ARTE

In occasione di EXPOSED Torino Photo Festival, fino al 2 giugno, la project room di CAMERA ospita la mostra dedicata a Toni Thorimbert, dal titolo “Donne in vista”. Il progetto, ideato da Luca Beatrice, nasce come omaggio del fotografo italo-svizzero e di Valter Guadagnini, direttore artistico di EXPOSED, all’amico prematuramente scomparso lo scorso anno. Il progetto espositivo raccoglie una selezione di circa 60 fotografie, tutte dedicate alla figura femminile. Realizzate nell’arco di oltre trent’anni di attività, gli scatti ritraggono figure celebri e altre anonime, mettendo in evidenza la capacità del fotografo di muoversi tra registri diversi. L’allestimento si muove fluidamente tra ritratti ufficiali, scatti privati e fotografie di moda, dimostrando la capacità di Thorimbert di catturare l’essenza del soggetto oltre la superficie dell’immagine. In mostra convivono figure note della cultura e dello spettacolo, accanto a don e comuni, tutte accomunate da una ricerca  estetica capa e di esaltarne la presenza e l’identità. Il percorso si snoda attraverso immagini cardine e simboliche: i ritratti della madre e della figlia dell’autore. Due fotografie che condensato il senso del progetto e suggeriscono una riflessione sulla fotografia come spazio in cui esperienza personale e ricerca della bellezza si incontrano, indipendentemente dal soggetto ritratto e dal contesto.Tra le figure pubbliche ritratte da Thorimbert ricordiamo Victoria Avril, Francesca Neri, Natalia Ginzburg, Inge Feltrinelli, Ornella Vanoni, Eleonora Giorgi, Nancy Brilli e Monica Bellucci. Attraverso la ricerca della bellezza, Thorimbert narra la propria esistenza e il proprio sguardo sul mondo, celebrando il corpo e il volto femminile come custodi di storie e una memoria visiva senza tempo, radicata nella vibrante atmosfera di Milano e non solo.

Mara Martellotta

CSA Farm Gallery annuncia l’apertura della mostra intitolata “Tra indivisibile e dicibile” sabato 23 maggio prossimo alle ore 17. Si tratta di un progetto espositivo articolato, che vede protagonisti due interpreti rigorosi della ricerca contemporanea, Bruno Mangiaterra e Enzo Bersezio. L’evento è anche curato da un saggio critico di Gianfranco Ferrisi. Il progetto si sviluppa attraverso una narrazione complementare in due spazi distinti. Presso CSA Farm Gallery, Bruno Mangiaterra presenterà la sua ricerca in una mostra personale che ne ripercorre alcune tappe fondamentali; contemporaneamente, nell’Atelier Bersezio, le sue opere si porranno in un incontro diretto e serrato con quelle di Enzo Bersezio. Secondo l’analisi di Gianfranco Ferlisi, le opere in mostra non sono semplici esiti formali, ma processi di attraversamento. Per Bruno Mangiaterra l’arte è interrogarsi in maniera radicale sul linguaggio: la sua r8cerca affonda le radici nel dialogo con k’arte povera e il concettualismo, e abita l’incompiuto in ma ieri deliberata. L’atto artistico è un movimento continuo che cerca di intercettare la vibrazione poetica del mondo ancor prima che diventi parola definita. Le sue opere si possono considerare eventi contingenti, tracce di una adorazione laica che sfida la soglia fra l’estetica e una dimensione cosmogonica originaria. In questo spazio di tensione si inserisce l’opera di Enzo Bersezio, incentrata sull’architettura invisibile della creazione. Ispirandosi alla suggestione secondo cui il mondo è stato creato attraverso la parola e il segno, Bersezio utilizza i numeri primi e le lettere dell’alfabeto ebraico quali punti cardinali. Nelle sue sculture lignee, il numero smette di essere quantità per diventare matrice generativa. L’artista utilizza il legno inciso e lavorato, che allude a una grammatica segreta della realtà che l’uomo non crea ma tenta di interpretare.

L’incontro fra i due artisti è significativo perché crea un campo magnetico unico: se in Mangiaterra il linguaggio tende a diffondere il dicibile, in Bersezio il numero e la materia tendono a tenere e concentrare l’indivisibile.

“Forse l’opera non è altro che questo – scrive il critico Ferlisi – un tentativo di leggere, facendo arte, ciò che è stato scritto. Nei numeri che non si dividono, nelle lettere che non tacciono, nella materia che trattiene memoria. La mostra rimarrà aperta nella sua sede di via Vanchiglia 36, interno cortile, fino al 20 giugno, offrendo un’opportunità unica per offrire la ricerca di Mangiaterra e il suo dialogo elettivo con la poetica di Bersezio”.

Info: “Tra indivisibile e dicibile” – Bruno Mangiaterra e Enzo Bersezio – CSA Farm Gallery, inaugurazione sabato 23 maggio, via Vanchiglia 36, interno cortile. Da mercoledì a sabato dalle 16 alle 19.30 – info@csafarmgallery.it

Mara Martellotta

Il Museo MIIT di corso Cairoli 4, a Torino, parteciperà alle iniziative del Salone OFF con una serie di appuntamenti che prenderanno il via a partire da sabato 9 maggio, alle ore 17, quando nelle sale del museo avverrà l’incontro tra il direttore dello stesso, Guido Folco, e l’autrice mezzosoprano Gabriella Vai, nota per la sua partecipazione al programma Rai “The Voice Senior”, in cui e stata finalista ottenendo un importante successo popolare e di critica. Si tratta di un evento in cui la scrittrice-cantante parlerà dei suoi libri “The voice therapy. Riflessioni, Resilienza, Rinascita”, un libro agile, ma intenso, ricco di domande e risposte, di soluzioni e coraggio, un percorso di rinascita interiore nato inaspettatamente, e di “Merinophilia. Omaggio ad Alda Merini”. In collaborazione con ArteMaextra.

Mercoledì 13 maggio, alle ore 17, sempre al Museo MIIT, Guido Folco incontrerà l’autrice Marina Ramonda per raccontare il libro “Tutto è possibile…non ti preoccupare”, in collaborazione con Zona Nove.
Si tratta di un libro intenso in cui si intrecciano storie reali di vita e di amicizia. L’autrice racconta con piglio giornalistico, diretto, romantico, l’amicizia e la storia con una persona speciale, Santina Portelli, artista e psicologa, che ha interpretato la propria difficile condizione fisica come strumento di crescita e sfida personale e sociale, contribuendo con la sua passione e il suo entusiasmo a far riflettere sulla forza dell’amicizia e della resilienza.
Martedì 19 maggio alle ore 17 presso il Museo MIIT si terrà, in corso Cairoli 4, l’incontro tra il direttore del museo, Guido Folco, e l’autore Miki Degni in occasione della pubblicazione del volume “Il vino dipinto”, in collaborazione con Ronca Editore. Si tratta di un volume che parla di vino e di arte, tra storie, tradizioni, saperi e sapori di terra e di autunno.
Il direttore del MIIT Guido Folco incontrerà alle 18 l’autore ed editore  Dino Aloi, in collaborazione con Il Pennino, per la presentazione del volume dal titolo “Sorridere dopo gli anni bui. L’esplosione dei giornali satirici in Italia dal ’43 al ‘49”.
Il libro è  dedicato all’arte satirica in Italia tra il ’43 e il ’49, periodo nel quale si svilupparono e pubblicarono innumerevoli fogli, volumi e riviste che prendevano spunto dalla società e dalla storia del periodo per raccontare e disegnare a loro modo una realtà spesso “scottante” e molte volte taciuta, sfidando i sentimenti comuni dell’epoca.

Per informazioni info@italiaarte.it

www.museomiit.it

Mara Martellotta

Dal 9 maggio al 13 settembre, presso la Castiglia, la 18esima edizione di Saluzzo Contemporanea è dedicata alla mostra “Tracciando il sentiero”; dal 9 al 17 maggio, presso Il Quartiere, si tiene la 31esima mostra di arte contemporanea “Power by Paratissima”

Sabato 9 maggio la decima edizione di START apre uno dei capitoli più attesi, quello dedicato all’arte contemporanea, con due mostre collettive, in due luoghi simbolici di Saluzzo, attraverso una doppia inaugurazione che trasformerà il pomeriggio in un percorso capace di attraversare linguaggi, visioni e sensibilità differenti, tutte riconducibili al tema di questa edizione, il “Rencontre”, inteso come incontro, confronto e confluenza fra pratiche artistiche e modi di abitare il presente. L’avvio sarà alle 17.30 alla Castiglia, in piazza Castello 1, dove la Fondazione Garuzzo inaugurerà la 18esima edizione della Saluzzo Contemporanea con la mostra collettiva “Tracciando il sentiero. Arte, ambiente e visione del futuro”, realizzata in collaborazione con il Trigenia Award-Premio per l’Arte Contemporanea, promosso da Trigenia Energy Company e curata dalla galleria Craig di Torino.

Il progetto presenta il lavoro di 26 artisti in dialogo con le opere dell’Esposizione e Collezione Permanente della Castiglia, chiamando in causa l’arte come spazio di responsabilità di fronte alle trasformazioni del mondo contemporaneo, dalle crisi ecologiche alle accelerazioni tecnologiche fino all’interazione fra esseri umani e intelligenza artificiale. Il fil rouge della mostra è l’energia intesa come principio di trasformazione, non solo in senso fisico, ma come forza  he attraversa sistemi naturali e dinamiche sociali. Il pubblico viene invitato a muoversi tra la dimensione materiale e la sua implicazione simbolica, attraverso la pittura, l’installazione, la fotografia, la scultura e i video, grazie ai quali le opere si configurano come processi in divenire piuttosto che come forme concluse. Accanto alla mostra, che resterà aperta fino al 13 settembre, saranno presenti una serie di momenti performativi e di incontri.

Tra i tanti artisti in mostra figurano Daniela Accossato, Maura Banfo, Domenico Borrelli, Botto e Bruno, Alessandro Cardinale, Jacopo Martinotti, Giacomo Modolo, Mattia Novello, Emanuele Pagnagnini, Sebastiano Pallavisini, Fabio Riaudo, Fabio Roncato e Marzio Zorio.

Dalle ore 18.45 il percorso si sposta a “Il Quartiere”, in piazza Montebello 1, per il vernissage della 31esima mostra di arte contemporanea Powered by Paratissima, a cura di Alessandra Villa, visitabile fino al 17 maggio e a ingresso gratuito, il sabato dalle 15 alle 19 e la domenica dalle 10 alle 19. La mostra è nata da una call pubblica che ha raccolto oltre 100 candidature da tutta Italia, e comprende 35 artisti italiani e internazionali, chiamati a confrontarsi sul tema “Rincontrarsi”, il ritorno a sé, alle relazioni, ai paesaggi interiori e ai luoghi della memoria.

“L’obiettivo principale come curatrice è stato quello di esplorare il reincontro come pratica di ascolto, trasformazione e appartenenza spiega Alessandra Villa – la selezione degli artisti nasce dal desiderio di costruire un dialogo equilibrato tra prospettive e sensibilità diverse, accomunate da una riflessione sulle molteplici forme di connessioni con i luoghi, con la memoria e con l’altro”.

La mostra dedica particolare attenzione alle installazioni video e alla fotografia, intesi come linguaggi capaci di restituire l’intensità dell’esperienza e della relazione. In questo modo si conferma, per il quinto anno consecutivo, la collaborazione tra Paratissima e Fondazione Amleto Bertoni, un progetto che ha coinvolto in cinque edizioni 174 artisti attraverso il lavoro di tre diversi curatori.

Tra gli artisti selezionati vi sono, tra i molti, Simona Bartalucci, Matteo Branconi, Alvaro e Santi Caleca, Diana Casmiro, Cement Blanche, Chelidon Frame, Marina Comerio.

Mara Martellotta

Il programma espositivo di CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia inaugura il primo ciclo di mostre del neodirettore artistico François Hébel con due mostre originali, dopo l’avvio di EXPOSED Torino Photo Festival: la prima è la grande mostra in Italia dedicata al maestro del colore, Il belga Harry Gruyaert, dal titolo “Retrospettiva”, e un’esposizione originale nella project room dedicata al più importante grafico svizzero che lavora con la fotografia, Werner Jeker.

Dal 18 giugno al 4 ottobre prossimo, CAMERA presenta la prima grande retrospettiva in Italia di Harry Gruyaert, tra i maggiori protagonisti della fotografia contemporanea. Nato in Belgio nel 1941, membro di Magnum Photos, Gruyaert è stato uno dei primi fotografi europei, tra gli anni Settanta e Ottanta, a conferire al colore una dimensione puramente creativa, non più descrittiva ma percettiva ed emotiva, capace di costruire una visione radicalmente grafica del mondo. In un’epoca in cui la fotografia veni a celebrata in bianco e nero, il suo lavoro si inserisce nel solco tracciato da autori americani come Saul Leiter e William Eggleston. Articolata secondo un percorso cronologico, la mostra si apre con la celebre serie televisiva “Shots”, che mette in dialogo fotografie e prime trasmissioni televisive a colori, proseguendo con l’evoluzione del suo linguaggio visivo, influenzato da numerosi viaggi: ogni luogo si distingue per le sue immagini e per specifiche qualità cromatiche. Dalla pellicola Codachrome e dalla stampa Cibachrome del XX secolo, fino alle possibilità offerte dal digitale del XXI secolo, la ricerca di Gruyaert testimonia una costante esplorazione del colore come esperienza fisica e sensoriale.

“Il colore è più fisico del bianco e del nero – spiega l’artista […] – con il colore si deve essere colpiti dalle diverse tonalità che esprimono una situazione”.

Formatosi alla Scuola di Cinema e Fotografia di Bruxelles, Gruyaert si trasferisce a Parigi nei primi anni Sessanta, dove incontra figure decisive come Peter Knapp e Robert Delpire. Dopo le prime esperienze, individua nel viaggio il fulcro della propria ricerca a, individuando come luogo chiave del suo lavoro il Marocco, vissuto come spazio di rivelazione in cui paesaggio e presenza umana si fondono in una percezione unitaria. Nel corso della sua carriera, Gruyaert sviluppa un linguaggio più ispirato alla pittura e al cinema che alla fotografia stessa, dando forma a immagini in cui luce, colore e composizione prevalgono su ogni intento narrativo.

In parallelo, la project room ospiterà una mostra “Phototypo”, dedicata a Werner Jeker, figura di riferimento internazionale nel campo della grafica applicata alla fotografia. Nato in Svizzera nel 1944, Jeker rappresenta un caso unico , considerato tra i più importanti graphic designer della sua generazione nel campo della fissione, ha sviluppato un linguaggio visivo in cui fotografia e tipografia si integrano, superando la funzione comunicativa per arrivare a una piena autonomia espressiva. Jeker è autore di oltre 800 manifesti, realizzati per differenti istituzioni culturali, e collaborato con importante realtà internazionali e con fotografi del calibro di René Burri, Raymond Depardon, Henry Cartier Bresson. La mostra presenta una selezione significativa dei suoi lavori, con una particolare attenzione ai manifesti che incorporano l’immagine fotografica come elemento strutturale della composizione. Il suo approccio si distingue per un intervento calibrato sull’immagine, che ne preserva l’integrità documentaria, mentre ne amplifica la forza visiva attraverso la relazione con il testo. Nel corso della sua carriera, Jeker ha ricevuto numerosi riconoscimenti, fra cui l’Infinity Award per l’uso innovativo della fotografia, ed è stato docente presso importanti istituzioni europee.

CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia- via delle Rosine 18, Torino – www.camera.to

Mara Martellotta

Dal 8 al 10 maggio Ad Maiora Art (Via Santa Maria 4/c) ospita Giancarlo Rubino con la mostra personale Altari profani.
Un percorso pittorico tra immaginario gotico e atmosfere gloom, in cui il chiaroscuro diventa linguaggio per indagare il ruolo del pittore nella contemporaneità.
Al centro, il tema del sacrificio dell’artista e, più in generale, della condizione dell’arte oggi: tra necessità espressiva, difficoltà e una frequente incomprensione nel presente.

Testo raccolto da Enzo Grassano