CULTURA E SPETTACOLI

Black History Month Torino, quinta edizione

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Sabato 31 gennaio 2026 si alza il sipario sulla quinta edizione del Black History Month Torino, la rassegna culturale promossa dall’Associazione Donne dell’Africa Subsahariana e II Generazione, sostenuta dalla Fondazione Compagnia di San Paolo, diffusa sul territorio della città metropolitana di Torino e articolata in un ampio programma di iniziative culturali, artistiche e sociali.

 

Anche quest’anno i Musei Reali di Torino, partner della manifestazione fin dalla sua nascita, collaborano all’iniziativa proponendo una serie di eventi serali speciali, con l’apertura straordinaria di alcuni spazi museali e ospitando musica dal vivo e performance, per offrire al pubblico un’occasione di incontro tra patrimonio storico e linguaggi artistici contemporanei.

 

Il Black History Month Torino si inserisce in una tradizione storica che risale al 1926 e si propone di celebrare e diffondere la storia e le culture afro-discendenti, contrastando stereotipi e narrazioni discriminatorie e promuovendo consapevolezza, dialogo e riconoscimento dei contributi delle comunità nere nella storia e nella contemporaneità.

 

Black History Month Torino 2026 si concentra su tre temi principali: colonialismo commerciale, donne e potere, protagonisti nell’arte e nello sport. Attraverso questi argomenti, la rassegna invita a una rilettura critica delle dinamiche economiche, sociali e culturali del passato e del presente, valorizzando pratiche di autodeterminazione, empowerment e rappresentazione.

 

Il programma del Black History Month Torino si apre sabato 31 gennaio proprio ai Musei Reali, con una serata che dalle 19.45 alle 22.30 propone la visita libera alla Cappella della Sindone con la Sagrestia e, alle 20.30, un concerto di musica lirica per voce e pianoforte. Protagonisti sono Emanuela Scirea (voce) e Fabio Volpi (pianoforte) con un repertorio di musica da camera e operistica, capace di regalare un’esperienza musicale raccolta e immersiva, inserita in un contesto di grande valore storico e simbolico come il Salone delle Guardie Svizzere di Palazzo Reale.

Il secondo appuntamento, venerdì 6 febbraio, presenta il concerto di Chris Obehi, musicista e cantautore di origine nigeriana, tra le voci emergenti della scena afrobeat contemporanea. I suoi brani, che intrecciano afrobeat, soul e sonorità contemporanee, raccontano esperienze di migrazione, identità e resilienza.

Anche in questa occasione, i Musei Reali rimangono aperti dalle 19.30 alle 22.30 con la possibilità di visitare liberamente la Cappella della Sindone, la Cappella Regia e la Sagrestia.

 

Black History Month Torino ai Musei Reali si chiude sabato 7 febbraio con una Sfilata Afro Fashion, dedicata alla valorizzazione della creatività nel campo della moda e del design. Stiliste e stilisti afro-discendenti mostrano le loro creazioni, indossate da modelli di origine africana e nativi, in un evento che mette in dialogo moda, identità e narrazione culturale contemporanea.

I Musei Reali rimangono aperti tra le 19.30 e le 23.30, con possibilità di visitare liberamente la Cappella della Sindone, la Cappella Regia e la Sagrestia.

 

Per ciascuna serata è previsto l’acquisto di un biglietto unico (€ 5,00), comprendente la visita libera al percorso espositivo dei Musei Reali aperto straordinariamente per l’occasione.

 

Prevendita biglietti online su https://museireali.midaticket.com

Informazioni: mr-to.eventi@cultura.gov.it

 

“La mia vita raccontata male”: Claudio Bisio torna al teatro Colosseo

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Con i testi di Francesco Piccolo

Claudio Bisio, dopo il successo delle sue interpretazioni teatrali più intense e ironiche, torna al Teatro Colosseo il 5, 6, 7 e 8 febbraio prossimo con “ La mia vita raccontata male”, un sorprendente viaggio tra memorie vere e romanzate, inciampi comici e riflessioni universali, tratto dai testi di un autore amatissimo dal pubblico del teatro, Francesco Piccolo, Premio Strega e penna raffinata del nostro tempo. Non una semplice tappa, ma una scelta precisa: Bisio ha voluto il Colosseo per riallestire lo spettacolo in vista della tournée 2026, tornando in sala per affinare ritmo, racconto e relazione con il pubblico e accolto da quattro date sold out. In equilibrio tra racconto autobiografico e affresco collettivo, lo spettacolo si snoda come una partitura di vita in cui ognuno può ritrovarsi. Dal primo amore alle partite dei Mondiali, dall’educazione sentimentale all’Italia di ieri e di oggi, passando per la politica, la televisione, la paternità e le piccole grandi scelte quotidiane, ogni frammento contribuisce a costruire un mosaico tragicomico, intimo e generazionale. Accompagnato dai musicisti Marco Bianchi e Pietro Guarracino, con le musiche originali firmate da Paolo Silvestri, Bisio dà voce  e corpo a una narrazione in cui comicità e malinconia si intrecciano con eleganza. La regia di Giorgio Gallione, da sempre al fianco dell’attore in produzioni di grande spessore emotivo, restituisce ritmo e profondità a uno spettacolo che sa essere leggero e profondo, giocoso e politico. Lo spettacolo è una produzione del Teatro Nazionale di Genova.

Teatro Colosseo – via Madama Cristina 71, Torino

Giovedì 5, venerdì 6 e sabato 7 febbraio ore 20.30
domenica 8 febbraio ore 16.30

Mara Martellotta

La tragedia della principessa Mafalda

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Al Centro Pannunzio è stata ricordata la figura e la tragedia della Principessa Mafalda di Savoia-Assia, figlia del Re d’Italia e della Regina Elena di Montenegro da Barbara Ronchi della Rocca, Lorenzo Pesce e Maria Vittoria Pelazza nel corso di una conferenza realizzata in collaborazione l’Associazione Internazionale Regina Elena Odv e l’associazione culturale “La Tela di Clio”.

Mafalda di Savoia deportata a Buchenwald e colpita da uno spezzone durante un bombardamento “alleato” alle Officine Gustolff il 24 agosto 1944 venne lasciata morire tra atroci sofferenze.

IGINOMACAGNO

Chiharu Shiota al MAO: quando i fili fanno tremare l’anima

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Il MAO – Museo d’Arte Orientale di Torino – conferma la sua vocazione di centro culturale aperto al dialogo tra Oriente e Occidente con la mostra “Chiharu Shiota – The Soul Trembles” (in esposizione fino al 28 giugno 2026), una delle più intense e visionarie esposizioni dedicate a un’artista contemporanea che ha saputo intrecciare memoria, corpo e spazio in un unico respiro. Le sale del museo diventano un paesaggio mentale in cui fili di lana, oggetti quotidiani e ricordi personali si fondono e si tendono, dando forma visibile a emozioni, paure e desideri

Shiota Chiharu, Uncertain Journey – 2016/2019- Metal frame, red wool- Dimensions variable- Installation view: Shiota Chiharu: The Soul- Trembles, Mori Art Museum, Tokyo, 2019- Photo: Sunhi Mang- Photo courtesy: Mori Art Museum, Tokyo

Un incendio, un pianoforte e il potere della memoria

Il percorso si apre con un ricordo d’infanzia: l’artista racconta di quando, a nove anni, un incendio scoppiò nella casa accanto alla sua. Il giorno dopo, davanti a quell’abitazione bruciata, restava solo un pianoforte, annerito come il carbone ma incredibilmente intatto, trasformato in simbolo ancora più potente proprio perché sopravvissuto alle fiamme. In quel silenzio denso di fumo e di odore di bruciato, Shiota dice di aver sentito la propria voce farsi indistinta, come se la realtà stessa vacillasse. Da qui nasce la consapevolezza che alcune esperienze – il trauma, la perdita, la paura – non trovano parole ma cercano forme, e che l’arte può renderle quasi fisicamente percepibili

I primi gesti: una linea che diventa mondo

Negli anni Novanta l’artista sperimenta quanto possa essere difficile, dopo una crisi, persino tracciare una semplice linea su un foglio. In “One Line (Una linea)” raccoglie i baccelli vuoti dei fagioli caduti nel cortile di una scuola australiana, li incolla su un foglio e disegna una sola linea, ritrovando una gioia quasi infantile nel gesto più elementare del disegno, liberato da ogni tecnica. Poco dopo, in “Flow of Energy (Flusso di energia)”, appende al soffitto sacchi da pallone da calcio dipinti di nero e li dispone nello spazio per visualizzare i flussi invisibili di energia che attraversano il mondo, ispirandosi anche alle letture di James Gleick sul caos. È il momento in cui Shiota comincia a pensare lo spazio espositivo come un corpo vivo, attraversato da forze che l’installazione rende visibili.

Il sonno, il sogno e l’idea di casa

In “During Sleep (Durante il sonno)” l’artista racconta il confine incerto tra sogno e realtà partendo dal celebre racconto di Zhuangzi sull’uomo che sogna di essere una farfalla e al risveglio non distingue più ciò che è reale. L’artista traspone questa storia nel vivido raccontoDopo essersi trasferita in Germania e aver cambiato casa più volte, Shiota realizza che la propria camera da letto è diventata un bozzolo, un luogo da cui non si è mai del tutto certi di voler uscire. L’installazione combina letto, lana nera e video, come se il sonno fosse una materia densa che avvolge il corpo e al tempo stesso lo espone: il pubblico entra così in una scena onirica dove la vulnerabilità diventa paesaggio condiviso.

Il corpo, gli abiti, la pelle del tempo

Altre opere mettono al centro il corpo e la sua assenza, attraverso abiti e oggetti che ne conservano la traccia. In “Try and Go Home (Cerca di tornare a casa)” l’esperienza di un workshop con Marina Abramović in Bretagna – tra digiuni, esercizi estremi, riflessioni sul tempo – diventa una performance in cui l’artista tenta di arrampicarsi fuori da una cavità nel terreno, come se cercasse una nuova nascita o un ritorno impossibile. “After That (Da allora)” presenta invece lunghi vestiti cuciti da Shiota e ricoperti di fango, appesi davanti a un muro e lavati in continuazione dall’acqua, senza che il ricordo sulla “pelle” della stoffa possa davvero scomparire. Quest’opera, esposta per la prima volta alla Triennale di Yokohama con il titolo “Memory of Skin”, ha contribuito a far emergere l’artista sulla scena giapponese proprio per la sua capacità di trasformare gli abiti in archivi emotivi.

Fili e nodi: quando lo spazio diventa emozione

Il cuore della mostra torinese è la grande sezione dedicata ai fili di lana, diventati nel tempo la firma visiva di Chiharu Shiota. L’artista racconta di muovere le mani come a disegnare qualcosa nell’aria: quei gesti generano linee che, sovrapponendosi, creano prima una superficie e poi una massa densa che finisce per riempire completamente lo spazio. “I fili si intrecciano, si aggrovigliano, si spezzano, si annodano, si allungano”, si legge nel pannello, e possono diventare metafora delle relazioni tra le persone, dei legami affettivi ma anche delle fratture che li attraversano. Nelle installazioni più monumentali, fili neri o di un rosso intensissimo si addensano fino a impedire allo sguardo di seguirne il percorso: è in quel momento, dice Shiota, che ha l’impressione di poter intravedere “ciò che si trova oltre e toccare la verità”. In un altro testo esposto al MAO, l’artista confessa che mente e corpo a volte si separano e le emozioni diventano incontrollabili, al punto da immaginare il proprio corpo in pezzi con cui dialogare mentalmente. Collegare il corpo a fili rossi, allora, è il tentativo di dare forma a quelle emozioni indicibili, pur sapendo che ogni forma implica anche una piccola distruzione dell’anima, una ferita necessaria per rendere visibile l’invisibile.

Shiota Chiharu, Reflection of Space and Time (detail) 2018 White dress, mirror, metal frame, Alcantara black thread 280 × 300 × 400 cm Commissioned by Alcantara S.p.A Installation view: Shiota Chiharu: The Soul Trembles, Mori Art Museum, Tokyo, 2019 Photo: Sunhi Mang Photo courtesy: Mori Art Museum, Tokyo

 

Terra, morte e radici: la dimensione esistenziale

La mostra dedica una sala anche al rapporto dell’artista con la terra, legato ai ricordi d’infanzia nella prefettura di Kochi, dove da bambina visitava ogni estate i nonni. Shiota ricorda la paura provata davanti alle tombe degli antenati e la sensazione fisica nelle mani quando strappava le erbacce dal terreno sopra la sepoltura della nonna, immaginando di poter sentire il suo respiro. Da quell’esperienza nasce una consapevolezza precoce della morte, che negli anni si tradurrà nell’uso ricorrente di terra e suolo come simboli del luogo in cui tutti torneremo, ma anche dell’origine stessa della vita. Insieme, questi pannelli e le installazioni tessute fanno del MAO un luogo dove lo spettatore non è più semplice visitatore ma presenza coinvolta: camminare tra i fili, i letti avvolti, gli abiti di fango significa entrare in un racconto che parla di memoria personale e, allo stesso tempo, di fragilità universali.

Valeria Rombolà

In copertina: Shiota Chiharu, Reflection of Space and Time (detail) 2018 White dress, mirror, metal frame, Alcantara black thread 280 × 300 × 400 cm Commissioned by Alcantara S.p.A Installation view: Shiota Chiharu: The Soul Trembles, Mori Art Museum, Tokyo, 2019 Photo: Sunhi Mang Photo courtesy: Mori Art Museum, Tokyo

Torino è in perfetto equilibrio tra passato e futuro

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Guido Curto racconta la sua città e le sue passioni

Guido Curto, nato a Torino nel 1955, figlio del famoso egittologo Silvio Curto, ha costruito la sua carriera unendo la passione per l’arte e la vocazione per l’istruzione. Dopo gli studi classici presso i Salesiani di Valsalice e la laurea in Lettere, ha iniziato il suo percorso lavorativo come docente di storia dell’arte al Liceo d’Azeglio, vincendo poi il concorso nazionale per diventare professore di prima fascia all’Accademia delle Belle Arti di Palermo, fino a guidare come direttore per due mandati l’Accademia Albertina di Torino, ampliandone l’offerta formativa e modernizzandone tutti i corsi. Critico d’arte e curatore di celebri mostre, tra cui alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo quella dedicata a Carol Rama, è stato poi Direttore di Palazzo Madama e della Reggia di Venaria, valorizzando sia l’arte antica che quella contemporanea. Oggi, in Fondazione CRT come Consigliere d’Indirizzo, continua a seguire con attenzione il settore artistico culturale, con uno sguardo attento sia al passato che al futuro e alla necessaria innovazione. 

Quali sono le passioni di Guido Curto?

Oltre all’arte e all’insegnamento, una delle mie grandi passioni è sempre stata la natura. Mi piace fare lunghe camminate e praticare sport: da giovane trascorrevo ore sul Po, dedicandomi al canottaggio e lasciandomi incantare dai suoi bellissimi scorci paesaggistici. Anche montagna ha avuto un posto speciale nel mio cuore, mi piace sciare con i figli e camminare godendo della pace e della bellezza dei sentieri alpini. Amo moltissimo anche il mare, in particolare quello di Sardegna, ma anche quello del Brasile, dal fascino intenso e ancora incontaminato.

La famiglia?

La mia vita è profondamente segnata dall’amore per la mia famiglia: 20 anni fa mi sono sposato con una bellissima ragazza brasiliana che era venuta a completare i suoi studi a Torino, e abbiamo avuto due figli maschi: loro tre rappresentano la parte più preziosa di tutta la mia esistenza.

Come è la sua Torino?

Torino è una città meravigliosa, capace di raggiungere grandi traguardi, ma spesso non sempre in grado di valorizzarli. Non è una città “magica”, bensì razionale e cartesiana, rigorosa e ordinata fin dal suo impianto urbanistico, con un fascino che nasce dall’equilibrio tra l’area edificata, con tanti capolavori del Barocco piemontese, e lo splendido paesaggio circostante. Il centro storico, con il suo tracciato viario che richiama ancor oggi l’antico castrum romano, si integra perfettamente con il Po, le colline e le Alpi tutt’intorno, regalandoci panorami unici. Torino è bella per la sua stessa posizione geografica: a pochi chilometri si trovano il Mar Ligure, la Costa Azzurra e le montagne. Con Torino ho un rapporto di affetto e critica, ma resta per me una città unica e insostituibile.

 

Quale è la prima cosa che farebbe se avesse in mano Torino per un giorno?

La ripulirei a fondo.  È troppo sporca, soprattutto per colpa di noi che l’abitiamo, non certo per gli addetti alla nettezza urbana che lavorano tanto e bene, e a tutti loro va il mio grazie e un plauso. Da critico d’arte, sono anche assai critico nei confronti delle tante scritte che oggi purtroppo deturpano molti edifici storici di questa bellissima città.

 

E se dovesse esportare tre cose di Torino all’estero cosa porterebbe?

 

Il Barocco piemontese, il Museo Egizio e il modello etico-politico nostri dei nostri tre santi sociali: Don Bosco, Cafasso e Cottolengo. Ma anche altre cose, come la regalità che le deriva dall’esser stata la prima Capitale d’Italia, e più di recente capitale dell’arte contemporanea, dell’aerospazio, con due eccellenze formative come Università e il Politecnico; così la nostra Torino e’ in perfetto equilibrio tra il passato e il futuro.

 

 Maria La Barbera

La Pinacoteca Agnelli ha annunciato la programmazione 2026

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Dal 30 aprile al 13 settembre prossimi la Pinacoteca Agnelli ospiterà una mostra retrospettiva dedicata all’artista Walter Pfeiffer, nativo di Beggingen nel 1946 e residente attualmente a Zurigo. Questa esposizione ripercorrerà la sua prolifica carriera di fotografo pioniere, capace di ridefinire la bellezza e lo stile e trasformare l’ordinario in glamour. La mostra presenterà serie iconiche e immagini inedite dei suoi soggetti, dal nudo al paesaggio, dalla natura morta al corpo performante, testimoniando il suo sguardo intimo e pop tra vita, moda e desiderio.

Dal 30 aprile al 13 settembre prossimo il progetto “Beyond the Collection”  metterà in dialogo quattro capolavori di Modigliani ( Livorno 1888- Parigi 1920), invitando il pubblico a scoprirli da prospettive nuove, anche grazie alle rivelazioni emerse dalle più recenti ricerche scientifiche.

Dal 30 aprile 2026 la Pista 500, il progetto artistico di Pinacoteca Agnelli sull’iconica pista di collaudo delle automobili FIAT, si arricchirà di nuove installazioni site-specific di Nathalie Du Pasquier e Peter Fischli.

Le opere riattiveranno gli spazi della Pista e della Rampa attraverso dialoghi inaspettati con l’architettura dell’edificio e le sue implicazioni. Nathalie Du Pasquier, nata a Bordeaux nel 1957, ma oggi attiva a Milano, presenterà una nuova installazione per gli spazi all’aperto della Pista 500. L’intervento, estendendosi per tutta la lunghezza del Lingotto, attiverà l’architettura dell’edificio,  fondendo forma, colore e paesaggio. Nella rampa ellittica dell’ex fabbrica FIAT, Peter Fischli, originario di Zurigo, metterà in relazione lo spazio architettonico con i meccanismi ripetuti dell’esperienza, tra viaggio, percezione, scoperta e meraviglia.

Dal 30 ottobre prossimo verrà dedicata una mostra ad Alberto Savigno (Atene 1891- Roma 1952), che sarà protagonista di una grande retrospettiva che metterà in luce il suo contributo rivoluzionari all’arte del Novecento e la sua autorità nel dibattito contemporaneo sulla pittura. La mostra presenterà Alberto Savigno come un autore classico, un uomo rinascimentale, un intellettuale postmoderno e allo stesso tempo un artista del futuro. Per la mostra “Beyond the Collection”, dal 30 aprile prossimo, sarà protagonista l’artista Chris Ofli, nato a Manchester nel 1968 e attualmente attivo a Port of Spain, Trinidad e Tobago, che presenterà una serie di opere in dialogo con la Collezione Permanente della Pinacoteca. Nei suoi dipinti e disegni Ofli fonde esperienze personali, diversi riferimenti culturali e personaggi Mitici e storici in composizioni vibranti, che appongono astrazione e figurazione.  “Beyond the Collection” è il progetto della Pinacoteca Agnelli che dal 2022 si propone di riattivare la collezione permanente del museo, attraverso il coinvolgimento di artiste e artisti contemporanei e la collaborazione con prestigiose istituzioni nazionali e internazionali, alcune opere della Collezione diventano il punto focale di nuovi allestimenti e nuove narrazioni, capaci di rileggere il patrimonio storico attraverso le tematiche della contemporaneità.

Sulla Pista 500, dal 30 ottobre prossimo, comparirà una nuova installazione di Iris Tougliatou, nata ad Atene nelm1981, dove vive e lavora, dove mette in discussione il formato del billboard sulla Pista 500, riflettendo sul Lingotto, in quanto sito, e sulla FIAT quale fonte di ricerca. Tougliatou è la vincitrice dell’edizione 2025 del premio Pista 500, in collaborazione con Artissima. La Pista 500 è un progetto artistico nato nel 2022 su progetto della Pinacoteca Agnelli. Storico circuito di collaudo delle automobili FIAT sul tetto del Lingotto, è oggi una passeggiata panoramica nell’arte, un parco sospeso a 28 metri d’altezza, con più di 40 mila specie autoctone, che si arricchisce regolarmente di nuove installazioni ideate specificamente da artisti e artiste internazionali, in dialogo con architettura e paesaggio.

Le mostre di primavera e estate, dal 30 aprile 2026, avranno in anteprima stampa il 29 aprile .

Pinacoteca Agnelli – via Nizza 262/103, Torino

www.pinacoteca-agnelli.it

Orari e biglietti: da martedì a  domenica, fino al 31 marzo, dalle 10 alle 18/ a partire dal 1⁰ febbraio tutti i venerdì dalle 10 alle 20

Mara Martellotta

L’Antigone al teatro Astra: regista e attore Roberto Latini

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ASTRA

Al teatro Astra è protagonista della rilettura del testo di Antigone di Jean Anouilh il regista, attore e performer Roberto Latini, che ha voluto in scena, insieme a lui, quattro donne per rivisitare la tragedia mescolando i generi. Sono Silvia Battaglio, Ilaria Drago, Manuela Kustermann e Francesca Mazza. La pièce andrà in scena dal 27 gennaio fino al 1⁰ febbraio 2026. Le leggi dovrebbe regolare il vivere o la vita dovrebbe regolare le leggi che la regolano? La domanda che Antigone ci pone rappresenta uno dei modelli archetipici che ci accompagnano per scindere la nostra storia, cultura, visione e religione. Si tratta di una filosofia scesa intorno a noi, che ci cammina accanto, che ci chiede e ci ascolta. È una delle prove del nostro essere umani, una delle poche che abbiamo scelto di portare con noi attraverso i secoli, per affermarsi e riconoscerci, per consolarci, promettendo a noi stessi di aver e cura.

“Antigone è nel destino del teatro di ogni tempo – spiega il regista Roberto Latini – è uno dei modelli archetipi in che ci accompagnano a prescindere dalla nostra storia, cultura, visione e religione. È filosofia scesa intorno a noi, che ci cammina accanto, che ci chiede e ci ascolta”.

“È una delle prove del nostro essere umani, una delle poche che abbiamo scelto di portarci attraverso i secoli per riconoscerci. L’abbiamo evocata, immaginata, misurata al nostro poco. L’abbiamo trattenuta, pregata e liberata nel cuore, raccontata ogni volta che abbiamo potuto e riscritta con parole nuove, che abbiamo imparato vivendo, sapendo che ogni variazione è già Teatro. Come quando lo spettacolo incontra un altro palcoscenico, oltre quello del debutto, la messa in scena si conclama dallo spazio successivo a quello della prima. Le parole sono in movimento, avanti e indietro, intorno al punto di percezione di quando siamo spettatori, come quando lo spettacolo incontra un’altra platea diversa da quella del debutto. Il dono che portiamo è una promessa, l’Antigone ci parla da così vicino che quasi potremmo abbracciarlo. La sentiamo dire di noi in tutte le lingue, e capiamo tutto: paura, silenzio e respiro. Anouilh dell’Antigone non ha riscritto le parole, ha scritto la voce, ‘Antigone la disputa della ragione o delle ragioni’, di quelle trasversali, dimesse dall’identità individuale a favore di un corpo coro che le comprende tutte. Oltre all’appartenenza, l’anagrafica e il genere, sono parole che vengono da noi stessi, e che ascoltiamo nella nostra stessa voce , siamo Antigone è Creonte insieme, e lo siamo stati più volte, di più in certi fasi della vita, viceversa o in alternanza. Le leggi devono regolare la vita o la vita dovrebbe regolare le leggi che regolano la vita? Uno di fronte all’altro, a farsi carico di una ragione giusta, incontriamo noi di fronte a noi, a infilarci le domande da infilare nelle tasche del tempo, dell’età e della speranza, ad aspettare le risposte che il tempo, guardandoci, sceglierà di farci dire”

“Penso a questo testo come a un soliloquio a più voci – continua Roberto Latini  – una confessione intima e segreta nella verità, scomoda, incapace e parziale, che ci dice che la nostalgia del vivere è precedente a ognuno di noi, perché sappiamo che quel corpo insepolto siamo ancora noi, ancora vivi. Anche per questo ho distribuito i ruoli in modi diversi e complementari: alcuni personaggi corrispondo a sé stessi, altri al proprio riflesso. Antigone è Creonte, come di fronte a uno specchio: chi è Antigone nel riflesso di Creonte? Chi è Creonte nel riflesso di Antigone? A teatro parliamo anche di questo, dell’essere uomini e dell’essere umani”.

Mara Martellotta

“Mi ritorna in mente”, Giordano e Paragone politicamente scorretti

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Martedì 27 gennaio, alle ore 21, al teatro Gioiello Mario Giordano, giornalista ed ex politico di Varese, e Gianluigi Paragone, conduttore di Fuori dal coro, programma televisivo in da su Rete4 da quasi 8 anni, saranno per la prima volta insieme in uno spettacolo teatrale per parlare “contro il politicamente corretto e contro il modernamente corrotto”. Sono diretti da Rinaldo Gaspari, in uno spettacolo fatto di ricordi e monologhi serrati e inserti musicali in cui l’identità e l’insegnamento dei nonni acquistano una nuova vitalità in contrasto con chi parla di fluidità sessuale, contaminazioni religiose e culturali. Giordano e Paragone condurranno insieme la serata per denunciare chi sta spostando gli interessi verso la finanza, a scapito dell’economia reale (i megaprofitti realizzati tagliando posti di lavoro), punteranno il dito contro chi ha snaturato la sanità, diventata un centro di interesse senza più il malato al centro. Punteranno l’indice contro chi vuole convincerci che il cibo italiano valga quanto quello sintetico. Lo spettacolo inizierà a partire dai ricordi, da quel “Mi ritorna in mente”, quando si aveva la percezione che il mondo fosse più semplice da vivere, con all’orizzonte l’arrivo di internet e nuove tecnologie, vissute come una speranza.

Teatro Gioiello – via Cristoforo Colombo 31, Torino – telefono: 011 5805768

Mara Martellotta

La verità obliqua del dolore: Solo un ragazzo di Elena Varvello

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TORINO TRA LE RIGHE

 
Ci sono libri che non si scelgono: sono loro a chiamarci. Solo un ragazzo di Elena Varvello (Einaudi) è uno di questi. Incontrato quasi per caso, ha subito esercitato una forza silenziosa, nonostante una trama che, sulla carta, sembrava lontana dai miei territori di lettura. Giallo o romanzo di dolore? Nessuna delle due cose, eppure entrambe. Perché Solo un ragazzo vive in una zona obliqua, intraducibile con categorie nette, come avverte la stessa autrice: «Tutta la verità. Ma obliqua».
Il romanzo si apre con un’immagine perturbante. Siamo nel 2009: un gruppo di adolescenti si inoltra nel bosco, luogo proibito e carico di memoria. Scoprono una capanna: dentro, pochi oggetti – un cacciavite, una tazza, uno spazzolino – e un’aria inquieta, come se qualcuno fosse ancora lì, nascosto nel buio. È un inizio che non spiega, ma insinua. E da quell’ombra prende avvio una storia che affonda le radici vent’anni prima, nell’estate del 1989.
Sara e Pietro sono ormai anziani quando li incontriamo. Sono passati diciannove anni dalla perdita del figlio, ma il tempo non ha attenuato il dolore: lo ha solo trasformato. Pietro continua ad alzarsi ogni mattina pensando a ciò che avrebbe potuto dire o fare. Sara, invece, spesso non trova un motivo per alzarsi affatto. Il loro è un lutto vissuto in direzioni opposte, inconciliabili. Sara è un personaggio di una verità disarmante: dura, stanca, incapace di partecipare alla vita delle figlie, eppure attraversata da una luce ostinata, quella di un amore che perdona tutto. Per lei è sempre stato “solo un ragazzo”. Per Pietro, invece, quel figlio adolescente resta una presenza enigmatica, difficile da riconoscere, distante, con quel sorriso frequente e il freddo che non lo abbandona nemmeno d’estate.
Attorno a questo nucleo familiare, Varvello costruisce una coralità dolente. Le due figlie, Amelia e Angela, reagiscono al trauma in modo opposto: una cercando rifugio in una vita ordinata e in una religiosità rigida, l’altra scegliendo la fuga e l’autodistruzione. Nessuno resta davvero intatto. Il dolore si infiltra nelle relazioni, congela le esistenze, modifica per sempre i legami.
La domanda, inevitabile, accompagna il lettore per tutta la narrazione: cosa è successo davvero quell’estate? Perché nessuno ha capito cosa stava attraversando quel ragazzo? Perché entrava nelle case di nascosto, cosa cercava? Ma Solo un ragazzo non è un romanzo che offre risposte definitive. Varvello non indaga, non giudica, non spiega. Osserva. Lascia che siano le voci, i ricordi, i silenzi a raccontare. È una storia di non detti, di bugie, di solitudine portata “a compimento”, che diventa punto di non ritorno per un’intera comunità.
Uno degli elementi più potenti del romanzo è la lingua. Elena Varvello, poetessa, lavora sulle parole con precisione e sensibilità: il ritmo è asciutto, le immagini sono evocative, gli oggetti diventano simboli. Il bosco, che avvolge e nasconde, sembra non avere fine; eppure, anche nel fitto delle sue ombre, a tratti filtra una luce. È la luce dell’amore, della speranza ostinata, della possibilità – forse – di un’accettazione.
La struttura narrativa, fatta di continui avanti e indietro nel tempo e di cambi di punto di vista, non disorienta mai. Al contrario, accompagna il lettore in un percorso emotivo intenso, dove presente e passato spesso si confondono, come accade nella memoria di chi ha vissuto una perdita irreparabile. Le pagine scorrono velocissime, la tensione resta alta, non perché si cerchi un colpevole, ma perché si desidera comprendere, sentire, avvicinarsi.
Solo un ragazzo ha la potenza di un thriller senza esserlo e la forza di un romanzo di formazione senza esserlo. È una storia che passa “di bocca in bocca”, come un’ombra intravista, come un dubbio che resta. Un libro che non consola, ma accompagna. Che non spiega, ma scava. E che, una volta chiuso, lascia il desiderio di abbracciare tutti i suoi personaggi, nessuno escluso, e di sussurrare loro – forse a noi stessi – che sì, la vita è ingiusta, ma certe presenze non se ne vanno davvero.
Elena Varvello, torinese, classe 1971, poetessa e scrittrice, docente alla Scuola Holden, con questo romanzo conferma una voce unica nel panorama letterario contemporaneo. Perché, come sappiamo, non è il tema a fare la differenza, ma il modo in cui viene raccontato. E Solo un ragazzo è un libro che non si dimentica.
MARZIA ESTINI

Margherita, la “Regina – madre degli Italiani” che cavalcò il futuro

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Alla “Palazzina di Caccia” di Stupinigi, un “programma diffuso” per raccontare, nel Centenario della scomparsa, la regina più moderna d’Italia

Da gennaio a luglio 2026

Secondo lo storico e saggista astigiano Ugoberto Alfassio Grimaldi, fu il personaggio politico dell’Italia unita che seppe destare, con tutti i “distinguo” d’obbligo, “dopo Giuseppe Garibaldi e Benito Mussolini, i maggiori entusiasmi nelle classi elevate e nelle classi umili”. Abbigliamento sempre elegante e ricercato, una costante affabilità e una profonda cultura, ma soprattutto un’assetata curiosità del “nuovo”, delle emergenti (fantascienza in allora) innovazioni tecnologiche, tanto da far pensare (ah, se avesse avuto fra le mani la micidiale arma di uno smartphone!) all’odierna figura di un’“influencer” decisamente ante litteram, la regina Margherita di Savoia (all’anagrafe Margherita Maria Teresa Giovanna di Savoia – Genova; Torino, “Palazzo Chiablese”, 1852 – Bordighera, 1926), andata in sposa a re Umberto I e prima regina consorte d’Italia, sarà la grande protagonista di un ricco calendario di iniziative, in programma alla “Palazzina di Caccia” di Stupinigi, per ben sette mesi, da questo gennaio al prossimo luglio, teso a celebrare, attraverso articolati “passaggi” della sua vita, il Centenario della sua scomparsa, avvenuta a 74 anni, nell’amata “Villa Margherita” (suo “buen retiro” invernale) di Bordighera. Un ricco calendario di eventi che vuole avere, quale filo conduttore, proprio il suo sorprendente desiderio di “modernità” (fu anche grande appassionata di alpinismo e prima donna a scalare nel 1889 la “Punta Gnifetti” sul Monte Rosa) e quell’innata capacità di universale “fascinazione” (anche oltre le mura reali) che le valsero significativi omaggi popolari e poetici: dalla celebre “pizza Margherita” creata per lei a Napoli da tal pizzaiolo Raffaele Esposito, alla famosa “ode” carducciana “Alla regina d’Italia”, scritta e a lei dedicata dal “poeta dei paesaggi maremmani”, subito dopo la visita bolognese dei sovrani nel novembre del 1878.

“Margherita. Un secolo di storia” è il titolo di un progetto trasversale che intreccia storia, costume, mobilità e gusto, sviluppato grazie alla collaborazione con il “MAUTO – Museo Nazionale dell’Automobile”, collezionisti privati e altre realtà non solo culturali, tra cui “Museo del Cioccolato e del Gianduja Choco-Story Torino” e “Pfatisch”.

Cuore del programma è la mostra “Sulle strade della Regina. Alle origini dell’automobile moderna”, in programma dal 5 marzo al 28 giugno nella “Citroniera di Ponente” e realizzata in collaborazione con il “MAUTO”. “Undici automobili originali” di fine Ottocento e inizio Novecento (dalla “Benz Victoria”, 1893 alla “Fiat Tipo Zero A” del 1913), affiancate da “nove carrozze storiche” provenienti dalla prestigiosa collezione privata “Nicolotti Furno”, raccontano di quando cavalli e motori cominciarono a condividere le stesse strade e il futuro cominciò a “prendere velocità”. Un tema che riflette perfettamente la figura di Margherita, lei stessa dotata di “patente di guida” e proprietaria di una scuderia di ben “tredici automobili”.

Accanto alla mostra, il percorso “Le stanze di Margherita” (che s’insediò nella “Palazzina” fra il 1901 ed il 1919, prima della sua trasformazione in “Museo”) accompagna i visitatori all’interno dell’ “Appartamento di Levante” e in altri spazi, mettendo a confronto fotografie storiche e ambienti attuali. Ne emerge il ritratto di una regina stupenda “interior design”, capace di rendere abitabile e personale anche una residenza monumentale, dove introdusse nuovi comfort (dai servizi igienici con acqua calda e fredda all’ascensore a pompa idraulica recentemente restaurato), portando il suo “moderno” gusto personale e un modo diverso di abitare gli spazi reali.

In programma anche il progetto speciale “Le Perle della Regina”, un cioccolatino ideato dal “Museo del Cioccolato e del Gianduja Choco-Story Torino” e realizzato da “Pfatisch”: una creazione unica, nata dal “cuore di nocciola Piemonte IGP”, avvolto da un delicato guscio di cioccolato bianco, lucido e perlaceo, che richiama le preziose “collane di perla” (“margarìtes” in greco, da cui il nome Margherita) tanto amate dalla sovrana.

Il racconto si chiude, infine, con il ciclo di conferenze “Margherita a Stupinigi e il suo tempo” che affronta la figura della regina attraverso temi contemporanei – moda, automobili, cucina, design – le visite guidate mensili “Margherita e Stupinigi”, per culminare con la rievocazione storica “I giorni di Margherita”, in programma sabato e domenica 20 e 21 giugno, evento diffuso, a cura de “Le vie del tempo”, che “restituisce atmosfere, gesti e presenze del primo Novecento”.

Per ulteriori info: “Palazzina di Caccia”, piazza Principe Amedeo 7, Stupinigi – Nichelino, Torino; tel. 011/6200634 o www.ordinemauriziano.it

Fino al mese di luglio 2026

Orari: mart. – ven. 10/17,30; sab. – dom. e festivi 10/18,30

Gianni Milani

Nelle foto: Ritratto della regina Margherita; La regina in auto, fine ‘800; La regina nella “Sala da gioco”; I cioccolatini “Pfatisch” e le perle della regina (Ph. Alessandro Rota)

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