Sofia Longhini racconta il suo teatro generazionale al Fringe di Torino
Al Torino Fringe Festival arriva uno spettacolo che attraversa la memoria collettiva partendo da una domanda tanto semplice quanto destabilizzante: cosa accadeva nel mondo mentre noi crescevamo? Mentre guardavamo cartoni animati, sfogliavamo Cioè, davamo il primo bacio o cantavamo al karaoke, fuori dalle nostre stanze la realtà cambiava velocemente, spesso senza che ce ne accorgessimo.
Si intitola Tutte le cose più grandi di me ed è il monologo scritto e interpretato da Sofia Longhini, in scena al Lombroso16 nell’ambito del Fringe festival. Uno spettacolo che intreccia autobiografia, spaesamento generazionale e riflessione sociale, trasformando il ricordo personale in una lente attraverso cui osservare il presente.
Abbiamo incontrato Sofia Longhini, attrice ed autrice del monologo, per parlare del suo lavoro, della sua ricerca artistica e del ruolo che il teatro continua ad avere oggi.
“Tutte le cose più grandi di me” intreccia ricordi personali e memoria collettiva, facendo convivere l’infanzia con eventi storici spesso traumatici. Quando hai capito che la tua storia generazionale poteva diventare materia teatrale universale?
«Penso che quando ho scritto questo monologo ero uscita dall’Accademia e stavo attraversando un momento di solitudine e spavento personale, ma mi rendevo conto che questo senso di impotenza e spaesamento era comune a molti amici. Non era un dramma individuale, era una questione sistemica. Sicuramente è derivato anche dallo scontro con il mondo lavorativo: tutto ciò che avevo studiato mi stava presentando il conto. Inoltre mi sono chiesta come cittadini dobbiamo prenderci la responsabilità di capire cosa succede oltre le mura domestiche. C’era una grande lamentela, ma come se tutto non fosse nostra responsabilità. Ho sempre capito che potevo lamentarmi, ma da una posizione privilegiata che è quella di attrice. Per questo nello spettacolo ho messo in luce anche il dramma della classe borghese, che fa perdere i confini di ricchezza e povertà, evidenziando come oggi la classe operaia guadagni spesso più della classe culturalmente più elevata. È un ribaltamento curioso: la condizione economica è ribaltata rispetto a quella sociale».
Nel monologo convivono così precarietà emotiva e precarietà economica, memoria personale e crisi collettiva. Una fotografia generazionale che evita la nostalgia e sceglie invece di interrogare il presente.
Nel tuo percorso artistico hai attraversato teatro, danza, drammaturgia e anche esperienze internazionali. In che modo queste contaminazioni hanno influenzato la scrittura scenica e il linguaggio emotivo di questo monologo?
«Sono stata l’anno scorso a Nicosia, a Cipro, con altri artisti provenienti da diversi Paesi europei e lì c’è stata una grande contaminazione di linguaggi e mondi culturali. Mi sono accorta anche di come molte questioni generazionali siano profondamente legate al contesto italiano. Quando c’è un gap linguistico, vedo che c’è molta più attenzione verso il corpo, verso la performance. Questa è una cosa molto tipica italiana che noi difendiamo. Una delle cose che mi porto dietro da quell’esperienza, e che ha influenzato il mio lavoro, è la possibilità del silenzio e la ricerca di un altro canale che non sia il sobbuglio continuo delle parole. Nello spettacolo questo senso c’è, anche se forse non è tangibile fino in fondo. Mi ha messo in allarme il fatto che la parola non sia l’unica via. E che il teatro non sia l’unica via: ci sono tante forme, tanti modi per stare con gli altri».
Un teatro che allora non si limita al racconto, ma cerca presenza, ascolto e condivisione. Anche attraverso ciò che resta sospeso e non viene detto.
Nel tuo spettacolo emerge una domanda molto potente: “Come ci siamo ritrovati, all’improvviso, adulti?”. Pensi che il teatro oggi abbia ancora la capacità di aiutare una generazione a riconoscersi, fermarsi e rileggere il proprio tempo?
«Il teatro ha sempre questo valore e mi faccio tenerezza quando penso che qualcuno dica che è morto. È sopravvissuto a moltissime difficoltà e sopravviverà anche alle nostre paure. Penso spesso ai miei amici che non vanno a teatro e sento che mi piacerebbe coinvolgerli. Come nuova generazione credo sia una nostra responsabilità. Quella prima di noi la sentiamo come una generazione di giganti e pensiamo che abbiano avuto un agio in più, ma non è detto che sia una verità assoluta. Ogni generazione ha gli strumenti per elaborare la propria realtà. Il Fringe, in questo senso, destruttura la serietà del teatro e questo dualismo aiuta molto ad abbattere la barriera con il pubblico e ad avvicinare le persone».
Ed è forse proprio qui che si inserisce la forza di Tutte le cose più grandi di me: nel tentativo di restituire al teatro uno spazio umano, accessibile, capace di parlare a chi si sente sospeso tra infanzia, disillusione e ricerca di senso. Uno spettacolo che non offre risposte facili, ma lascia nello spettatore una domanda silenziosa e ostinata: dove siamo finiti noi, mentre il mondo andava avanti?
Valeria Rombolá
