CULTURA E SPETTACOLI

“Carpe Diem”, le tecniche di Bruno Cantino di Reino

Pubblicato il

Negli spazi della libreria Mondadori del Centro Storico di Chieri la mostra inaugura martedì 28 aprile alle 18

Inaugura martedì 28 aprile alle ore 18 la mostra intitolata “Carpe Diem”, negli spazi della libreria  Mondadori del Centro Storico di Chieri, in via Vittorio Emanuele 42 B. Si tratta di un nuovo appuntamento della rassegna “Arte tra i libri”, curata da Piemonte Arte, testata giornalistica settimanale di www.100torri.it. La mostra, aperta fino al 24 maggio, è visitabile anche online sul sito di Piemonte Arte.
L’esposizione è incentrata sulle tecniche di Bruno Cantino di Reino e sulle sue opere, realizzate per lo più ad acquerello e raffiguranti paesaggi e capaci di catturare attimi di vita quotidiana. I suoi lavori condividono una tensione poetica comune, l’urgenza di fermare l’effimero, di rendere visibile ciò che, per sua natura, sfugge.
La trasparenza e la leggerezza dell’acquerello fanno sì che le forme non siano completamente definite, come se il paesaggio fosse in continuo divenire, con la luce che ha un ruolo da vero protagonista.
Ciò che accomuna entrambe le pratiche è  rappresentato dalla volontà di cogliere l’istante prima che svanisca. Mentre l’acquerello tende a dissolversi, le realizzazioni ad acquaforte, puntasecca  o acquatica lo ancorano al reale, rendendolo quasi tangibile.
Le opere di Bruno Cantino di Reino sono davvero una sorpresa perché  permettono allo spettatore di vedere elementi ordinari con un nuovo sguardo.
Bruno Cantino di Reino, di formazione geometra, è  un artista autodidatta la cui ricerca creativa si sviluppa a partire dalla metà degli anni Settanta, dapprima influenzato dall’Impressionismo, poi deciso a passare a tecniche miste caratterizzate dall’utilizzo di materiali come stagno e rame applicati su tavola, dando vita a sculture piane originali.
Parallelamente alla pittura, nasce in lui negli anni Settanta la passione per la fotografia, parallelamente allo sviluppo di esperienza nel campo della grafica pubblicitaria. A partire dal 1990 frequenta un corso di nudo e dà  avvio a una personale ricerca sul colore e sulle principali correnti espressive, elaborando tecniche miste e rivolgendosi a tematiche legate al sociale e all’ecologia.
Dal 2006 è  membro dell’Unione Artisti Chierese, partecipando attivamente alle iniziative dell’associazione  e frequentando il laboratorio di Calcografia di Chieri, dove esplora diverse tecniche incisorie. Dal 2007 approfondisce la tecnica dell’acquerello presso il laboratorio allestito all’Unitre di Pecetto Torinese.

Mara Martellotta

Lui non è tornato, sole in casa ci sono Briciola, Luna e Wanda

Pubblicato il

Al Gobetti, sino al 26 aprile

 

Quando, per la presentazione della stagione, i giochi non erano pienamente fatti (poche note scritte e “cast in via di definizione”), davanti al lungo titolo di Diego Pleuteri ci siamo chiesti che cosa riuscisse a inventarsi l’autore dopo il successo – tre stagioni di repliche – di “Come nei giorni migliori”, se avesse al momento buttato giù delle tracce di un testo fatto per raggiungere un pubblico infantile, come sarebbe stato lo svolgimento della vicenda dei tre animali una volta in scena. Chi scrive, lo confesso, temeva doppiamente, guardando confusamente al progetto e leggendo con il solito sospetto il nome di Leonardo Lidi alla regia. Invece. Invece “Resteremo per sempre qui buone ad aspettarti” è un testo che con intelligenza “ricalca” la diversità dei linguaggi, umanissimo e sofferente, una favola amara che si tinge di commedia e diverte, ma che attraverso gli occhi, le abitudini infrante, i gesti, le zuffe e gli atti d’amore, le visioni del dentro e del fuori, la protezione o una gabbia con la sua pretesa fuga, le paure e i languori sempre persi dietro l’immagine di Lui e la voglia di libertà, quell’orecchio teso alla serratura di una porta – clic clac clic – in una continua attesa, guarda al mondo degli umani. È una regia che convince appieno, attenta ai tanti e più piccoli particolari, che con tensione cinematografica incolla la sua macchina da presa al viso, al fiuto, alle orecchie, ai bisogni corporali, alla fame e al disgusto, alla disperazione per un’assenza, alla solitudine e alle ribellioni di una cagnolina, di una gatta e di un pesce rosso chiuso dentro la sua boccia di vetro dagli stretti confini. Una regia che ha centellinato di suo ma che ha trovato terreno fertilissimo in tre splendide attrici, magnifiche e superlative (chiunque, vedendo lo spettacolo al Gobetti sino al 26 aprile per la stagione dello Stabile torinese, potrà usare quegli aggettivi che saprà trovare), che usano la voce e soprattutto i corpi, snelli o no che siano, in maniera esemplare, con dedizione estrema, con una immedesimazione che rasenta il brivido, non scimiottando, non avendo necessità di nessun travestimento. Fuori subito i nomi: Marta Malvestiti, pronta a uggiolare, Beatrice Verzotti che abitualmente miagola e tira fuori le unghie, Teresa Castello che solitamente boccheggia, piroetta e dimentica (davanti a lei, al suo monologo finale, non stupitevi che ancora ci siano giovani attrici, fresche di scuola, sui nostri palcoscenici: esistono! E a guardarle mentre occupano la scena, la ballerina di “Affari tuoi” credo che dovrebbe iniziare a farsi qualche domanda: i perfetti movimenti scenici sono dovuti a Riccardo Micheletti). Hanno il valido aiuto di Hana Daneri, che introduce, commenta, drammaticamente racconta.

La platea del Gobetti è stata svuotata a metà delle sue poltrone e si sono create due ali di sedie laterali, il palcoscenico è occupato soltanto da un’immagine di Alessandro Bandini e Alfonso Devreese dei “Giorni migliori”, a uno di loro ci si rivolge di tanto in tanto. Un catino e una scopa, i tanti abiti sparsi di Lui, morsicchiati o presi a calci o trascinati, tutto è lì pronto a raccontarci una favola amara, forse nerissima. Che anche in una casa del bergamasco, dove in tempo d’epidemia correvano le file delle bare verso i cimiteri, qualcuno attende il suo Godot. Didi e Gogo oggi hanno altri nomi, si chiamano Briciola, Luna e Wanda. Un mattino dopo l’altro, una sera dietro l’altra si continua a coltivare “un amore cieco e sproporzionato, pieno di affetto e di dipendenza”, si continua ad aspettare Lui, Lui che se n’è andato come sempre un giorno e non è più tornato, il clic clac clic della porta non lo hanno più sentito. Continuano la vecchia abitudine di godersi “La signora in giallo”, su quel divano che dà sicurezza, da cui qualcuno saltava giù quando Lui mostrava la corda che portava al passeggio o se arrivava qualche profumo che significava sostentamento. Briciola piange, Luna si gode per qualche attimo la propria indipendenza, Wanda nuota e dimentica. Mentre la nostalgia lascia il posto al desiderio di sopravvivenza e di superare quell’assenza, mentre sopravanza la dipendenza, nascono la fame e la violenza mentre quelle pareti si fanno prigione, mentre anche al di là di una finestra che dà sul verde tutti sono scomparsi, mentre la vicina arriverà a spalancare e a offrire crocchette: quando il mondo non sarà più come prima, quando gli abitanti della casa non saranno più quelli di prima. In un arco perfetto, Pleuteri reclama ”il bisogno di un altro che ci garantisca il mondo, ci dica che esistiamo, ci permetta di sopravvivere in un luogo che non ci appartiene”.

“Resteremo per sempre” è ben lontano dal lasciarti indifferente, lo si è visto anche nella replica a cui ho assistito, applauditissima con bis finale. Pleuteri pone – con bella scrittura, lo ripetiamo – sul tavolo problemi e ansie, ricordi e piccole felicità, il vivere quotidiano che ci appartengono, rivestiti di altre vesti, ci ricorda il mondo affatto leggero di La Fontaine: e per l’intera serata (stra)vince quella immedesimazione che ha tolto ogni barriera, e le riflessioni sul tempo sospeso e una società con un dolore che è vero.

Elio Rabbione  

Nelle immagini di Luigi De Palma alcuni momenti dello spettacolo.               

 

Piossasco, il paese dei tre castelli

Pubblicato il

Nel 2026 ricorre il quindicesimo anniversario della fondazione dell’Associazione Corona Verde di San Vito, creata nel 2011 con l’obiettivo di promuovere la diffusione della cultura e la valorizzazione della zona collinare di Piossasco, con un’attenzione e una cura particolari rivolti al Borgo di San Vito, che con i suoi tre castelli, i palazzi nobiliari e le chiese, rappresenta un museo a cielo aperto.

In questo articolo faccio scoprire al lettore la storia di questo borgo straordinario.

La cittadina di Piossasco, ubicata in Provincia di Torino, a metà strada tra le Valli di Susa e del Chisone, è stata il feudo di una delle cinque famiglie feudali più antiche e potenti del Piemonte: i Merlo, detti anche “Piossasco”, casato che prese il nome di questa località, alla quale fu legato per più di 800 anni e da dove gestiva la sua ampia consortile.
I Merlo furono infatti Signori di Piossasco dal 1100 al 1933 ed il loro cognome originario deriverebbe da un fatto accaduto intorno all’anno mille, quando Merlo, il figlio del crudele feudatario del luogo, s’innamorò di una carbonaia. La coppia fuggì sui monti, dove mise al mondo nove bambini; alla scomparsa del feudatario, la famiglia tornò in città, ma i bimbi erano talmente sporchi che la gente cominciò a chiamarli “i piccoli merlot”. Da quel momento lo stemma di Piossasco si arricchì di nove piccoli merli. Il casato nel tempo si suddivise in quattro rami, poi sei e infine in nove.
Le prime notizie certe della famiglia risalgono al 1172 con Gualfredo di Piossasco, custode per Conte dei Savoia del Castellaccio, il maniero più antico, risalente al X secolo.
Il nobile nel 1175 era a Montebello insieme al Beato Conte di Savoia Umberto III per giurare i patti dell’Imperatore dei romani Federico I Barbarossa con la Lega Lombarda.
La famiglia estese il suo potere anche a Volvera, a Scalenghe dal 1223, a None dal 1235, a Airasca, Castagnole e Vinovo. Dal 1239 la loro presenza fu stabile a Beinasco. Essi gestivano i loro beni tramite una consortile ed i quattro rami principali erano “de Feys”, i “de Federicis”, i “de Rubeis”, i “de Fulgore”. Nel 1254 i Piossasco acquistarono la Corte di Sangano dall’Abbazia di S. Solutore di Torino, per poi rivendergliela nel 1284.
Fino a tutto il XIII secolo i nobili strinsero legami con tutte le entità politiche gravitanti in Piemonte: con il Vescovo di Torino, con Asti e con il Marchesato di Saluzzo, per poi legarsi in modo definitivo a Casa Savoia.
Nel Trecento essi furono in combutta con i Signori di Rivalta, proprietari del feudo di Trana, i quali non gradivano il fatto che i Piossasco prelevassero da Trana un terzo dell’acqua del Sangone attraverso un canale che esiste ancora oggi: il Sangonetto.

LA BATTAGLIA DELLA MARSAGLIA E IL DECLINO DEI PIOSSASCO

La Penisola italiana nel corso dei secoli si ritrovò sempre al centro delle contese tra Francia e Spagna ed il piccolo Stato Sabaudo per la sua posizione strategica venne più volte invaso dalla potenza di turno. A fine XVII secolo la Francia di Re Luigi XIV detto “il Re Sole” raggiunse il massimo della sua potenza e le altre Nazioni europee si allearono per cercare di contrastarla, dando vita alla Lega di Augusta, della quale facevano parte Ducato di Savoia, Sacro Romano Impero, Inghilterra, Scozia, Spagna, Portogallo ed altri Stati. La guerra iniziò nel 1690 e continuò con alterne vicende negli anni successivi, fino al 1696 quando dopo pesanti sconfitte il Duca di Savoia Vittorio Amedeo II riuscì a concludere un trattato con i francesi.
Durante una di queste campagne, il 4 ottobre 1693, nel territorio compreso fra Volvera, Orbassano e Piossasco venne combattuta una terribile battaglia: la Marsaglia.
Vinsero i francesi ed il Generale Nicolas de Catinat stilò la relazione per Luigi XIV nel Castello della Marsaglia, al confine di Cumiana e di Piscina. Questo edificio, oggi in rovina, diede il nome alla battaglia.
Lo scontrò porto ad un ulteriore impoverimento della zona ed i Piossasco per saldare i debiti furono costretti a cedere molti terreni nel loro capoluogo. Giunsero così in paese nuove nobili famiglie, tra le quali i Seyssel, i Porporato e gli Ambrosio, Conti di Chialamberto, che fecero edificare signorili ville di campagna dette “vigne” e scelsero questo luogo perché era vicino alla Palazzina di Caccia di Stupinigi.  Proprio i Chialamberto fecero costruire Casa Lajolo, edificio che 1850 fu ereditato dai Conti Lajolo di Cossano, attuali proprietari.

I TRE CASTELLI

Piossasco è celebre per i suoi tre castelli. Il più antico, detto Castellaccio o Gran Merlone, risalente al X secolo, è anche il più alto. Situato in posizione dominante a 457 metri, era composto da un fabbricato quadrangolare con in cima delle finestrelle a feritoia strettissime e da una torre ed era protetto da una cinta muraria. Vi si accedeva tramite una scala a due rampe che conduceva ad una porta alta. Il complesso fu abitato dai Piossasco fino al XVI secolo. A causa della scarsa presenza di corsi d’acqua nelle vicinanze non vennero costruiti fossati e ponti levatoi ed il castello era difeso dal ripido degradare della collina sui lati ovest e sud-ovest, da fortificazioni sul lato opposto e dalla fitta vegetazione. Come molti altri manieri della zona, venne distrutto dalle truppe del Generale Nicolas de Catinat durante la Battaglia della Marsaglia del 4 ottobre 1693.
Il maniero sottostante, detto “Piossasco De Rossi” è situato in posizione intermedia tra il Castellaccio e il Castello dei Nove Merli. Voluto da Gian Michele Piossasco De Rossi, venne eretto tra il XVII e il XVIII secolo, ma a causa della mancanza di fondi non fu mai completato.
L’unico castello giunto intatto fino ai giorni nostri è il più basso, detto “dei Nove Merli”.
Costruito come casaforte militare alle pendici del Monte San Giorgio, l’attuale edificio venne eretto tra il 1300 ed il 1400 e fu rimaneggiato nei secoli successivi. La torre risale alla seconda metà del XX secolo. Gode di un’ottima visuale che comprende il Monviso, la collina torinese, il pinerolese, il saluzzese e le Langhe. Nel 1834 i manieri passarono al Conte Luigi Piossasco di None, il quale avviò importanti lavori di ristrutturazione del Castello dei Nove Merli in chiave moderna. Luigi era esponente di un Ramo secondario dei Piossasco di None; il ramo principale si estinse nel 1863 con la morte della Contessa Luisa Carola Birago di Vische, vedova del Conte Giuseppe Luigi Benedetto. Ella lasciò in eredità al Comune di Virle il settecentesco castello.
Al sopraccitato Conte Luigi succedette la figlia Gabriella, ultima esponente del casato. Alla morte di quest’ultima, avvenuta 16 dicembre 1933, i castelli di Piossasco passarono ai cugini da parte materna, i Mocchia di Coggiola, che dopo qualche tempo li cedettero. Si alternarono quindi vari proprietari, tra i quali i Mottura di Milano, Carlo Ferrari e il Barone Amerigo Sagna, eroe nelle due Guerre Mondiali, fervente antifascista e protettore di molti ebrei. Il nobile iniziò il restauro del Castello dei Nove Merli e fece riassettare il parco. Gli succedette il Cavalier Luciano Savia, che acquistò il castello, i ruderi degli altri due e il comprensorio montano che si estende fino alla cima del Monte San Giorgio. Il nuovo proprietario terminò la ristrutturazione del maniero, la torre venne sopraelevata e incoronata da merli, mentre le alte finestre gotiche del portico al primo piano, dove ai tempi della Contessa Gabriella venivano appese fioriere, furono chiuse con cristalli. Il 19 settembre 1959 Luciano Savia inaugurò un prestigioso ristorante dove cenarono illustri personaggi, tra i quali le Principesse Maria Gabriella di Savoia e Grace di Monaco. Il Salone delle feste al primo piano è caratteristico per il grande camino con gli stemmi araldici dei Merlo ed il pregevole soffitto ligneo a cassettoni originale del 1462. Recentemente nel parco è stata ricostituita la storica vigna dove vengono coltivate uve Sauvignon blanc e Nebbiolo.

IL BORGO DI SAN VITO

Il Borgo di San Vito, situato ai piedi dei castelli, ospita delle vere e proprie meraviglie, tutte da scoprire. Nel tempo è stato abitato da molte nobili famiglie, tra questi i Borgofranco e i Lajolo, le quali fecero costruire splendidi palazzi e ville signorili che conservano ancora oggi tutto il loro splendore. Tra questi, Palazzo Palma di Borgofranco, una splendida casaforte medievale e Casa Lajolo, una magnifica villa di campagna settecentesca, abbellita da un lussureggiante giardino. L’antico accesso al borgo era Porta del Borgo Piazza, citata per la prima volta nel 1387.
Un vero e proprio gioiello è la Chiesa dei Santi Vito, Modesto e Crescenzia, la più antica di Piossasco, risalente all’XI secolo. All’interno ha una forma a pianta longitudinale suddivisa in tre navate e una volta a botte. Le decorazioni catturano l’attenzione per il loro splendore. Gli archi della volta della navata centrale sono decorati da stucchi dorati e sono intercalati da sei affreschi realizzati nel 1853 che rappresentano “la Fede”, Dio Padre, San Gregorio Magno, Sant’Ambrogio, Sant’Agostino e San Girolamo”. All’ingresso, sulla sinistra, è presente una vasca battesimale ottagonale in pietra bianca risalente al 1461 e donata da Gabriele De Buri.
Dietro l’altare si ammira la grande icona ovale settecentesca attribuita a Rocco Comaneddi, che rappresenta “la Gloria ed il trionfo di San Vito”. In essa il santo è rappresentato circondato dagli angeli e dai Santi Modesto e Crescenzia. Quest’opera fu voluta come voto dagli abitanti di Piossasco, i quali spesero 600 Lire per chiedere la fine delle invasioni straniere. A destra del presbiterio si ammira una macchina votiva a spalla alla cui base è presente uno scudo doppio, donato nel 1739 da Bernhard Otto, barone di Rehbinder e Cristina Piossasco de Feys della Volvera in occasione delle loro nozze.
La vicina Confraternita di Santa Elisabetta è la risultanza della fusione, avvenuta nei secoli, di tre cappelle contigue, legate a diverse confraternite religiose: la Cappella dello Spirito Santo, quella del SS. Nome di Gesù e quella di Sant’Elisabetta. I resti della Cappella Dello Spirito Santo si trovano a destra della scalinata d’ingresso e formano un tutt’uno con la facciata. Si possono ancora ammirare frammenti di affreschi quattrocenteschi, che rappresentano un’Annunciazione con le figure dell’Arcangelo Gabriele e della Vergine.  Le aureole sono state realizzate con la tecnica del rilievo a pastiglia, mentre sulla lesena è raffigurato lo stemma della famiglia De Buri che sovrasta l’effige di San Vito. Sotto di essa era dipinto un letto di ospedale, il quale indicava la presenza di un vicino ospizio per i pellegrini che percorrevano strade alternative alla Via Francigena.

Il pubblico ha la possibilità di scoprire gratuitamente le meraviglie di questo splendido borgo le ultime domeniche di aprile, maggio, settembre e ottobre grazie ai giovani ciceroni dell’Associazione Corona Verde di San Vito.
Nel pomeriggio di domenica 26 aprile si terrà uno speciale evento volto a celebrare i primi 15 anni dell’associazione.

Per maggiori informazioni consultare il sito www.coronaverdedisanvito.it e la pagina Facebook dell’Associazione Corona Verde di San Vito;

Per Casa Lajolo e i suoi eventi: www.casalajolo.it e la pagina Facebook della dimora.

ANDREA CARNINO

A “Gliacrobati” un materiale antico, i collage della statunitense India Evans

Pubblicato il

Se c’è stato un inizio, l’inizio è quella scatola da scarpe strapiena di fotografie in bianco e nero di nudi ottocenteschi, ritrovata tra i banchi del mercato di Porta Portese a Roma, fotografie che, racconta India Evans, “sembravano chiedere di essere riportate alla visibilità”. Poi è stata la continua ricerca tra gli archivi, le librerie, i mercati di New York, per richiamare altre esistenze al presente, per inserire nel mondo di oggi, per dare nuove forme e vita. Evans è nata nel ’78 a New York, ha studiato in Italia presso la Scuola d’Arte Lorenzo de’ Medici di Firenze, ha esposto in Italia e Russia, nel Regno Unito e negli States. Sino al 16 maggio sue opere, differenti collage quasi sempre di piccole dimensioni, sono presenti negli spazi espositivi della galleria “Gliacrobati”, via Ornato 4 (zona Gran Madre), le ha prese a cuore Gloria Alderuccio, sin dal primo momento che le vide, in quell’ambiente domestico dove coabitavano anche le opere del padre John – scomparso nel 2012, cresciuto in California e studi a Chicago, conosciuto per i collage costruiti con i tanti oggetti rinvenuti nelle strade del East Village, ricavati da biglietti da visita, pacchetti di sigarette, ritagli di giornali, volantini, adesivi, istantanee -: “il collage si rivela così come una lingua familiare, un gesto ereditato ma radicalmente riformulato; se nel lavoro del padre il frammento diventa strumento per raccontare una comunità e un tempo storico, in quello di India il collage si fa dispositivo di interrogazione al femminile”, scrive Alderuccio.

Balzano fuori da una memoria collettiva i corpi “antichi” di Evans, il nudo di donna in ricostruzioni d’ambiente, piccoli angoli di camere, tavolini e seggiole d’epoca, inguantato o avvolto da una natura ricostruita o da una larga ragnatela finissima ma pure con il viso intercambiato con quello di una cerva, o devastato da serpenti e teschi, o a grondare sangue tra le grinfie di un coccodrillo come all’interno di una vasca da bagno a esalare spiriti che riportano ai trucchi rabberciati dei vecchi film del secolo passato, tra un recinto che ripropone la Fontana della Vita medievale con il realismo di oggi. La donna – salva spesso (troppo spesso?) la componente dell’eros – come una feroce lupa ad assalire membri virili, o a veder crescere infiorescenze dal proprio pube, immersa in un luogo magico del lontano oriente, al centro di languide immaginazioni: con qualche perplessità, anche nella lettura dei titoli che come ricami sono posti all’interno dei vari collage, mi chiedo se la mostra sia il resoconto di una perfetta manualità o un pressare di suggestioni e angosce e terrori sanguinolenti, oppure un omaggio alle trasformazioni femminili, o ancora le visioni dei pericoli dettati in principal modo dall’elemento maschile, forza contraria in perenne agguato, forse di uno sguardo sul passato che si riverbera senza alcuna fatica sui nostri giorni.

Nell’immagine, di India Evans, “Women into the Depths of the self”. tecnica mista, 2009.

Elio Rabbione

Tre serate di eccellenza musicale all’Auditorium RAI

Pubblicato il

Il 28, 29 e 30 Aprile 2026 

 

Nell’aprile 2026, l’Auditorium Rai “Arturo Toscanini” di Torino accoglierà tre concerti con la partecipazione dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, diretta da Anu Tali, acclamata direttrice d’orchestra estone, insieme a  solisti di rilievo internazionale quali Giuseppe Gibboni, violino; il leggendario pianista Mikhail Pletnev, pianoforte; Daniel Lozakovich, violino e Arsenii Moon, pianoforte. Un programma ricco di colori e contrasti attende il pubblico torinese.

Martedì 28 Aprile 2026 | H 20.30
Enigmi, Paesaggi Sonori e una Stella Nascente

Giuseppe Gibboni, violino
Anu Tali, direttrice
Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI 

Programma:
Edvard Grieg: Peer Gynt, Suite n. 1
Alexey Shor: Concerto per violino n. 7
Edward Elgar: Enigma Variations, op. 36 

Un programma ricco di colori e contrasti attende il pubblico torinese: accanto a celebri capolavori sinfonici di Grieg ed Elgar, la serata presenterà la prima italiana del Concerto per violino n. 7 del compositore ucraino-americano Alexey Shor.
La musica di Shor, spesso descritta come neoclassica, combina melodie liriche con una profonda tradizione armonica, offrendo agli ascoltatori un’esperienza vibrante ed emotiva.
Il suo nuovo concerto, ricco di virtuosismo e sfumature espressive, sarà interpretato da Giuseppe Gibboni, astro nascente tra i violinisti contemporanei e vincitore del Concorso Paganini.
Gibboni ha debuttato con il Concerto per violino di Čajkovskij accanto all’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia sotto la direzione di Lorenzo Viotti.
Poco dopo, ha suonato con la chitarrista Carlotta Dalia su invito del Presidente Sergio Mattarella al Quirinale di Roma—un concerto trasmesso in diretta dalla radio italiana.
Ha già collaborato con alcune delle orchestre e dei direttori più rinomati al mondo, tra cui Riccardo Muti e Zubin Mehta.
Il Concerto n. 7 di Shor è affidato alle mani migliori: Gibboni, con la sua tecnica brillante e sensibilità musicale, è particolarmente adatto a introdurre il pubblico a quest’opera straordinaria.
Sul podio dell’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI ci sarà l’acclamata direttrice estone Anu Tali, fondatrice della Nordic Symphony Orchestra. Descritta dall’Herald 

 

Tribune come “carismatica, brillante, energica”, è considerata una delle direttrici più affascinanti della sua generazione, celebrata per le sue interpretazioni fresche e penetranti.
Ex direttrice musicale della Sarasota Orchestra in Florida, si esibisce regolarmente con ensemble rinomati come la New Japan Philharmonic, l’Orchestre National de France, il Mozarteumorchester Salzburg e la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.
Il pubblico torinese può aspettarsi una serata indimenticabile, con una combinazione di brillantezza tecnica ed espressione musicale toccante.

Mercoledì 29 Aprile 2026 | H 20.30
Un Viaggio nel Tempo: Dall’Introspezione Romantica alla Speranza Contemporanea

Mikhail Pletnev, pianoforte
Daniel Lozakovich, violino
Recital 

Programma:
Franz Schubert: Sonata in re maggiore per violino e pianoforte, op. 137 n. 1, D 384
Edvard Grieg: Sonata in do minore per violino e pianoforte, n. 3, op. 45
Alexey Shor: Sonata per violino e pianoforte
César Franck: Sonata in la maggiore per violino e pianoforte 

Questo programma intreccia sonate di Schubert, Grieg, Franck e Shor in un arco musicale unificato —un dialogo tra passato e presente, dove ogni compositore utilizza la forma della sonata come mezzo di espressione personale.
Il lirismo luminoso di Schubert apre la serata con uno sguardo introspettivo, che trova un’eco contemporanea nella Sonata n. 2 di Alexey Shor—una riflessione su temi senza tempo: perdita, desiderio e la speranza duratura per la bellezza in un mondo frammentato. Scritta in stretta collaborazione con Mikhail Pletnev, la sonata emerge da una partnership creativa tra compositore e interprete—nello spirito di Čajkovskij e Josef Kotek o Brahms e Joseph Joachim.
Grieg porta poi un’ondata di dramma nordico e contrasto, aprendo la strada alla monumentale sonata di Franck: un culmine spirituale costruito su una forma ciclica e un’unità trascendentale.
Al centro di questa performance ci sono due artisti straordinari, il leggendario pianista Mikhail Pletnev e il violinista emergente Daniel Lozakovich, in un raro incontro tra generazioni.
La loro collaborazione musicale unisce profonda esperienza e brillantezza giovanile in un programma che fonde capolavori amati con un’opera contemporanea scritta appositamente per loro.
Mikhail Pletnev, sia pianista che direttore d’orchestra, è ammirato per le sue interpretazioni anticonvenzionali e profondamente personali. Mai soddisfatto dell’ovvio, rivela nuove dimensioni in opere familiari—sempre sorprendenti, spesso mozzafiato e immancabilmente profonde. Musicista di altissimo livello e parte di una grande tradizione di interpreti maestri, le sue performance sono caratterizzate da profondità, individualità e intuizione poetica, ben oltre la mera virtuosità.
Daniel Lozakovich è emerso come uno dei violinisti più affascinanti della sua generazione. Lodato per l’intensità espressiva e la maturità del suo suono, si esibisce regolarmente con molte delle principali orchestre e direttori del mondo. In recital, la sua collaborazione con Mikhail Pletnev ha ricevuto ampi consensi. Lozakovich suona lo Stradivari “ex-Sancy” del 1713, precedentemente suonato dal leggendario Ivry Gitlis.
Nell’ottobre 2024, Pletnev e Lozakovich hanno pubblicato un album congiunto con Warner Classics, contenente proprio il programma che verrà eseguito a Torino.
Dopo le performance acclamate al Musikverein di Vienna, alla Philharmonie di Berlino, all’Herkulessaal di Monaco e alla Dubai Opera, questo concerto segna la prima italiana del loro recital. 


Giovedì 30 Aprile | H 20.30
Risonanze Romantiche: Est, Ovest e Oltre

Arsenii Moon, pianoforte
Anu Tali, direttrice
Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI 

Programma:
Alexey Shor: Concerto per pianoforte n. 1
Sergei Rachmaninoff: Rapsodia su un tema di Paganini, op. 43
Tchaikovsky: Romeo and Juliet

Questa serata riunisce due capolavori pianistici e un gioiello sinfonico.
Un programma che esplora l’evoluzione dell’espressione romantica attraverso i secoli.
Arsenii Moon, vincitore del 64° Concorso Pianistico Internazionale Ferruccio Busoni e destinatario del Premio Arturo Benedetti Michelangeli, si sta rapidamente affermando come una delle voci più brillanti e individuali della sua generazione.
I critici celebrano la sua eleganza aristocratica, la tecnica magistrale e la narrazione incantevole che porta in ogni performance.
Nelle sue mani, ogni frase sembra inevitabile, ogni silenzio eloquente.
Per questa performance, Moon metterà in mostra la sua brillantezza virtuosistica in due opere concertanti contrastanti: la Rapsodia su un tema di Paganini di Sergei Rachmaninoff, un classico intramontabile e una delle grandi prove dell’immaginazione pianistica, e il Concerto per pianoforte n. 2 di Alexey Shor, una composizione recente che unisce un lirismo ricco a un virtuosismo abbagliante.
L’accostamento offre un dialogo affascinante tra tradizione e modernità—dal romanticismo lussureggiante di Rachmaninoff al linguaggio contemporaneo di Shor che parla comunque la lingua della melodia senza tempo.
Il concerto si conclude con la radiosa Sinfonia n. 8 di Antonín Dvořák, un’opera traboccante di calore boemo e vitalità irrefrenabile. 

Foto PiùLuce

SEDE DEI CONCERTI

Auditorium Rai “A. Toscanini”  | Via Rossini 15 – 10124 – Torino

Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai

 

L’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai nasce nel 1994. I primi concerti sono diretti dai Maestri Prêtre e Sinopoli. Andrés Orozco-Estrada è il Direttore principale e Fabio Luisi è Direttore emerito. James Conlon è stato il Direttore principale dal 2016 al 2020. Juraj Valčuha ricopre la stessa carica dal 2009 al 2016. Tate è Primo direttore ospite fino al 2002 e Direttore onorario fino al 2011. Dal 2001 al 2007 Frühbeck de Burgos è Direttore principale. Dal 2003 al 2006 Noseda è Primo direttore ospite. Dal 1996 al 2001 Inbal è Direttore onorario. Altre prestigiose presenze sono Giulini, Sawallisch, Rostropovič, Chung, Mehta, Ahronovitch, Gergiev, Janowski, Bychkov, Petrenko, Jurowski, Albrecht, Hänchen, Franck, Eschenbach, Gatti, Harding. L’Orchestra tiene a Torino regolari stagioni concertistiche e cicli speciali; dal 2013 ha partecipato anche ai festival estivi di musica classica organizzati dalla Città di Torino. È spesso ospite di importanti festival in Italia quali MITO SettembreMusica, Milano Musica, Biennale di Venezia, Ravenna Festival, Festival Verdi di Parma e Sagra Malatestiana di Rimini.

Molte le tournée in Europa, al Musikverein di Vienna, al Festival RadiRO e al Festival Enescu, alla Konzerthaus di Vienna, al Festival di Salisburgo, alla Philharmonie di Berlino e negli Emirati Arabi Uniti. Esegue la Nona di Beethoven alla Royal Opera House di Muscat. Nell’autunno 2021, ha tenuto una prestigiosa tournée in Germania con i debutti all’Alte Oper di Francoforte, alla Kölner Philharmonie e all’Elbphilharmonie di Amburgo. A giugno 2022 è stata protagonista di una tournée al Sud Italia (Catania, Catanzaro, Salerno, Matera e Brindisi) e a settembre 2023 è tornata alla Royal Opera House di Muscat. A novembre 2025 è stata in tournée in Spagna con il M° Orozco-Estrada, debuttando al Palau de la Música Catalana di Barcellona, all’ADDA Auditorio di Alicante e all’Auditorio Nacional de Música di Madrid. Dal 2017 al 2024 è stata l’orchestra principale del Rossini Opera Festival di Pesaro.

BIGLIETTI E TARIFFE

I biglietti e gli abbonamenti sono acquistabili sul sito www.ticketone.it
In occasione dei concerti la biglietteria fisica sarà aperta un’ora prima dell’evento.

PREZZI STANDARD

PLATEA 25,02 + dp, prezzo finale 28,5€

BALCONATA 19,76 + dp, prezzo finale 22,5€

GALLERIA 16,28 + dp, prezzo finale 18,5€

PREZZI UNDER 35

PLATEA 22,53€ + dp, prezzo totale 25,65€

BALCONATA 17,8 + dp, prezzo totale 20,25€

GALLERIA 14,67 + dp, prezzo totale 16,65€

ABBONAMENTI

PLATEA 64,98€ + dp, prezzo totale 74€

BALCONATA 50,93€ + dp, prezzo totale 58€

GALLERIA 42,15€ + dp, prezzo totale 48€

CONTATTI

White Roses Studio | Ufficio stampa e Comunicazione

Paola Mungo | Senior communication strategist & Media relations
+39 3454105751 | pm@paolamungo.com 


Veronica Vair | Digital PR & Creator relations manager
+39 3279119447 | veronica@whiteroses.it

 

Una produzione CMDI events
www.cmdi-group.com

 

in partnership con DNA Concerti

Con AR.c.A. alla scoperta della villa romana di Caselette

Pubblicato il

Domenica 26 aprile sarà possibile visitare la villa romana di Caselette per scoprire come vivevano i romani in Val di Susa nel I secolo d.C. Tornando indietro nel tempo, sarà possibile entrare nelle stanze della villa e immergersi nell’atmosfera di uno dei più importanti complessi extraurbani di epoca romana in Piemonte. Sarà possibile anche partecipare al tour gratuito, guidato da un naturalista, dell’area Prima Valle. Situata alle pendici del Monte Musinè, ospita numerose specie di animali e vegetali, rare a livello nazionale e regionale, che la rendono una delle aree piemontesi di maggiore biodiversità. Si tratta di una vera e propria oasi xerotermica, che comprende anche i laghi Superiori e Inferiori di Caselette.

La villa romana di Caselette sarà visitabile dalle 15.30 alle 18, con la prima visita in partenza alle 15.30, la seconda alle 16.30 è l’ultima alle 17.30 circa. L’area Prima Valle, con punto di ritrovo presso la villa romana di Caselette, sarà visitabile dalle 15.30, mentre la seconda è prevista alle 17 circa. La giornata è promossa dall’associazione  AR.c.A –  Arte, Archeologico e Cultura ad Almese con il patrocinio del Comune di Almese, in collaborazione con la Fondazione Magnetto, Finder SPA , UNIVOCA, Tesori d’arte e cultura alpina e Sovrintendenza archeologica di Belle Arti e Paesaggio per la Città metropolitana di Torino.

Info: arca.almese@gmail.com – 342 0601365

L’associazione AR.c.A è nata nel luglio 2013 con l’obiettivo di promuovere e valorizzare il patrimonio storico, culturale artistico, archeologico e paesaggistico di Almese e dintorni.

Mara Martellotta

Waltre Pfeiffer e “Modigliani sottopelle” alla Pinacoteca Agnelli

Pubblicato il

Alla Pinacoteca Agnelli, mercoledì 29 aprile si inaugurano due nuove mostre di Waltre Pfeiffer e “Modigliani sottopelle”, e nuove opere sono esposte sulla Pista 500

La Pinacoteca Agnelli annuncia la programmazione per la primavera-estate del 2026. A partire dal 30 aprile prossimo apriranno al pubblico una mostra monografica dedicata all’artista Walter Pfeiffer, nato nel 1946 a Beggingen, che oggi risiede e lavora a Zurigo. Una nuova edizione del ciclo “Beyhond the Collection”, che vede protagonista Amedeo Modigliani e di una nuova installazione site-specific sulla Pista 500 di Nathalie du Pasquier (1957 Bordeaux), che vive e lavora a Milano, e Peter Fischli (1952), nato a Zurigo, dove vive e lavora. Da giovedì 30 aprile a domenica 13 settembre prossimo, la Pinacoteca Agnelli presenta “In good company”, la prima mostra istituzionale in Italia dedicata a Walter Pfeiffer, a cura di Simon Castets e Nicola Trezzi. Con più di 100 opere a colori e in bianco e nero, scattate dai primi anni Settanta ad oggi, l’esposizione intreccia le serie più iconiche dell’artista con immagini inedite, in un percorso senza gerarchie che evidenzia il suo contributo singolare all’arte, alla fotografia e alla moda. In“In good company” si rende omaggio alla produzione prolifica e pionieristica dell’artista, che ha ridefinito i codici della fotografia che abbraccia tutti i generi della storia dell’arte, specialmente il nudo, il ritratto, il paesaggio e la natura morta, che unisce formalismo, forza cromatica e sensualità. Aprendo ripetutamente nuovi orizzonti, la pratica dell’artista si è sistematicamente avventurata in territori inesplorati: dalle sue rappresentazioni sincere delle identità queer e della sessualità, alla sua reinvenzione, senza precedenti, dell’immaginario dell’alta moda attraverso ironia, giocosità e imperfezione.

L’esposizione “Modigliani sottopelle” presenta l’opera “Nu couché” di Amedeo Modigliani, parte della collezione permanente della Pinacoteca Agnelli, in dialogo con altri tre grandi capolavori dell’artista, in prestito dal Centre Pompidou di Parigi e dalla Staatsgallery di Stoccarda, per offrire nuove chiavi di lettura e una comprensione più articolata della sua pratica pittorica. Il progetto espositivo, in mostra dal 30 aprile al 13 settembre, prende origine da avanzate ipotesi scientifiche che hanno analizzato la trama e l’ordito delle tele, ricostruendo l’origine dei rotoli di tessuto impiegati dall’artista e introducendo un nuovo strumento finalizzato alla datazione delle opere. La mostra, ospitata nello spazio dello Scrigno, nell’ambito del progetto “Beyhond the collection”, è a cura di Pietro Rigolo e Beatrice Zanelli.

La Pista 500, il progetto artistico di Pinacoteca sull’iconica pista di collaudo delle automobili FIAT, si arricchisce di nuove installazioni site-specific degli artisti Nathalie du Paquier e Peter Fischly. I nuovi progetti per la Pista 500 si aggiungono alle opere già presenti sul tetto del Lingotto di Rong Bao, Thomas Bayrle, Monica Bonvicini, Valie Export, Silvie Fleury, Francesco Gennari, Dominic Gonzales-Foerster, Marco Giordano, Louise Lawer, Paul Pfeiffer, Finnegan Shannon e Superflex. La nuova installazione di Nathalie du Pasquier, intitolata “Bandiere per Zefiro”, si estende lungo la facciata est del Lingotto, attivando in modo giocoso l’architettura dell’edificio, fondendo forma, colore e paesaggio. Quindici bandiere basate su disegni inediti dell’artista, caratterizzati da motivi geometrici e forme vivaci, creano un ponte tra l’operazione spazio vissuto. Il progetto di Du Pasquier si allontana dai concetti di nazionalismo, potere e dominio che le bandiere possono rappresentare in tempi di guerra e conflitto, per abbracciare il dialogo e l’apertura attraverso l’arte. Nella rampa ellittica, Peter Fischli, con l’installazione intitolata “Addition-Subtraction-Multiplication”, mette in relazione lo spazio architettonico con i ripetuti meccanismi dell’esperienza umana, tra viaggio, percezione, scoperta e meraviglia. L’opera nasce dall’immagine di trenini automobilistici utilizzati per i tour turistici nelle città : questi “treni senza binari”, con i vagoni talvolta ribaltati, destrutturati e resi, quindi, inutili, esplorano temi quali il falso e l’autentico, richiamando il viaggio come simbolo di movimento fisico e progresso, ma anche di esplorazione mentale tra esperienze stereotipate e percorsi immaginari sottosopra.

Pinacoteca Agnelli – Lingotto, via Nizza 262/103, Torino – www.pinacoteca-agnelli.it

Orari: dalle 10 alle 18 – venerdì dalle 10 alle 20

Mara Martellotta

Job Film Days: “Dall’idea al soggetto”

Pubblicato il

Nel maggio torinese dedicato alla lettura

Per il maggio della lettura e della scrittura, torna “Dall’idea al soggetto” di Job Film Days. Come si scrive un film che parla di lavoro e di diritti? Avere una buona idea non è sufficiente, occorre anche avere strumenti per approdare alla scrittura. Nasce così il laboratorio di scrittura “Dall’idea al soggetto”, organizzato dall’associazione Job Film Days, in collaborazione con l’associazione Video Community. Nel mese di maggio, che Torino dedica alla lettura fra il Salone Internazionale del Libro ed altre iniziative ad esso collegate, quindi alla fruizione culturale, Job Film Days pensa, invece, alla scrittura. L’edizione 2026 del laboratorio prevede tre giorni di incontri e confronto a Torino, il 9 e 30 maggio, e 13 giugno, durante i quali si terranno lezioni condotte da esperti del settore cinematografico, e rappresentanti di Enti del mondo del lavoro. L’obiettivo è guidare i partecipanti verso la scrittura di un soggetto da inviare alla sezione Concorsi del festival Job Film Days, che premierà le tre migliori opere durante la prossima edizione. I premi saranno offerti dall’Ordine dei Consulenti del Lavoro di Torino e da Aurora Penne. Tra gli ospiti e i tutor, oltre al regista Mattia Berlizzi e allo sceneggiatore e documentarista Alejandro De La Fuente, è attesa la regista Martina Parenti che, insieme a Massimo D’Anolfi, ha realizzato “I Promessi Sposi” nel 2007 e “Grandi speranze” nel 2009, entrambi presentati al festival di Locarno insieme a numerosi altri lavori che, negli anni, sono stati selezionati tra i più importanti festival cinematografici internazionali, come la Biennale di Venezia, dove è stata presentata in anteprima “Guerra e pace”, mentre nel 2024 è stato proposto “Vestiari, Erbari, Lapidari”. Lo scorso anno la Biennale aveva dedicato ai due autori una monografia completa. Il laboratorio di scrittura sviluppa un’esplicita finalità di promozione della creatività, e costituisce un elemento di integrazione e rafforzamento della filiera cinematografica, inserendosi nel quadro delle azioni mirate alla creazione di opportunità lavorative per i giovani e la diversificazione dell’economia locale. La domanda per le iscrizioni dovrà essere presentata entro il 24 aprile 2026. Il laboratorio è dedicato ad autori e videomaker under 35. Iscrizione gratuita.

Mara Martellotta

Varietà di forme e materia alla Galleria Malinpensa

Pubblicato il

C’è materia e sperimentazione nelle opere di Marco Palma, ingegnere cinquantenne prestato all’arte. Un percorso che lo ha portato a raggiungere la pittura e la poesia, idee che si realizzano grazie ai materiali usati. Espone sino al 23 aprile presso la Galleria d’arte Malinpensa by la Telaccia di corso Inghilterra 51, la curatrice Monia Malinpensa a sottolineare: “Forma, colore e volume interagiscono all’interno della composizione attraverso un dialogo costante generando una struttura dinamica, aperta e in continua evoluzione. La superficie si espande verso una dimensione prossima alla scultura, autonoma e in mutazione costante, capace di accogliere una libertà espressiva che si rigenera nel tempo e si rinnova nello spazio.” È l’impiego e il riunirsi coinvolgente di materiali industriali di recupero (“non solo come scelta etica, ma come potente strumento comunicativo”), il risultato di uno sviluppo lineare come di una tridimensionalità fatta di colorate forme triangolari in plexiglas, di grumi di catrame come di più o meno accennate superfici di sughero, di sporgenze gommose prepotentemente nere, di luci – attraverso elementi LED – che alleggeriscono, come in “Notturno” del 2019, quello che potrebbe risultare esclusivamente un cupo panorama. Ricerca continua, in una – diremmo quasi pressante – evoluzione mai banale, una coniugazione di intenti e di finalità che trovano spazio in simbologie di non sempre facile lettura ma oltremodo interessanti, che spingono lo spettatore a guardare con sempre maggior desiderio dentro l’opera. Nascono “Aliens escaping from black hole”, una tecnica mista del 2025, le “Serie Nero Cromo” (2021), trionfo di materiali particolareggiati, rigorosamente scuri, distribuiti orizzontalmente e verticalmente, lisci e striati, ondulati, chiusi in minime circolarità, riflettenti, opachi e lucidi, nascono le ingentilite “Serie Dream Space”, catrame e trucioli dorati ad ampliare ancora una volta lo spazio. Nascono, belli, lucenti, suggestivi, “opere al nero” alleggerite con sapienza da inserti vitrei – “Scrittura in nero” o “Percorsi della memoria”, del 2025 entrambi -, forme diseguali che s’incuneano, i gialli e i rossi, i blu e i verdi, in una grande affermazione liberatoria.

Con Palma, Lavinia Salvatori, nata a Roma nel 1984, Laurea a Viterbo e studi londinesi, un Master in Arte Terapia, materiali classici e poveri, un interesse verso la scultura raku e la ceramica, un percorso “verso un linguaggio più astratto e personale che potesse esprimere ed esplorare la realtà interna emotiva.” Un desiderio ad esprimersi in maniera improvvisa e scomposta, contenuta ed eccessiva allo stesso tempo, il passaggio dell’”atto artistico” tra il vissuto e un diverso utilizzo di vita sulla tela nel momento della resa pittorica, sino a utilizzare – nelle parole della pittrice – “approfonditamente il metodo dello scarabocchio, un utilizzo del segno come elemento descrittivo in sé, sganciato dalla necessità di rappresentare una struttura figurativa” che non può (con più o minore interesse) lasciare indifferente chi guarda. Monia Malinpensa sottolinea “l’equilibrio (che) nasce dal dialogo costante tra ordine e impulso”, chi scrive guarda ai tanti “senza titolo” che in uno slancio caotico gettano sulle tele la luminosità del bianco assoluto come il tenue di colori trattenuti, gli accenni dorati, i tratti neri colti all’improvviso, le figure impercettibili che ti attraversano la mente, l’autonomia irrefrenabile che invade chi opera.

Nelle immagini, di Marco Palma “Scrittura in nero”, tecnica mista su tela, 2025; di Lavinia Salvatori, “Senza titolo”, tecnica mista e foglia oro su tela, 2026.

Elio Rabbione

La nostra storia: intervista al Marchese Umberto Scaliti Del Carretto di Mombaldone

Pubblicato il

Quest’anno ricorre il 700° anniversario di un matrimonio che si rivelò di cruciale importanza per il savonese e il Piemonte meridionale: quello tra Enrico Del Carretto e Caterina di Clavesana.
Lui era figlio del Marchese Antonio di Finale Ligure, capostipite dei Del Carretto di Finale e di Agnese Valperga di Masino, lei era figlia del Marchese Francesco II di Clavesana.
Queste nozze, celebrate dopo un lungo periodo di trattative, ebbero una rilevanza strategica perché Caterina portò in dote ad Enrico metà dei feudi savonesi di Balestrino, Castelbianco, Castelvecchio di Rocca Barbena, Erli, Nasino, Stellanello e Zuccarello. L’altra metà Enrico l’acquistò nel 1335 da suo cognato Giacomo Saluzzo-Dogliani, che aveva sposato Argentina di Clavesana, sorella di Caterina.
Nel 1336 Enrico conquistò Cervo, in Provincia di Imperia, ma l’anno seguente insieme alla moglie si trasferì a Mombaldone (AT), dove diede vita ad una linea marchionale tutt’oggi esistente.
Il giornalista Andrea Carnino de Il Torinese.it ha intervistato il Marchese Umberto Scaliti Del Carretto di Mombaldone, il quale ha gentilmente risposto alle sue domande.

AC: Marchese, come discende da Enrico Del Carretto e Caterina di Clavesana?

Enrico Del Carretto e Caterina di Clavesana, che si sposarono nel 1326, settecento anni fa, erano i miei antenati alla 20° generazione. Essi nel 1337 si trasferirono a Mombaldone, dove io vivo tutt’oggi. Il mio quadrisavolo Aleramo (1809-1881) fu Sindaco di Mombaldone, Cavaliere dell’Ordine dei Santi Maurizio e Lazzaro, nonché filantropo e grande benefattore.
Sua figlia Maria Laura, detta Irma (1833-1919) sposò Edoardo Cervetti e dalla loro unione nacquero diversi figli, tra i quali Costanza Teresa, la mia bisnonna, che sposò Paolo Giovanni Scaliti.
Il loro nipote Paolo Giuseppe (1945-1999), che era mio padre, riprese il cognome Del Carretto.

AC: la sua famiglia ha quindi ripreso recentemente il cognome Del Carretto, appartenuto ai suoi avi?

Non proprio recentemente, ma dal 1999 per Decreto del Ministro di grazia e giustizia. 

AC: a Mombaldone è stata attiva una zecca?

Al Marchesato di Mombaldone era stato concesso di battere moneta ed elargire lauree in teologia e medicina. 

AC: i suoi antenati possedevano il castello risalente al XIII secolo, poi parzialmente abbattuto nel 1637. Nel 1840 il Marchese Aleramo Del Carretto ha utilizzato parte delle pietre di quel maniero per uno scopo nobile, vero?

Come raccontato oralmente di mamma, si indicava che la donazione fosse stata di sua figlia la Marchesa Irma, ma verosimilmente potrebbe essere stato Aleramo in quanto Sindaco di Mombaldone, per permettere la costruzione della galleria della Ferrovia Savona-Alessandria. 

AC: ci parli di sua mamma, la Marchesa Gemma e del suo legame con un altro feudo dei Del Carretto, Zuccarello

La mamma collaborava con il Sindaco Stefano Mai e visitò il borgo diverse volte. Il primo luglio 2007 presenziò all’inaugurazione della statua dedicata a Ilaria Del Carretto, ubicata in prossimità della Torre Sud e realizzata dall’artista Flavio Furlani.

AC: la sua famiglia vive nel Palazzo nobiliare detto “la Fortezza”, ci parli della storia di quest’edificio

Il vero nome del palazzo è la “Roca”, costruita come servitù del castello nel ‘200 (stalle e mercato del borgo), per poi venire trasformata in palazzo nobiliare tra il XVII-XVIII secolo. Nel 1783 assunse l’aspetto attuale, mentre nel Secondo dopoguerra vennero costruiti il terzo piano e il loggiato che ne caratterizza la facciata.

AC: qual è il vostro ruolo oggi a Mombaldone?

Il ruolo dei Del Carretto di Mombaldone era nella figura della mamma Gemma, mancata l’anno scorso, la quale amava tramandare la storia della famiglia, effettuare ricerche storiche ed organizzare eventi. Grazie a lei Mombaldone è stato inserito nei Borghi più belli d’Italia.
Io personalmente mando avanti un’attività commerciale insieme a mia moglie e faccio parte dell’amministrazione comunale.
Per quanto riguarda l’erede, mio figlio Edoardo, egli frequenta la Facoltà di Storia dell’Università di Genova e come hobby realizza cortometraggi storici.

Andrea Carnino

1 2 3 … 1.039