ai giovani talenti di età compresa tra i 18 e i 26 anni che aspirano a intraprendere una carriera professionale internazionale nel musicale e nelle arti performative.
La qualità dell’insegnamento è garantita da un corpo docenti di prestigio composto da figure di spicco non solo del panorama Italiano, ma anche da eminenti professionisti di Broadway e del West End di Londra.
La proposta formativa a 360 gradi è strutturata in un programma intensivo di eccellenza che abbraccia più di 38 discipline nel Musical Theatre e, per chi lo desidera, specializzazioni nelle performing arts, nel campo del cinema, nel canto pop rock e nelle street dance.
Tra le materie istituzionali il percorso propone moduli fondamentali quali l’English Acting , tenuto da docenti madrelingua, pianificazione della propria carriera nel musical e nelle arti performative e di Musical Theater con protagonisti dei più grandi musical internazionali.
L’Accademia ha inoltre istituito un programma di interscambio diretto tra Torino e Londra, tramite una Accademia partner , consolidando l’orientamento globale della preparazione.

La preparazione Intensiva e l’approccio internazionale sono la chiave del successo di molti ex allievi Gypsy che oggi operano stabilmente  sui palcoscenici e nelle produzioni di tutto il mondo. Obiettivo primario della formazione triennale è quello di fornire ai giovani artisti una preparazione completa  e competitiva in grado di renderli idonei a inserirsi con successo nel mercato del lavoro artistico, sia in Italia, sia all’estero.

Gypsy Musical Academy

Via Pagliani 25

Torino

Info 0110968343

Mara Martellotta

Al teatro Baretti la pièce teatrale “Il corpo consapevole” di Annie Baker

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La commedia “Il corpo consapevole” di Annie Baker, per la traduzione di Monica Capuani, torna per la seconda stagione al teatro Baretti, prodotta dal Teatro Nazionale di Genova per la traduzione di Silvio Peroni. Il testo è stato scritto dall’autrice americana, Premio Pulitzer 2014 per “The Flick”, andrà in scena da mercoledì 14 gennaio a venerdì 16 gennaio (sold out), e da mercoledì 21 gennaio a venerdì 23 gennaio prossimi (sold out).

Dopo il grande successo di pubblico e critica della scorsa stagione, il Baretti riprogramma lo spettacolo di Annie Baker, una delle voci più interessanti della drammaturgia contemporanea. Nella civiltà odierna il linguaggio si è complicato a tal punto da diventare un rebus, con il politically correct come ennesimo intralcio. Come farsi capire, allora? Come far ascoltare la propria voce? Questo è il dilemma dei personaggi creati da Baker. I temi che vengono proposti ne “Il corpo consapevole” sono il patriarcato, il gender gap, l’identità, la salute mentale e la ridefinizione della famiglia. Protagonista della pièce è Phyllis, docente di Psicologia in un college di Shirley, cittadina immaginaria del Vermont, che organizza una settimana accademia intitolata “Il corpo consapevole”, che vede partecipare artisti provenienti da tutto il mondo. La compagna di vita è Joyce, che insegna al liceo locale e ha un figlio che presenta sintomi riconducibili all’Asperger. Arriva ospite per la settimana de “Il corpo consapevole” il fotografo Franck Bonitatibus, che crea scompiglio nel precario equilibrio domestico, chiedendo alle donne che ritrae di spogliarsi. Protagonisti in scena gli attori Olivia Manescalchi, Samuele Migone, Valentina Virando e Sax Nicosia, da due anni anche direttore artistico del Baretti.

Spettacoli alle ore 21 tranne il venerdì, alle ore 20

Biglietteria online: eniticket.it – prevendita in cassa nei giorni di apertura della sala o prima dell’inizio dello spettacolo

Mara Martellotta

Zvanì (Pascoli), un bel film: così la RAI fa servizio pubblico

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Studiare, studiare, empirmi l’anima di poesia diceva Pavese.
Ieri sera chi ha visto ZVANI’ ,come si dice Giovanni in romagnolo, il film dedicato a un grande poeta maltrattato a volte a Scuola. Mi auguro che lo abbiano visto gli insegnanti di lettere delle Medie e Medie superiori e abbiano capito meglio la grande sensibilità del ragazzo, cui uccidono il padre mentre ritornava a casa sul calesse portando la bambola in dono alle figlie. Il film ci ha riempito di poesia e ci ha dato delle pennellate di storia della Letteratura, dal giudizio fortissimo di Pascoli su Virgilio al rapporto tra Carducci e il divin romagnolo l’incontro con D’Annunzio , che ritiene Pascoli secondo solo a Petrarca. L’immagine dei bambini che leggono San Lorenzo sulla bara del poeta,  una vetta della delicatezza e del sentimento. A chi non si è fatto corrompere dal cinismo dell’epoca moderna suggerisco un tour nei luoghi del Pascoli e in particolare la visita a Villa Torlonia a S. Mauro Pascoli e il museo. Chiusi in macchina ,con chi volete Voi , guardate il viale della Cavallina storna e leggete ad alta voce la piu bella poesia dedicata da un figlio al proprio papà , fatto uccidere da un affarista senza scrupoli e anima. Cara RAI una grande serata di servizio pubblico. Chi lo ha perso lo può rivedere  su Rai play
Mino Giachino
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