CULTURA E SPETTACOLI

Prove generali al teatro Agnelli il 16 gennaio prossimo e la prima nazionale a Modena il 18 gennaio

Il colloquio di lavoro non è mai stato così divertente. Il 16 gennaio prossimo, al teatro Agnelli di Torino, si terranno le prove generali di “Le faremo sapere”, il primo progetto di formazione teatrale che trasforma il tema dei colloqui di selezione in una commedia coinvolgente, abbinata a un seminario formativo interattivo. L’evento torinese, riservato agli studenti dell’ultimo anno delle scuole superiori della città, rappresenta un momento d’orgoglio per il capoluogo piemontese: la produzione è infatti totalmente torinese. Prima che il progetto inizi il suo tour nazionale, con tappe a Modena, Parma e Milano, si è voluto partire proprio da Torino. “Le faremo sapere” è un progetto di didattica integrata prodotto da You-Mans Italia, dove formazione e intrattenimento si fondono in un’esperienza divertente e inedita. La struttura prevede 90mminuti di commedia seguiti da 60 minuti di formazione interattiva con l’utilizzo dei telefoni in platea, più podcast formativi scaricabili con qrcode.

“Vogliamo rovesciare gli stereotipi più classici sul colloquio di lavoro – spiega Andrea Romanelli, ideatore del progetto e direttore delle Risorse Umane – il colloquio non è l’audiolibro del vostro curriculum, ma un momento di verità dove forza e fragilità emergono sempre, e imoarare ad affrontarlo può cambiare la vita di questi ragazzi”.

Attraverso una storia forte, personaggi interessanti e tante risate, la commedia racconta le difficoltà di una giovane donna e un giovane uomo alle prese con un difficile colloquio di lavoro, che per magia dovranno fare e rifare un giorno dopo l’altro. Alla fine i due giovani impareranno ad affrontare un colloquio di selezione e qualcosa di molto importante su loro stessi. Tra i protagonisti anche un robot barista, il cui unico sogno è quello di poter fare colloqui di lavoro. È lui il narratore della storia, che guiderà il pubblico tra sogni rivelatori, il,confronto don due amici reclutatori, la possibilità di un amore e molte risate.

Il progetto nasce dalla collaborazione tra Andrea Romanelli, l’autore Zelig Bruno Furnari e lo sceneggiatore cinematografico Mario Mucciarelli, tra le cui opere recenti figurano una biografia su Woody Allen e la sua attività di podcaster per il programma “Non c’è niente da ridere”. In scena Nicola Coradazzi, Roberta Marotta e Luca Pallaro. Luci e scenografie di Davide Allena, costumi di Dario Bellotti, aiuto regia di Giorgio Andolfatto.

Eventi: giovedì 15 gennaio ore 14.30 al teatro Agnelli – evento riservato a Enti, dirigenza scolastica e stampa – venerdì 16 gennaio ore 9.30 – prove generali per le Scuole Superiori di Torino. Posti ancora disponibili.

Mara Martellotta

Ha riscosso un notevole successo il primo appuntamento del focus che l’Istituto Italiano di Cultura di Parigi ha deciso di dedicare al Teatro Stabile di Torino  e in particolare al suo direttore artistico junior, Diego Pleuteri.
Martedì 13 gennaio scorso è  andata in scena la pièce scritta da Pleuteri, diretta da Leonardo Lidi, regista residente del TST, e interpretata da Alessandro Bandini e Adolfo De Vreese. Si è trattato di una commedia sull’amore nel XXI secolo che, forte del successo riscosso in Italia negli ultimi due anni, si è affacciata per la prima volta sulla scena europea, raggiungendo la capitale francese.
Questo speciale capitolo di programmazione, dedicato ai talenti emergenti della produzione teatrale italiana,  porterà a giugno nei saloni aulici dell’Hotel de Galliffet, storica sede dell’Istituto Italiano di Cultura di Parigi, altri due testi di Pleuteri, “Tutto in me è amore” il 9 giugno prossimo , scritto in occasione del centenario della morte di Piero Gobetti, prossimo al debutto torinese del 27 gennaio, e “Madri” (17 giugno), già vincitore del Premio Internazionale per la drammaturgia Eurodram.
Sempre a giugno sono previsti due appuntamenti dedicati a Matthias Martelli e Dario Fo, di cui nel 2026 si celebra il centenario della nascita, con lo storico allestimento di “Mistero Buffo” ( 10 giugno) e la nuova produzione del TST Lu Santo Jullàre Françesco (11 giugno), realizzato per gli ottocento anni del patrono d’Italia.

Mara   Martellotta

L’ opera simbolo di speranza viene presentata nel Giorno della Memoria al Piccolo Regio Puccini con le giovani voci del Teatro Regio

“Brundibár”

Il Teatro Regio che, da anni, partecipa alle iniziative legate al Giorno della Memoria, propone sabato 24 e domenica 25 gennaio alle ore 16, un’opera per bambini dal titolo “Brundibár” di Hans Krása, su libretto di Adolf Hoffmeister, nella versione in lingua italiana di Clara e Daria Domenici.

Lo spettacolo sarà introdotto da una presentazione e da una proiezione del documentario “Terezín, la città che Hitler regalò agli ebrei”, a cura di Michele Bongiorno, con la regia di Jan Roncà. Lo spettacolo avrà una durata di un’ora e quindici minuti ed è rivolto ad un pubblico di bambini a partire dai dieci anni. Giovanissimi anche gli interpreti delle parti cantate, tutte scritte per voci bianche.

Brundibár va in scena al Piccolo Regio Puccini nell’ambito della stagione al Regio “In famiglia” sia sabato 24 sia domenica 25 gennaio alle ore 16 e in tre appuntamenti riservati alle scuole martedì 27, mercoledì 28 e venerdì 30 gennaio alle ore 10.30, quest’ultima data aggiunta a grande richiesta, dopo il tutto esaurito dei primi due.

A firmare la regia dello spettacolo è Matteo Anselmi, i costumi sono di Laura Viglione e leluci di Lorenzo Maletto. Il maestro Claudio Fenoglio accompagnerà al pianoforte, dirigendo i Solisti del Coro di Voci Bianche del Regio e il Coro di Voci Bianche del Teatro.

La produzione del Teatro Regio, realizzata interamente con i giovani Solisti del Coro di Voci bianche e il Coro di Voci bianche diretto da Claudio Fenoglio, rappresenta un progetto unico che celebra la musica come linguaggio universale e strumento di memoria. In scena i ragazzi non soltanto interpretano Brundibár, ma trasmettono anche una narrazione di speranza che coinvolge diverse generazioni.

La regia di Matteo Anselmi intreccia l’immaginario dell’infanzia con le sfide della realtà, trasformando lo spettacolo in un’esperienza intensa e formativa per il pubblico come per gli interpreti e mettendo in luce il talento e il lavoro dei giovani artisti del Regio. Si tratta di un’opera per bambini eseguita da bambini.

La memoria della Shoah ancora oggi evoca immagini terribili di prigionieri ridotti allo stremo, bambini con i numeri incisi sulla pelle, file interminabili di baracche, l’orribile scritta “Il lavoro rende liberi”, che sovrasta il campo di sterminio di Auschwitz. L’immensa macchina di annientamento nazista coinvolse anche altre realtà meno note, come il ghetto modello di Terezín ( Theresienstadt), dove l’apparente normalità celava un disegno atroce.

Questa fortezza, vicino a Praga, fu costruita nel 1780 dall’imperatore Giuseppe II come tributo alla madre Maria Teresa. Nel 1941 il governo nazista trasformò la città in un campo per ebrei ritenuti non idonei al lavoro forzato e destinati ai campi di sterminio. La città fortificata fu trasformata in un ghetto modello ma, nonostante un’apparente facciata di vita sociale e culturale, con spettacoli, concerti e rappresentazioni artistiche, al suo interno si consumavano  condizioni disumane di sovraffollamento, fame e malattia che causarono un numero impressionante di decessi. Dei 141mila prigionieri passati per Terezín, circa 33.500 morirono nel ghetto, la restante parte fu deportata verso i campi di sterminio. Tra i prigionieri  si contadino anche 15 mila bambini, di cui pochissimi sopravvissero.

Il ghetto accolse, oltre ai deportati provenienti da ogni angolo d’Europa, anche intellettuali e artisti di fama internazionale, scrittori, poeti, musicisti, attori e, contrariamente alle aspettative, l’attività culturale non si spense ma fu incoraggiata dai nazisti come mezzo di propaganda. Terezín divenne, tra spettacoli teatrali, opere e concerti, teatro di una resistenza creativa, in cui l’arte si contrapponeva alla disperazione.

Quando nel 1944 la Croce Rossa Internazionale effettuò un’ispezione programmata dalle autorità naziste, lo scopo era quello di mostrare un’immagine fittizia di normalità, negozi finti, scuole improvvisate e falsi spazi pubblici che furono allestiti per ingannare i visitatori. Terezín divenne persino oggetto di un documentario di propaganda dal titolo “ Il Führer dona una città agli ebrei”, che mostrava un’apparente vita serena. Ma Terezìn era solo una tappa verso l’abisso di Auschwitz. Lo scrittore e musicista Viktor Ullman descrisse questa lotta come il tentativo di “trovare ordine nel caos attraverso l’arte”.

Fra le creazioni artistiche più celebri nate a Terezìn spicca l’opera per bambini Brundibár,  composta dal musicista Hans Krása su libretto del poeta Adolf Hoffmeister.

Hans Krása, nativo di Praga, era un compositore di talento formatosi tra Parigi e Berlino, poi deportato a Terezín e quindi a Auschwitz,  dove perse la vita nel 1944. L’opera fu scritta nel 1938 per un concorso musicale, ma l’occupazione nazistane impedì l’esecuzione pubblica. La prima rappresentazione avvenne nel 1941 presso un orfanotrofio ebraico di Praga e successivamente fu eseguita più di cinquanta volte a Terezìn, divenendo simbolo di speranza e resistenza per i piccoli prigionieri, fatto rilevante Hoffmeister, l’unico sopravvissuto del cast iniziale. Invitato a Londra per ricevere un premio proprio per Brundibár, sfuggì all’arresto e alla deportazione. Il valore simbolico di Brundibár supera il contesto narrativo: l’opera, pur nella sua semplicità, rappresenta il trionfo della solidarietà e dell’innocenza contro l’oppressione e il male. Brundibár, figura subdola e ingannatrice, è spesso indicata come l’incarnazione del dittatore nazista, mentre i bambini riaffermano la loro dignità umana e la forza della speranza.

“In famiglia 2025-2026” presenta spettacoli, opere e concerto pensati per il pubblico più giovane e per i nuclei familiari con condizioni di biglietteria dedicate. Accanto a titoli inerenti a questa linea, sono proposte versioni pocket di capolavori di repertorio, per avvicinare al mondo del teatro musicale. Il prossimo appuntamento sarà con “Il Piccolo Principe”, opera per bambini di Pierangelo Valtinoni su libretto di Paolo Madron, in scena il 13,14, 15 e 22 marzo e il 18 e 19 di aprile prossimi.

Biglietti: ridotto under 16 – 10 euro / intero 20 euro. Con il carnet a libera scelta, sono proposti quattro spettacoli al costo totale di 80 euro. Il carnet include l’ingresso per un adulto e un bambino, consentendo di scegliere liberamente tra le varie proposte in cartellone. In vendita online e presso i punti Vivaticket

Info: www.teatroregio.torino.it – Teatro Regio – piazza Castello 215, Torino – telefono: 0118815241 – 8815242 – biglietteria@teatroregio.torino.it

Mara Martellotta

A Cuneo torna, per il secondo anno, la rassegna documentaristica promossa da “NOAU – Officina Culturale”

Da martedì 20 gennaio

Cuneo

La serata inaugurale, martedì 20 gennaio (ore 20,30), propone al pubblico in anteprima italiana “The Life That Remains” della tunisina Dorra Zarrouk (Egitto/Arabia Saudita, 2024), racconto intimo e potente sulla fuga di una famiglia palestinese da Gaza, dopo l’inizio del conflitto seguito all’atto terroristico di Hamas del 7 ottobre 2023 (giorno del cinquantesimo anniversario dello scoppio della guerra arabo-israeliana del 1973), durante l’evento musicale di “Nova festival”.

La nuda cronaca e la potenza emotiva della narrazione cinematografica. Dal prossimo martedì 20 gennaio e ogni terzo martedì del mese fino a giugno, ritorna per il secondo anno presso il “Cinema Monviso” (via XX Settembre, 14) a Cuneo, “Mondovisioni”, rassegna di sei tra i più appassionanti e urgenti documentari su “attualità”, “diritti umani” e “informazione”, selezionati dal settimanale “Internazionale” e da “CineAgenzia” dai maggiori festival e proposti in esclusiva per l’Italia, in lingua originale con sottotitoli e accompagnati da talk con ospiti di respiro internazionale. La rassegna è promossa dalla cuneese “Noau – Officina culturale” di Piazzale della Libertà, con il patrocinio del “Comune di Cuneo” e il contributo di “Fondazione CRC”. L’ingresso alla singola proiezione costa 5 euro (possibilità di pagare in contanti o con “Satispay”, no bancomat). È possibile acquistare un abbonamento non nominativo per 6 film a 20 euro anziché 30. Coloro che sono in possesso di “buono digitale” possono convertirlo in abbonamento fisico la sera stessa. Apertura porte alle 20,15, inizio evento alle 20,30.

Al centro di tutte le proiezioni vengono affrontate, mettendo in relazione linguaggi artistici ed analisi critica, questioni centrali del nostro (spesso tormentato) tempo: conflitti armati, diritti umani, migrazioni, libertà di espressione, informazione e quant’altro.

Spiegano in proposito gli organizzatori: “Indagare il presente attraverso l’arte, creare spazi di visione critica e di confronto pubblico: è questa la traiettoria culturale di ‘NOAU’ che a Cuneo riporta, con questi chiari obiettivi, ‘Mondovisioni’. Il cinema non come semplice visione, ma come dispositivo per leggere il mondo contemporaneo”. Ogni serata è quindi pensata, in quest’ottica, come un momento di approfondimento condiviso, in cui il film apre uno squarcio riflessivo che prosegue, al termine della proiezione, nel dialogo con autori, studiosi, giornalisti, storici e testimoni diretti.

Sei opere cinematografiche, si diceva, spalmate nell’arco di sei mesi fino al prossimo giugno. Ogni terzo martedì del mese.

Al termine del primo docufilm “The Life That Remains” di Dorra Zarrouk, il talk curato da “NOAU” intreccerà cinema e poesia come “forme di resistenza”: interverranno infatti in videocollegamento il giornalista de “Il Manifesto” Mario Soldaini, curatore del volume “Il loro grido è la mia voce – Poesie da Gaza” (“Fazi Editore”) e Haidar Al-Ghazali, poeta ventunenne di Gaza. A curare il dialogo fra i due, il film maker cuneese Andrea Ceraso.

Nel corso dei mesi successivi, “Mondovisioni” proseguirà lungo le vie tortuose del “presente” spostando lo sguardo sulle migrazioni al confine tra Polonia e Bielorussia (“The Guest”), sul sistema accademico globale (“The Shadow Scholars”), sulla libertà di espressione (“The Dialogue Police”), sulla “resilienza” raccontata attraverso lo sguardo di una giovanissima protagonista messicana (“Ninxs”) e su Cuba (“Night Is Not Eternal”).

Per maggiori info sulle proiezioni e per acquistare l’abbonamento scrivere a info@noau.eu o contattare il numero telefonico 324/5955585. Aggiornamenti sulle pagine “Facebook” ed “Instagram” di “NOAU – Officina Culturale”.

Gianni Milani

Nelle foto: Manifesto del primo film “The Life That Remains” e un momento di dialogo sul palco del “Cinema Monviso” – immagine di repertorio

Al teatro Carignano, mercoledì 21 gennaio prossimo, alle 19.30, debutterà la pièce teatrale “Il lutto si addice ad Elettra” su testo di Eugene O’Neill, per la traduzione e l’adattamento di Margherita Rubino e con la regia di Davide Livermore. Saranno in scena Paolo Pierobon, Elisabetta Pozzi, Linda Gennari, Marco Foschi, Aldo Ottobrino, Carolina Rapillo e Davide Niccolini. I costumi sono di Gianluca Falaschi, le luci di Aldo Mantovani, le musiche di Daniele D’Angelo. Assistente alla regia Mercedes Martini. Lo spettacolo, prodotto dal Teatro Nazionale di Genova, rimarrà in stagione al Teatro Stabile di Torino fino al 25 gennaio prossimo.

Dopo aver messo in scena due anni fa l’Orestea, Livermore ha scelto il dramma di O’Neill, che costituisce un’interessante rilettura della trilogia di Eschilo, naturalmente aggiornata al Novecento e trasferita nell’America alla fine della guerra di secessione, con la psicanalisi freudiana che si sostituisce al giudizio degli dei, mentre il processo pubblico di Eschilo lascia il posto a un altro che si consuma nell’interiorità dei personaggi. Lo spettacolo si rifà a uno dei drammi simbolo della letteratura novecentesca, scritto nel 1931, che rappresenta un affascinante e inquietante viaggio tra mito archetipico e moderna psicanalisi, tra dramma borghese e tragedia classica. L’opera torna in scena a distanza di quasi trent’anni dal celebre allestimento di Luca Ronconi, datato 1997, che vedeva nel cast Elisabetta Pozzi nel ruolo di Lavinia, affidato in questo nuovo allestimento a Linda Gennari. In questa lettura di O’Neill l’attenzione del regista si è rivolta agli attori, calati in una scenografia fissa, uno spazio chiuso e profondo, con una regia semplice, asciutta, senza spettacolarità, quasi cinematografica.

“L’operazione di O’Neill – afferma David Livermore – è stata geniale. Fondare il teatro contemporaneo americano partendo dalla più grande trilogia della storia, di Eschilo, che parla alla contemporaneità in modo potente. Parla di eredità, di drammi e traumi familiari, anche a chi crede di non averne. Per me questo testo è l’affermazione della tragedia nella nostra epoca. La Tragedia non è qualcosa di immobile, si muove, si adatta in maniera plastica alla contemporaneità in cui viene riscritta. 2500 anni dopo, O’Neill non può non constatare il cambiamento della società, il senso collettivo non è più rappresentato dalla polis ma dall’individuo, ciascuno deve illuminare la propria strada ed essere tribunale di sé stesso. Nella tragedia di O’Neill, la componente freudiana si sostituisce alla presenza degli dei, e allora quel senso di giustizia assoluto e divino, cui tendeva il tribunale descritto da Eschilo, viene sostituito da un cammino di responsabilità personale che deve sorgere all’interno dello spettatore. Questa è la catarsi de ‘Il lutto si adduce ad Elettra’: l’indignazione, il rigore morale, la coerenza e il senso di azione che devono scaturire concretamente nella vita di ogni uomo. Pensiamo al coro, tanto potente nella tragedia classica: O’Neill prova a mantenerlo, ma non è più un coro che commenta, non più la collettività che giudica moralmente gli eventi. Quel che resta è poco più di un chiacchiericcio. L’Ottocento della fine della guerra di secessione, in cui è ambientato il dramma di O’Neill, perde i contorni per diventare una storia esasperata e amplificata. Abbiamo tolto la caratterizzazione storica a favore di quella psicologica dei personaggi, mettendo il fuoco sulla storia, le parole e le interpretazioni degli attori per uno dei migliori cast che ho avuto nella mia vita, fatto non solo di nomi, ma di interpreti che calzano perfettamente ai personaggi”.

Nell’edizione di Ronconi di trent’anni fa, Elisabetta Pozzi aveva vestito i panni di Lavinia, accanto a Mariangela Melato, straordinaria Christine.

Teatro Carignano – piazza Carignano 6, Torino

Orari: mercoledì, giovedì, venerdì e sabato ore 19.30 / domenica ore 16.

Biglietteria: Piazza Carignano 6, Torino – 011 5169555 – biglietteria@teatrostabiletorino.it

Mara Martellotta

Repliche al Carignano sino a domenica 18 gennaio

In una recente intervista (a Silvia Francia, nelle colonne de La stampa), Giorgio Pasotti ha sottolineato come nel mettere in scena, per lo Stabile d’Abruzzo di cui è direttore, “Otello”, abbia “voluto rendere questa storia più vicina alle nuove generazioni, più comprensibile per loro”. Ovvero riproporre quel “dramma di passioni, gelosie e tradimenti” – ci verrebbe da dire, con “tutti i particolari in cronaca”, come Scola – che da quattro secoli calca i palcoscenici di mezzo mondo. Ovvero la decisione – squinternata, azzardata, sempre più personalistica – di sfrondare, di attualizzare – termine che ormai s’accomoda in tutte le stagioni teatrali -, di defraudare, là dove tutto fa rima con banalizzare: chiamando all’appello Dacia Maraini a comporre una nuova drammaturgia, con buona pace del vecchio Willy a “rimodellare” il testo. Qualsiasi testo, che di questi tempi ci siamo abituati a vedere ormai rivoltato come un calzino, contraffatto, ripensato a piacimento di qualcuno che dall’oggi al domani decide di prendere in mano le redini di uno spettacolo, rabberciato, confezionato secondo l’idea principe del momento: ma svilito per carità no, un capolavoro fatto a pezzi, smollito, confuso con un brutto esempio di tivù casalinga, su un palcoscenico come quello del Carignano, per la Stagione dello Stabile torinese (repliche sino a domenica 18), pare eccessivamente troppo.

Sfrondo che ti sfrondo, cambio che ti cambio, integro che ti integro, questo “Otello” pecca sin dall’inizio, pur ritrovandosi sempre inevitabilmente le patate bollenti dei femminicidi e della negritudine, da una locandina che recita “di” Shakespeare mentre dovrebbe avere il coraggio di denunciare quer pasticciaccio brutto con un più esplicito “da”, da un programmino di sala che, al di là delle dichiarazioni del metteur en scène, recita di una durata di due ore (percepite decisamente decisamente scarse) e di un intervallo che non s’è visto – mah! E allora ecco che si punta il dito e l’attenzione e si spiega a viva voce come il “Moro”, sul cui viso non c’è traccia di alcun nerofumo, sia veneziano a pieno diritto anche se mammà viene dal cuore del continente nero, come l’offeso papà della dolce Desdemona, ma altresì “snaturata e ribelle”, sia padre e padrone e soprattutto “razzista”, di chiaro stampo leghista del nordest, ecco che ti piomba sulla scena un doge tutto svolazzante, cinguettante tra qualche english word e del genere queer sin nelle midolla, freddimercureggiante con tanto di baffetti da riordinare con apposita spazzola e di unghie da abbellire con tanto di limetta. Mai dire mai (al peggio): per cui, per farci ben presente la universalità della vicenda, ecco che Otello e l’infido Iago, che come ognun sa sta tessendo una tela che più perfida non si potrebbe, culminante nella faccenda di un rosso fazzoletto, scendono a singolar tenzone, con tanto di abbigliamento nipponico fatto di braghettoni, diciamo un pigiama palazzo da gran sera, e giacchetta, il viso protetto da una maschera a griglia e tra le mani tanto di katana (nella speranza di non sbagliare, non sono del mestiere, a differenza del signor Pasotti che – leggo in rete – è un campione di arti marziali, avendo praticato e praticando karate, kobudo e wushu: perché non approfittarne sulla seicentesca isola di Cipro?), costumi – firmati da Sabrina Beretta – che ci perseguiteranno in ogni personaggio (ritrovandoti nell’incubo di non saper bene dove sei capitato stasera, se dentro “Rashomon” o “Kagemusha”), onde per cui la sempre dolce snaturata eccetera eccetera Desdy (meglio famigliarizzarcela con la prima parte del nome!) arriverà ad un certo punto come se cascasse dal mondo di Suzie Wong, con tanto di colletto alla coreana e in testa un tondeggiante cappello bianco con tanto di punta.

Mentre ci stiamo (quasi) abituando all’idea che si può fare in palcoscenico quel che si vuole – “come vi pare”, shakespearianamente parlando -, ecco che per le chiacchierate del più e del meno vengono sistemati in scena un tondo tavolino e due sedie di ferro da giardino: per farci imparati che “la gelosia è un mostro”, che Otello ahi lui coltiva conoscenza e immaginazione ma che è sempre alla ricerca della verità, che nella nuova visione sta dando di matto, ma matto serio, con notevoli mal di testa che in un processo d’oggi alleggerirebbero di parecchio la pena e con saltini tarantolati da bambino capriccioso, che Iago parla per enigmi e il suo condottiero lo sgrida, che il Moro vuole tirare il collo alla moglie non per il tradimento ma per la menzogna che gli ha detto. Amen. Invece no. Emilia, la povera moglie del traditore per la quale un coltello è pronto nell’ombra, ha ancora il tempo di mettere in bella vista una chaise longue – di quelle che io sono abituato a mettere sulla spiaggia ad agosto – su un impressionistico prato di margherite che manco Manet e compagni ed ecatombe generale nel finale, come ognuno da sempre sa (non foss’altro per aver visto di fretta e da qualche parte un certo Laurence Olivier o certi nostrani Gassman e Randone, Salerno e Foschi), preoccupazione sacrosanta del solito Moro, “Hai detto le preghiere della sera?” chiede lui, “Che il cielo abbia pietà di me” spera tremante lei, io ti strangolo e io mi scanno (con le armi nipponiche di cui sopra), Otello che trova ancora il tempo di raccontarci una favola nuova di zecca di una tribù della sua Africa (ma non era nato all’ombra di palazzo Ducale?) per poi darci dentro con un bel seppuku e il soldato Cassio sempre vilipeso a rubar la scena a Ludovico (ma non fa niente, tanto l’avevamo depennato dalla locandina) per il fuoco d’artificio finale. Mentre il suddetto doge a mo’ di ballerina anni Cinquanta si fa la sua bella ribalta in monopattino e con l’occasione mette il punto alla tragedia, sua e nostra. Quanto ad approfondire vicenda e motivazioni e personaggi, sarà per un’altra volta.

Artefici di quella, la tragedia dico, il Pasotti in primis, la pallida pallida Desdy della signorina Claudia Tosoni, il Giacomo Giorgio, viso ormai riconoscibilissimo e in ascesa artistica (?) da “Mare fuori” all’insulso “Carosello” al prossimo “Morbo K”, diligente soldatino preoccupato nelle facce e nella rabbia e nei movimenti di far bene il suo lavoro, con gli altri cinque colleghi rimasti della più folta distribuzione. Per lo meno ci siamo divertiti con il doge di Salvatore Rancatore, per lo meno ci hanno visivamente colpito le scene di Giovanni Cunsolo, un susseguirsi di fondali questa volta a pavimento, arrotolati da fantasmi neri a ogni cambio di scena, un ponte veneziano, un borgo e un giardino coloratissimi, una casa rossa di quelle che potresti trovare in terra di Spagna, quel giardino di margherite, il tutto riflesso in un grande specchio che sta alle spalle degli attori: inclinato, di modo che anche noi pubblico possiamo fisicamente far parte della storia, (increduli) spettatori, ma anche complici, ma anche colpevoli. Addirittura? Ebbè, sì. Usando ancora con rispetto la lingua del Nostro, il resto è silenzio.

Ah, dimenticavo: nella intervista di cui all’inizio, Giorgio Pasotti confessava ancora: “Amo profondamente Shakespeare e continuo a studiarlo ogni giorno. Non passano settimane senza che io rilegga i grandi classici, in particolare Shakespeare e Kafka.”

Elio Rabbione

Nelle immagini di Chiara Calabrò, alcuni momenti dello spettacolo.

Allo “Spazio Kairos” di via Mottalciata a Torino, “Santibriganti Teatro” spiega dal palco l’“economia circolare” ai bambini

Domenica 18 gennaio, ore 16,30

Un “viaggio di formazione”. Sul palco una bimba e una formica. La prima si chiama Agatina, ha le lentiggini e profuma di fragola. Ecco il perché del nomignolo di “Fragolina”, regalatole con tanto affetto dalla nonna. La seconda è Petronilla, una formica “agente-speciale” al suo primo incarico.

Questi gli elementi base di “Agatina & Petronilla”, la rappresentazione teatrale, firmato dalla Compagnia moncalierese “Santibriganti Teatro”, in programma domenica prossima 18 gennaio, alle 16,30, presso lo “Spazio Kairos” di via Mottalciata 7, a Torino. Scritto da Mariagrazia Cerra, per la regia di Claudio Sportelli, sul palco Arianna Abbruzzese e la stessa Cerra, si tratta di uno spettacolo per famiglie, adatto a bambini dai cinque anni in avanti. Organizza “Onda Larsen” che, alle 16, offre la merenda ai bimbi in sala.

Dunque. E che ci faranno mai insieme, dopo il loro incontro (non casuale) in un prato alle porte di una non precisata città, una bimba simpatica e birichina, come Agatina – Fragolina e una formica con l’incarico niente meno che di “agente-speciale”, matricola 346446? Si presenteranno, cammineranno fianco a fianco e … parleranno. Non a caso. Perché nell’intento dell’agente-speciale Petronilla, quel loro camminare insieme vuole essere, come dicevamo prima, un “viaggio di formazione”. Un viaggio alla scoperta (tema di grandissima attualità) dell’“economia circolare”. E qui le cose si fanno serie. E sì, perché allora vien da chiederci: Come vedono i bimbi la Terra sempre più arsa e piena di cemento? Quanta consapevolezza hanno sul rischio che stiamo correndo, continuando ad abusare delle risorse che abbiamo a disposizione?

Constatazione: Molti di loro sono abituati alle realtà virtuali di uno schermo e si stupiscono quando scoprono che sono le mucche a produrre il latte, le galline a fare le uova e che l’insalata non cresce direttamente sugli  scaffali del supermercato.

Accorrono in nostro aiuto gli organizzatori dello spettacolo: Attenzione! Lo stupore dei bimbi però,  al contrario di quello degli adulti, è privo di giudizio, è curioso e aperto al nuovo e il teatro li aiuta a nutrire questa curiosità. Grazie allo strumento dell’immedesimazione, si ritrovano nei panni delle due protagoniste e con loro guardano il mondo che le circonda.

Procediamo quindi con la trama. Si era rimasti all’incontro di Agatina e Petronilla. Incontro (già detto) non casuale, bensì voluto dalla “grande capa formica” del “Gran Casato” delle “Montagne Ghiacciate d’Oriente”.

Perché? Perché la bimba  ha il viziaccio di sprecare il cibo e di lasciare troppi rifiuti in giro, incurante  a ciò che la circonda ed ecco perché serve un “agente speciale”, o “specializzato” come dice lei, per farle capire che la Terra ci ospita e perciò  dobbiamo rispettarla e non sporcarla, proprio come si fa quando si è in casa d’altri.

E così,  dopo essere ricorsa al “formulario magico”, la formica Petronilla diventa grande come un “umano” e si scontra con la bimba, che dopo l’iniziale diffidenza (Agatina non è una bimba cui la si fa facilmente)  si fa attrarre dalla simpatia di Petronilla e delle sue “compagne operaie”.

Il loro muoversi assomiglia a una danza e per Agata, che sogna di diventare una ballerina, la musica è la cosa più bella che c’è.

Così Petronilla accompagna la bimba in un giro di perlustrazione della natura circostante, dove incontrano Scorri: la mucca che fa le “puzzette” riconvertibili in bollicine per l’aranciata e che s’intende di  “economia circolare”,  le api che pungono per difendere la loro famiglia e   un pesciolino che rischia di rimanere soffocato da un sacchetto di plastica.

Meraviglia e discariche a cielo aperto si mescolano e portano Agatina a vedere per la prima volta ciò che le sta intorno. Chissà se la sua amica (amica, ora sì) formica sarà riuscita a portare a termine la sua prima missione?

Io penso proprio di sì. E voi? La storia di “Agatina & Petronilla” vi aspetta!

Per info: “Spazio Kairos”, via Mottalciata 7, Torino; tel. 351/4607575 o www.ondalarsen.org

Gianni Milani

Nelle foto: immagini dallo spettacolo