Di Renato Verga

Il Macbeth di Giuseppe Verdi rappresenta la prima, decisiva immersione del compositore nel teatro di William Shakespeare, cui tornerà più tardi con Otello e Falstaff, mentre un progettato Re Lear resterà incompiuto. È un momento di svolta: Verdi sceglie un soggetto cupo, tragico, dominato dall’analisi psicologica e dall’elemento soprannaturale, rinunciando in parte alle convenzioni più rassicuranti del melodramma italiano. La centralità non è più l’esibizione vocale, ma il dramma.
Il libretto di Francesco Maria Piave non convinse pienamente il compositore, che chiese l’intervento di Andrea Maffei, raffinato traduttore di Shakespeare e Schiller. Il contributo di Maffei non fu strutturale, ma qualitativo: intervenne nei passaggi cruciali elevandone la resa poetica e rafforzando l’aderenza all’originale shakespeariano. Emblematico è il coro “Patria oppressa!” dell’atto IV, che nel clima del Risorgimento italiano assunse un forte valore simbolico, non lontano da quello del celebre “Va’ pensiero” del Nabucco.
Dal punto di vista musicale, Macbeth segna uno scarto rispetto alla produzione coeva. Verdi non elimina le forme tradizionali (cavatina, cabaletta, concertato), ma le trasforma dall’interno, comprimendole e svuotandole della loro funzione meramente virtuosistica. L’opera tende verso una maggiore continuità teatrale: parola, gesto e suono convergono in una sintesi tragica di sorprendente modernità. L’orchestrazione si fa più densa e scura; cromatismi insinuanti e impasti cupi di legni e ottoni creano un paesaggio sonoro inquietante. Il coro, in particolare quello delle streghe, non è elemento decorativo ma forza propulsiva dell’azione, incarnazione collettiva del destino.
Dopo la prima versione del 1847, presentata al Teatro della Pergola di Firenze, Verdi rielabora profondamente l’opera nel 1865 per il Théâtre Lyrique di Parigi. Non si tratta di semplici ritocchi, ma di una vera revisione strutturale. Vengono aggiunti i ballabili, secondo le consuetudini parigine; Lady Macbeth ottiene una nuova aria, “La luce langue”, che ne approfondisce la dimensione demoniaca e introspettiva; il coro “Patria oppressa!” viene rielaborato con maggiore intensità; il finale è completamente riscritto: scompare l’aria di morte di Macbeth, che ora muore fuori scena, e l’opera si chiude con un grande coro trionfale.
Questa revisione comporta anche un’evoluzione psicologica dei personaggi. Il Macbeth del 1847 conserva tratti ancora eroici e legati alla tradizione baritonale; quello del 1865 è più tormentato, più introverso, meno incline all’affermazione vocale. Lady Macbeth diventa ancora più centrale e moderna, figura di inquietante complessità. L’oscurità psicologica si accentua, anticipando il teatro maturo di Otello.
Nelle recenti rappresentazioni al Teatro Regio di Torino, Riccardo Muti sceglie coerentemente la versione parigina, come già in precedenti occasioni alla Scala, al Maggio Musicale Fiorentino e all’Opera Academy di Tokyo. La sua lettura è severa, concentrata, quasi ascetica: la musica serve la parola con rigore assoluto. I tempi sono serrati, il lirismo ridotto all’essenziale, la tensione drammatica costante. Rispetto alla trasparenza timbrica e al respiro lirico di Claudio Abbado, Muti privilegia l’introspezione e la precisione espressiva. Le streghe risultano più ambigue che telluriche; la tragedia diventa interiore.
A Torino il maestro ripristina anche i ballabili, raramente eseguiti oggi. La regia di Chiara Muti punta su un impianto visivo simbolico e ricco di elementi scenici, con un’estetica che insiste sull’elemento soprannaturale. Pur tecnicamente curata — efficace, ad esempio, l’apparizione del fantasma di Banco — la messa in scena tende talvolta all’accumulo iconografico, mentre l’opera sembrerebbe giovarsi di maggiore sobrietà.
Sul piano vocale spicca Lidia Fridman come Lady Macbeth: timbro aspro, fraseggio incisivo, forte presenza scenica, in linea con la richiesta verdiana di una vocalità anti-ornamentale, capace di rendere l’allucinazione e la ferocia del personaggio. Luca Micheletti offre un Macbeth misurato e tormentato, più attento al declamato che all’enfasi. Buona la prova di Giovanni Sala come Macduff e del coro del Regio, particolarmente efficace in “Patria oppressa!”.
Lo spettacolo ha riscosso un grande successo di pubblico, confermandosi come uno degli eventi centrali della stagione torinese: un incontro tra un capolavoro di svolta del primo Verdi e una lettura interpretativa rigorosa, che ne esalta la dimensione tragica e morale.